LIFEPROOF

Libre association (gourmande) By Stefania

Aux Etats Unis, les cupcakes sont très à la mode. Depuis que la Magnolia Bakery, pâtisserie de New York les a remis au goût du jour (ces gâteux sont les protagonistes classiques des fêtes d’anniversaires) et qu’ils sont apparu dans un épisode de Sex and the city, manger un cupcake, c'est la cool attitude assurée. Un cupcake est une sorte de muffin fourré à la crème recouvert d’un glaçage au beurre et sucre. Ces petits gâteaux savent satisfaire et l’œil (il sont très beaux à voir, presque des petites sculptures) et le le goût : chocolat, noix de coco, vanille… 

A Paris, pour la joie des parisiens et des américains dépaysés face aux croissants et aux pains au chocolat, ne pouvait pas manquer une pâtisserie tendance comme celle-ci! Ce charmant magasin se trouve 23, rue Rambuteau. En plus des célèbres petits gâteaux américains, il propose des cheesecakes, des petits fours, des tartes.. un paradis pour les papilles et les yeux!

 

Wayne Thiebaud, Cakes, peinture à l'huile, 1963

En examinant avec beaucoup d’attention ces merveilles pour choisir mon préféré, une peinture de l’artiste américain Wayne Thiebaud m’est alors venue à l’esprit. Il s’agit de Cakes, un huile de 1963. Sur des assiettes immaculées, comme dans une vitrine, sont étalés des gâteaux voluptueusement enrobés de crème de toutes les couleurs : on a presque l’impression de pouvoir immerger son doigt dans la ganache au chocolat pour le gouter ensuite.

 

Wayne Thiebaud, Cones, peinture à l'huile, 1963

Wayne Thibaud, né en Arizona en 1920, mais qui a grandi en Californie, est l’un des représentants du Pop Art (où Pop signifie « popular »), mouvement qui naît dans les années Cinquante en Grande-Bretagne et aux Etats Unis, mais qui traverse l’histoire de l’art de manière transversale. Les artistes Pop reproduisaient dans leurs œuvres les produits de la culture de masse: les boîtes de soupe Campbell, les cartons de lessive Brillo (Andy Warhol), les bandes dessinées (Roy Lichtenstein), les voitures (James Rosenquist) ainsi que leurs îcones, comme par exemple Marylin Monroe (encore Andy Warhol) ou le drapeau américain (Jasper Johns). La publicité était une des sources d’inspiration pour ces artistes qui ont su interpréter la naissante civilisation de masse dans leurs œuvres. La peinture Pop a constitué une grande révolution dans l’histoire de l’art: elle a été la première forme de peinture qui tirait ses sujets de la vie actuelle, quotidienne. Dans les années quarante, les artistes d'avant garde s’intéressaient encore aux thèmes classiques du portrait, à l’art abstrait et aux formes attardées du Surréalisme. Le Pop Art a marqué une césure, c’était la première forme d’art intéressé à la vie ordinaire, « populaire ».

Les peintures de Thibaud ont l’allure des publicités (un style très « vintage », c’est vrai, très différentes des nôtres): elles attirent l’œil pour leurs couleurs pétantes, la texture pâteuse de la peinture, pour le choix du point de vue très rapproché. Thibaud représente sur ses toiles les gâteaux et les glaces qu’il a pu très bien observer quand, jeune, il travaillait dans des kiosques à glaces ou dans des bars.

Sublime Samedi (by Christelle)

Paris 1949 - 1952 Robert Franck © 2008 Robert Frank

Sublime samedi Parce qu’en quelques regards on saisi l’essence de l’œuvre de Robert Franck. Le rendu de sa contemporanéité, aux cadrages d’une grande justesse, met en avant l’autre visage de l’American Way of Life aux Etats-Unis et le difficile Après-Guerre à Paris. 

Parce qu’on reste ébloui par les traces photographiées par Sophie Ristelhueber et ses palmiers qui encadrent une perspective du Louvre rarement dévoilée.

Fait # 46, 1992
Sophie Ristelhueber
tirage argentique couleur et noir et blanc monté sur aluminium,avec cadre ciré or, 100 x 127 x 5 cm
édition 3/3, collection de l’artiste
© Sophie Ristelhueber / ADAGP, Paris, 2009

Parce que les nombreuses sérigraphies de Stéphane Calais à l’Espace Claude Berri sont d’une simplicité et d’une beauté désarmantes. Subtilité des influences de Bacon et de Yan Pei-Ming qui laissent la place à l’originalité propre à l’artiste.

 La pléiade
Sérigaphies sur papier, 2008, Epreuve d’artiste,chacune 100 x 70 cm

Parce que parfois la vie nous réserve des instants magiques où pendant une journée nous allons d’émerveillement en ravissement sans même s'en douter, en ayant presque oublié que ce type d’émotions n’est pas rare dans le domaine de l’art. Pourtant à chaque fois c’est comme si c’était la première fois. Parce qu’en plus ces instants de grâce ont été partagés avec de véritables amies. Enfin une vraie Saint Valentin !

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Stéphane Calais,
Ornements, Crimes et Délices
Jusqu'au  28 mars 2009

Espace Claude Berri
4, passage Sainte Avoye (entrée par le 8 rue Rambuteau)
75003 Paris, 01 44 54 88 50
Du mardi au samedi, de 11h à 13h et de 14h à 19h

Robert Frank, un regard étranger                      
Sophie Ristelhueber

Jusqu'au 22 mars 2009

Jeu de Paume
1, place de la Concorde, 75008 Paris, 01 47 03 12 50
Accès par le jardin des Tuileries,
HORAIRES
Mardi (nocturne) : 12h à 21h
Mercredi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi

C'est monstrueux! (by Justine)

Contente de vous retrouver. En vacances chez ma grand-mère, je me sacrifie au rituel de la messe et de la télé. Ce soir là j'ai regardé sans conviction "La chambre des officiers" sur Arte. Le film traite des "gueules cassées" de la 1ère guerre, ces hommes défigurés aux obus and co. Comme souvent dans ce genre de cinéma, une certaine esthétique rend les pires horreurs presque belles, mais là n'est pas mon propos (ouf). En fait le scénario nous amène à réfléchir sur la monstruosité. Elle peut être visible (un homme défiguré) ou invisible (les souvenirs de guerre qui hantent les esprits comme des bombes à retardement). Dans tous les cas, il me semble que notre perception d'une telle réalité (ébranlée, choquante, insoutenable) provient d'un décalage qui se crée entre nos croyances et ce que nous voyons. Vous allez voir, avec des exemples je serai plus convaincante.

Monstre n°1: la bouche

Dernièrement, dans l'exposition "Mauvaises Fréquentations" de Sextant & Plus, je n'ai pu soutenir la vision d'une vidéo de Claire Dantzer  (dont je suis au regret de vous dire que je ne connais ni le titre, ni la légende, et je n'ai pas non plus de visuel). Projetée sur un petit écran de cinéma, une bouche salivante embrasse avec la langue, la vitre de la caméra. Effet dégueu garanti. On est loin des sensations érotiques et sensuelles des baisers d'amoureux. Ce truc  énorme, visqueux, rouge, sorti de son contexte (le baiser) est tout simplement répugnant.

Monstre n°2: L'ange aux ailes de poulet

 

 

 

Sun Yuan and Peng Yu Angel (detail) 2008
Life size sculpture in fibre-reinforced polymer and silica gel

Gisant au sol de la renommée Galerie Saatchi of London, une très vieille femme en chemise de nuit, échappée d'un asile de fous peut-être, est face contre terre. Dans le dos, une excroissance de chair se termine par une griffe géante. Conçue à l'échelle 1, cette vieille est incroyablement réelle. La peau et les cheveux sont vraies, les ailes de poulet aussi. Je me baisse, je me relève, je change d'angle de vue. Un truc cloche. Comment? Un ange, ça vieillit aussi? Non, ce n'est pas possible. Mais ce n'est pas humain non plus, cette chose aux moignons d'ailes sans plumes. Ai-je de la pitié? Oui, je crois que c'est ça. J'ai pitié de cet être mutant mort avant d'avoir pu témoigner de l'atrocité de sa condition. Sans doute une expérience génétique qui aura mal tourné. Avec ces chinois, on peut s'attendre à tout.

Monstre n°3: Moi

Quand je me couche en ayant beaucoup pleuré, vous pouvez être sûrs qu'au matin mes yeux de grenouille et mon nez de buffle font de moi un véritable petit monstre. Je proteste! Ce n'est pas moi!! Heureusement, dès que mon loup m'embrasse, je me retransforme en Justine.

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Une autre oeuvre géniale des artistes chinois Sun Yuan and Peng Yu visible ici.

A la découverte du K21 (by Stefania)

La hall d'entrée du K21

Non, ce ne sont pas des mots croisés mais le nom du Musée d’art Contemporain de Düsseldorf. La collection d’œuvres d’artistes internationaux se trouve dans l’ancien bâtiment du Parlement Régional de la Westfalie, dont l'intérieur a été totalement rénové. Dans les salles du musée, on peut admirer sur trois étages les œuvres des artistes allemands les plus célèbres, tels que Katharina Fritsch, Andreas Gursky, Bernd & Hilla Becher, Reinhard Mucha et celles d'artistes d’ailleurs, comme le français Christian Boltansky, le suisse Thomas Hirschhorn, l’américain Paul McCarthy ou bien encore le sud-africain William Kentridge.

Parmi les œuvres les plus intéressantes (toujours admirées dans les livres d’art mais jamais vues en vrai), une installation de Nam June Paik (1932 – 2006), artiste d’origine coréenne, célèbre pour avoir été un des premiers artistes à utiliser la vidéo dans les années 1960. Il s’agit de TV garden, un jardin qui s’étend dans une pièce sombre du musée, alliant 600 plantes et 120 écrans de télévision allumés. L’œuvre, qui date de 1977, montre les rapports étroits entre technologie et nature. Les téléviseurs sont ainsi détournés de leur fonction de pure et banal divertissement pour devenir des objets de contemplation et de décoration. Il ne faut pas oublier que, déjà dans les années 1970, la télévision était un outil de communication massive car présente dans tous les foyers.

Nam June Paik, TV garden, installation 1977

Deuxième trouvaille : une animation vidéo de William Kentridge (né en 1955), Tide Table (table des marées), composée de dessins au fusain, dans laquelle on peut voir l’histoire d’une plage, auparavant destinée uniquement aux personnes blanches, et tous les événements qui se passent autour d’elle : la célébration d’un baptême, la mort , la mort d’une personne et de plusieurs vaches englouties par les eaux de la marée… L’artiste voit dans l’eau un élément qui efface le passé, une sorte de grande amnésie qui frappe les hommes et ne laisse aucune trace. Vous pouvez jeter un coup d’œil à ce lien, pour vous faire une idée (quoique le son ne soit pas très bon).

La troisième œuvre a plutôt été une découverte. Je ne connaissais pas le travail de Robert Gober, sculpteur américain né en 1954. Dans une salle de ce musée, une jambe sort du mur, comme si elle avait été oubliée par un visiteur distrait, au milieu d'un parc pour enfants de forme étrange et vide. Une atmosphère dérangeante mais jamais de violence ni de scandale, caractérise les œuvres de cet artiste. Son intérêt se concentre sur les images faussement quotidiennes, sur l’enfance et l’organique, à la manière désenchantée et inquiétante d’un Magritte.

Robert Gober, Untitled [Leg], sculpture en coton, bois, cire, cuir et poils humains, 1989

Après avoir parcouru toutes les salles, nous arrivons sur une plateforme, au dernier étage, sous une coupole très lumineuse, avec une belle vue sur les alentours et l’horizon de la ville. Il s'agit du lieu consacré aux jeunes artistes et aux installations temporaires (un autre espace pour les expositions temporaires se trouve au sous sol, où était organisée une exposition de Lawrence Weiner).

Je trouve que ce musée est très agréable et à la hauteur de l’importance de Dusseldorf en tant que ville d’art contemporain. Il ne faut pas oublier qu’ici se trouve la Kunstakademie, l’école de Beaux Arts où le génial Joseph Beuys (et bien d’autres après lui) a étudié et ensuite enseigné pendant les années 1960 et 1970. Il s’agit du plus important lieu d’expérimentation et de recherche théorique sur l’art de cette époque en Allemagne de l’Ouest. Aujourd’hui encore cette école jouit d’une grande renommée.

Le destin ironique du "Wurst" (by Stefania)

Ein Unfall (un accident)

 
Modeschau (défilé de mode)

Il s'agit des premiers travaux que le couple d'artistes suisses Fischli and Weiss a réalisé, au début de leur carrière, en 1979. Une série de dix photographies de taille réduite (17 x 25 cm) qui répresente des scènes de vie commune dans la banlieue de Zurich, ville de résidence de ce duo. Des immeubles en carton sans élégance s'élevent au milieu des rues peuplées de voitures-saucisses ou prennent feu à l'improviste. Derrière les vitrines de magasins de province nous pouvons admirer des étranges tapis étalés au sol ou des mannequins vêtus de tranches de jambon. Le « wurst », symbole commestible des pays germanophones, est le protagoniste de cette relecture alimentaire de la vie zurichoise. J'y pense à chaque fois que je fais mes courses au supermarché.

Im Teppichladen (Dans le magasin de tapis)

Quelques informations sur Fischli and Weiss: 

- sur le site de leur galerie new-yorkaise, Zwirner and Wirth
- sur le site du magazine italien Flash Art
- sur le magazine en ligne Fluctuat

Pour notre public italien: sachez qu'à Milan, au Palazzo Litta, vous pouvez assister à la projection du film de Fischli and Weiss Fragments d'un film avec un ours et un rat jusqu'au 22 février. Pour plus d'informations cliquez ici.

La surprise du Chef qui n'est pas Dieu (by Justine)

Alors qu'avec l'équipe Lifeproof au complet (ce qui donne lieu a un certain bavardage), je découvrais la collection de design et d'art de Suzette Ricciotti, une étrange attraction mis soudainement fin (de manière temporaire)  à  nos piaillements. La surprise se décomposa en plusieurs temps. Tout d'abord, Christelle fit entendre un " oh! mais c'est quoi ce truc?" suivie de près par Stefania: "c'est bizarre". (Voyez tout le vocabulaire de 2 commissaires d'expositions!). Je ne sais plus ce que j'ai dit, mais sûrement aussi un truc fondamental.

La surprise, phase 1

Nous rapprochant dangereusement de l'objet non identifié, nous voici à présent fascinées par ce noir d'une brillance perverse, qui semble absorber la moindre molécule de lumière, tout en laissant flotter un pâle reflet de ce qui l'entoure. Vu de dessus: voici ce que nous découvrons:

La Surprise N°2

Un trou. Le noir s'y engoufre (ça me fait penser un peu à du pétrole) et nous avec. On se met nerveusement à rire. " On dirait un trou noir!" (c'est original). Puis, exposition de design oblige: " Alors, c'est une table? hé hé hé" Nous avons l'air fines. On fait encore une fois le tour de l'objet (ou serait-ce une oeuvre?) par précaution, histoire de bien en croire nos yeux. Et là...

Surprise n°3
La Surprise du Chef qui n'est pas Dieu, est une oeuvre de
Stéphane Henri, "Echo", Sculpture, 2006, pièce unique, acier, laque noire, trompette.

Tatatatata!!!  Le cube massif est en fait vide, habité par une trompette qui fait le trou... et dans laquelle on aurait du mal à jouer... Nous sommes au coeur de la création de l'univers, un trou noir duquel ressortirait une matière (laquelle???) qui potentiellement pourrait nous être insufflée (nous serions au bout de la trompette) pour nous donner vie??? J'essaye encore: Une matière noire et brillante, fascinante, à la fois pleine et absorbante, nous obligerait à palper le vrai vide (l'espace autour de la trompette) comme une matière immatérielle???

Bon. Assez divagué. Deux possibilités:  (1) Rester sur le mystère qui entoure l'oeuvre et l'effet de bluff qui nous a saisi. Ou Bien se rapprocher de l'artiste Stéphane Henri (2), discuter avec lui, comprendre sa démarche (pour voir si on avait juste!). A vous de choisir!

Pour les lecteurs qui ont choisi (1), l'article est terminé. Pour ceux qui ont choisi (2), voir les pistes de réponses ci-dessous. Merci d'avoir joué avec nous!
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Stéphane Henri est un jeune plasticien qui vit et travaille à Paris. Il est représenté par la Granville Galerie. En plus d'être plutôt beau gosse, il travaille sur l'identité des lieux (architecture, design, forme, matière) , en y installant des objets /œuvres (et en conviant des spectateurs) qui influencent leur fonction (lieu de vie et de partage, lieu de monstration, lieu sacré, profane, paysage, etc)...

L'oeuvre présentée questionne  les différences-liens-limites entre le design et l'art. Si l'on pose un verre sur l'oeuvre, elle devient mobilier, table. Sinon, on peut jouer éternellement avec sa forme et ses matières, et alors l'élever au statut d'œuvre d'art. Dans une exposition de Design comme celle-ci (voir la Passionata), on pourrait trancher: c'est une table! Mais la forme étant une pièce unique, qui peut donner lieu à plusieurs interprétations, je la classe sans hésiter dans la catégorie (à mon gout plus noble mais c'est une déformation professionnelle) de l'art.

Qu'en pense Stéphane Henri?
La réponse se trouve dans le dossier PDF que vous pouvez téléchargerTéléchargement Dossier artistique