LIFEPROOF

Virée nocturne Rue Louise Weiss (By Christelle)

  Lionel Esteve

"Carnivorous Feathers" 2009
Feathers, plastic material, paper pelletizes, Vandergraaf generator, timer, movement detector, wood / Plumes, matière plastique, pastilles de papier, générateur Vandergraaf, timer, détecteur de mouvement, bois
6.6 feet x 34 1/4 inches x 34 1/4 inches / 198,5 x 87 x 87 cm (courtesy site Emmanuel Perrotin)

Certaines galeries parisiennes fonctionnent en groupe. C’est le cas de celles occupant la rue Louise Weiss dans le 13ème arrondissement ainsi que celles du Marais. Ce phénomène se traduit, entre autres, par l’organisation de vernissages aux mêmes dates afin de faire venir le plus de personnes possible en « créant l’évènement ». Ce grand « non évènement » a donc eu lieu samedi dernier.

Lionel Esteve, vue de l'exposition "How to lie" à la Galerie Emmanuel Perrotin.

Je vous recommande de faire l’expérience de ce type d’expédition très intéressante d’un point de vue sociologique mais beaucoup moins d’un point de vue artistique malheureusement. En effet, lorsque l’on s’attarde plus sur les excentricités vestimentaires des visiteurs que sur les qualités des œuvres, cela signifie que ces dernières sont inexistantes, au mieux insuffisantes. Passant d’une rive à l’autre, vous découvrirez deux mondes bien différents tant du point de vue des visiteurs que des œuvres présentées. Cette fois, et ce n’est pas la première, le constat est globalement navrant.

Déballage de valeurs sûres chez « the so famous Emmanuel Perrotin » et d’œuvres ultra glamours qui n’incitent nullement à la réflexion. Peut-être un effet de la crise me direz-vous ? Sans doute. Citons tout de même l’un de ces artistes exposés impasse Saint Claude, Lionel Esteve qui souhaite, dans le communiqué de presse de son exposition How to lie, « aérer notre esprit » mais aérer ne veut pas dire vider !

Alors que l’art a une véritable place à prendre dans les questionnements actuels, notamment politiques, il n’en est rien pour la majorité des artistes exposés bien au contraire, l’art est ici devenu un divertissement, pire une bonne décoration.

 

Mircea Cantor, "White sugar for black days", vue d'exposition à la galerie Yvon Lambert.

C’est encore le galeriste Yvon Lambert qui s’en sort le mieux en présentant une exposition monographique de Mircea Cantor. Les contenants devenus contenus vous charmeront probablement par la pureté de leurs lignes.

 Autre œuvre valant un déplacement, le film de Ryan Gander dans la deuxième salle d’exposition de la galerie gb agency. Il s’agit d’une vidéo où un homme rejoue une scène d’un film de Julian Schnabel² de 1997 sur la vie de l’artiste Jean-Michel Basquiat. Cela se passe dans un parc en Angleterre et j’ai eu un grand plaisir à me perdre avec la voie off dans les méandres de la réflexion ayant abouti à la réalisation de cette scène.

Notons pour finir l’intérêt du mobilier d’architecte proposé à la galerie Jousse Entreprise qui se trouve également dans le 13è arrondissement. Ce fut une vision bienfaisante que ces objets ayant vécu, loin des paillettes. Enfin !

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1 Emanuel Perrotin possède deux espaces d’exposition à Paris intra muros le 76 rue de Turenne et le 10 passage Saint Claude.

2 Julian Schnabel est un artiste et cinéaste américain né en 1951.

Retrouvez toutes les informations concernant les galeries citées dans l'article, en tapant "rue Louise Weiss" dans Google!

Le Prix Mourlot (by Justine)

Que fait-on lorsqu'on n' a pas eu le temps d'écrire un article de fond pour le blog que l'on anime? Réponse: on se rencarde sur les bons plans culturels marseillais et on fait un billet d'information (avec les mots des autres!!!). Aussi, chers lecteurs, je ne saurais que vous recommander de prendre connaissance des divers vernissages qui auront lieu dans les semaines à venir, dans la plaquette de Marseille Expos avril-mai-juin 2009 disponible ici.Téléchargement Marseilleexpos_marsmai2009

Ah oui! Ne manquez pas le vernissage du Prix Mourlot, qui aura lieu le mardi 24 mars à la Galerie Montgrand.

Le prix Mourlot, quesako?

C'est un prix de peinture régional, dont le fondateur, Jean-Michel Mourlot, était épris de peinture. Il légua à la Fondation de France sa fortune afin de créer, par le biais d'une savante gestion de capital, l'association du Prix Mourlot, qui récompense chaque année depuis 1996, un jeune peintre émergent, lauréat d'un concours regroupant 5 finalistes. L'exposition collective des travaux a lieu depuis plusieurs années à la Galerie Montgrand (dont nous avons déjà parlé  ici), au coeur de la ville. Le jury se compose d'artistes, galéristes, professeurs des beaux arts et critiques d'art. Le tout est orchestré par Olivier Billard, qui fédère de plus en plus de personnes autour de ce projet généreux.

Un véritable tremplin pour les jeunes artistes peintres. Une dotation de 3.000 Euros récompense le meilleur. Cette année, je mise sur Jérémie Delhome. Je vous expliquerai un peu plus tard pourquoi...

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Prix Mourlot- 9ème édition

Samuel Aligand - Amélie Bertrand - Jérémie Delhome - Balthazar Leys - Alexandra Roussopoulos

Vernissage et remise du prix le mardi 24 mars 2009 à partir de 19h00

Exposition du 19 mars au 11 avril 2009

Galerie de l'Ecole Supérieure des Beaux Arts de Marseille - 41 rue Montgrand - 13001 Marseille
Ouverture du mardi au samedi de 14h30 à 18h. Pour tout Renseignement : Olivier Billard - 06.16.34.83.45

Potere alla parola (by Stefania)

 

Jenny Holzer, projection à Florence, 1996

Jenny Holzer est une artiste américaine très célèbre qui, depuis les années 70, travaille avec les mots, de manière minimaliste, (dans Truism, des affichettes avec des phrases en noir et blanc, qu’elle exposait abusivement dans les rues de Manhattan) ou monumentale (les récentes projections lumineuses dans les rues des grandes villes). Les contenus des ces mots peuvent être des poèmes, des récits écrit par l’artiste, des textes politiques, des slogans, des jeux de mots. Elle s’est toujours confrontée au language, au rôle des mass media, au domaine de la publicité, poursuivant une réflexion que les artistes Pop avaient commencé dans les années 50.

Jenny Holzer, A Survival sorozatból, New York, 1985 - 86

Si je pense aux rubans à cristaux liquides qu’elle réalise dans les années 80, par exemple A Survival sorozatból à Times Square (New York, 1985–86), je me demande: pourquoi notre attention est attirée par ces interventions? Dans un environnement très chargé visuellement comme celui de Times Square, une telle banderole devrait disparaître parmi les autres enseignes lumineuses clignotantes et racoleuses.

J’ai essayé de trouver une réponse à cette question grâce aux mots du philosophe basque Fernando Savater, dont j’ai lu un article dans l’hebdomadaire italien L’Espresso. Savater y affirme que l’univers humain est basé sur la parole, qui donne forme à nos pensées et nous permet de vivre en société (Aristote docet). Les images, que nous croyons parfois être plus efficaces que les mots, ne valent rien sans eux, parce que la parole peut les traduire, les rendant parlantes. Les mots savent développer notre esprit critique, tandis que les images exercent sur nous un effet hypnotique. Il y a bien sûr des mots qui ont été trop usés (exemples : démocratie, liberté, je t’aime…), dans ce cas c’est la littérature qui a le devoir de leur insuffler une nouvelle vie pour restituer leur magie, les sauver.

Dans Le temps en ruines (2003), le sociologue français Marc Augé propose la même opposition entre parole et image, en évoquant la « mise en spectacle » de notre société. Ce procès provoque une production constante d’images artificielles qui s’opposent au pouvoir de l’écriture, capable de faire surgir dans les lecteurs des paysages intérieurs qui appartiennent et à l’écrivain et au lecteur. Les images, par contre, ne laissent aucune place à l’imagination, au partage, à la construction d’une signification.

J’avais un peu perdu mon goût pour la lecture (manque de livres intéressants?), maintenant je me rends compte que je devrais éteindre plus souvent l’ordinateur (eh oui, j’ai la télé mais c’est en allemand..) et me consacrer à cette activité édifiante pour mon esprit et pour le monde en général.

Mix and match à la germanique (by Stefania)

Comme vous le savez sûrement, pendant la deuxième guerre mondiale la plupart des villes allemandes ont subi bombardements massifs et destructions. Si on regarde les photos de l’époque, on peut voir le désert des ruines qui devait s’étendre sur toute l’Allemagne en 1945.

Pendant les années Cinquante toutes ces villes ont été reconstruites (c’est pourquoi souvent elles se ressemblent). Les églises aussi n’ont pas été épargnées. Mais certaines ont connu une transformation intéressante, qui à mon sens nous dit beaucoup sur l’esprit anticonformiste de la culture allemande. Côtoyant les parties épargnées par les bombardements (gardées intactes souvent comme témoignage contre la barbarie de la guerre), d’autres portions reproduisent le même style ancien, mais sans le camoufler: roman, gothique, revival…. Souvent on garde les mêmes principes de construction, mais avec des matériaux expressément modernes (les vitres à miroir, par exemple, ou le ciment). Tout cela crée un dialogue entre les époques, très intéressant qui nous montre que les allemands n’ont pas de taboo esthétiques ou stylistiques en matière d’architecture. Impossible de proposer cela dans des villes très historiques d’Italie!

Voilà ci-dessous trois exemples d’architecture mix and match repérées lors de mes pérégrinations allemandes.

L’église Kaiser Wilhelm Gedächtniskirche (Berlin), dédiée à l’empereur Guillaume et partiellement détruite en 1943. Elle a été enrichie d’un élément moderne (une sorte de copie de la tour survécue) en vitres à miroir.

L’église Altkatholische Christi Auferstehung (Cologne) garde de son ancienne structure (détruite en 1944) le clocher de la fin du XIX siècle. Le reste repropose le même style, mais modernisé.

 

Dans cette église (St. Foillan, Aix-la-Chapelle) la transformation est visible à l’intérieur du bâtiment. La moitié de l’église fut bombardé le jour de Pâques 1944. La reconstruction, en ciment, reproduit les mêmes piliers de style gothique, mais simplifiés au maximum. Les vitraux aussi ont subi la même transformation.

En retard! (my Moana)

Chers blogueurs,

Moana nous a fait parvenir un post spécial "crise Moumoune", avec ce petit mot d'accompagnement: "bon, je file, j'ai du linge à laver, un sac à faire et un rangement de chambre à faire, sans parler des travaux dans le salon (fuite), de la banque où il faut que je passe, de la pharmacie où je dois récupérer des médics...et il est 13h30 et je n'ai pas mangé, je dois ranger la boutique avant de la fermer jusqu'à mardi et pfffffffffffffffffff... I am oberbooked, shit de merde!!"

Elle vous embrasse et vous dit à bientôt. Si vous voulez, vous pouvez vous amuser à trouver la faute d'orthographe qui s'est glissée dans son dessin.

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Moana est née à Salon de Provence le 6 mars 1981 dans sa salle de bain (arrivée un peu trop vite...). Elle fabrique des jeans pour ses barbies et pratique les travaux manuels avec fanatisme, depuis l'age de 5 ans.
Après un DTMS (diplôme de techniciens des métiers du spectacle option: technique de l'habillage) elle enchaîne sur 2 ans de DMA (diplôme des métiers d'art, option costumier- réalisateur) et passe un oral devant 14 personnes où elle pleure du début jusqu'à la fin (trop de stress) et obtient les félicitations du jury. Puis elle vise le DNSEP (diplôme national supérieur d'enseignement plastique), et là, c'est l'éclate! elle fait de la peinture et de la photo, mais aussi de la sérigraphie, de la gravure, de l'animation 3D, de la robotique, de la programmation, de la couture, de la vidéo, du son, et patati et patata... Ensuite elle sort de l'école et enchaîne toutes sortes de jobs pour parfaire son cv tout terrain (et surtout manger): assistante de vie scolaire auprès d'enfants autistes, chômeuse, vendeuse de chocolats....

Photographie contemporaine (by Justine)

Sans titre, collection personnelle, 2009

" Chère Christelle,

Chez ma grand mère, je côtoie une réalité tout à fait différente de la mienne. Son rapport aux choses et à la nouveauté m'amuse. Pour la "nouveauté", par exemple depuis que la purée Mousseline est sortie (ok ça fait déjà quelques années que ça existe!), plus question d'éplucher les patates! 

L'échelle de valeur attribuée aux produits et aux objets remonte à l'expérience de la 2ème guerre mondiale. Les choses doivent être manipulées avec soin et faites pour durer. Les denrées alimentaires doivent pouvoir (de préférence) se stocker, et éviter des "corvées".  Sur la table de nuit de Mémé Gigi se trouve une petite bouteille d'Evian, qu'elle utilise sans doute depuis plusieurs années. Dans sa cuisine, une petite cocotte gagnée avec la livraison d'un achat par correspondance sert à faire le potage du soir (pas instantané, le potage, c'est sacré!)

 

Sans titre, collection personnelle, 2009

Je prends des photos témoins d'un rapport au monde différent du mien. J'ai grandi dans l'ère du jetable et du gaspillage. Je me demande: ces photos font-elles une oeuvre?  

Ces signes d'appartenance au XXIème siècle, avec des valeurs du siècle passé, sont-ils suffisamment universels pour que mes images soient agrandies, puis montrées aux yeux d'un public qui vient voir de l'art contemporain? Quelle est la probabilité que je décourage un spectateur curieux de voir des oeuvres "qu'il n'aurait pas pu faire lui-même"?

On peut distinguer grossièrement 3 pratiques de la photographie contemporaine : la photo-document contrarie ou sublime la réalité, la photo-narration se rapproche du cinéma , et enfin la photo -picturale donne à voir des tableaux.

Si l' on exclut la technique (car aujourd'hui même un petit numérique fait de très belles photos), dans mes photos d'évian et de casserole, 2 choses sont à valoriser:

- l'idée du point de vue (aurait-on pensé à s'attarder sur une bouteille d'Evian?)

- la réflexion qui est née de la prise de vue (est ce que je montrerais cela dans une expo? est-ce que ça a une valeur quelconque?)

Finalement c'est à cela qu'il faudrait répondre: les artistes se posent-ils la question de savoir quel intérêt le public trouvera à leur expression (photographique ou autre)? En art comme dans tous les autres domaines, je trouve qu'il y a trop de production et pas assez d'attention à la qualité de l'oeuvre, et du spectateur.

Merci d'éclairer ma lanterne. Justine"

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Les conseils avisés de Christelle:

" Hello,

Ce texte soulève des questionnements très intéressants mais je ne suis pas toujours sûre que les termes soient bien choisis.
Cette phrase : "Je me demande: ces photos font-elles une oeuvre?" n'a rien à faire là, à mon humble avis, car ce qui fait une oeuvre d'art c'est aussi la volonté de l'artiste et son discours, ce qu'il veut faire passer comme message dans son oeuvre et bien sûr le fait que ce soit un artiste et tu n'es pas artiste (ou alors tu me l'as caché!) Mais tu peux supprimer cette phrase ton texte reste cohérent, je dirais même "au contraire".

Autre point problématique "les artistes se posent-ils la question de savoir quel intérêt le public trouvera à leur expression (photographique ou autre)?": je crois qu'un bon artiste se fout un peu de cette question et heureusement car il doit pas faire en fonction de la demande mais ça tu le sais aussi bien que moi.

Donc à part ces deux points, ce post est bien.
Bises.
Christelle "

J'adore mes copines!