LIFEPROOF

Grosses taches (by Emmanuel Germond)

 

Claude Tousignant, Chromatic accelerator, 1968

Ça fait toujours plaisir d’écrire pour une nouvelle publication. Un peu le trac aussi. C’est comme un premier jour de rentrée. On appréhende : « Vais-je réussir à trouver les mots qui enchantent la jeunesse sans jamais l’effaroucher ?». C’est donc avec la motivation appliquée du jeune diplômé qui prend le chemin de son premier emploi que je me rendais sur le lieu d’où je devais prendre mon envol.

Car j’avais décidé de faire un gros coup, de prendre la pause avec un beau billet « from de l’autre cote de l’Atlantique ». Destination : le musée d’Art Contemporain de Montréal. Objet: l’exposition dont on a l’impression qu’elle est dans le metro tellement il y a des affiches partout. Rétrospective CLAUDE TOUSIGNANT ou « Le maître incontesté de l’art contemporain québécois ». Maintenant que je sais, relire cette appellation suffit à m’indiquer la blague.

Pour vous aider  à mieux percevoir de ce dont il s’agit, fermez les yeux et plongez dans vos souvenirs jusqu’au moment où vous n’aviez encore jamais été touché par quoi que ce soit de contemporain. Vous y êtes? Maintenant, souvenez vous ce que pouvait évoquer ce gros mot : « ART CONTEMPORAIN », lâché sur une radio publique par un vieil hautain à lunettes. En général, ça provoque systématiquement une espèce de brouhaha floue ou « mise en abîme », « concept », « vide » commente des scènes désopilantes : des gens qui contemplent un mur blanc titré « neige dans l’infini », des personnes nues qui se frappent sur ARTE alors que c’est pourtant mercredi, le jour de la danse et puis le coup du carre vert (ou rouge) sur fond jaune (et vice-versa).

Et bien, ça existe en vrai.

Claude Tousignant, Les Taches, 1955

Dans un espace magnifiquement placé et à l’architecture de bunker en biais type Centre Bourse  (les marseillais connaissent) remarquable, j’ai vu ce truc qui ne m’inspire, je suis désolé, qu’un seul commentaire : «  Si c’est de l’humour, c’est costaud ». Petit retour historique: un jeune homme, au milieu des années 1950, a fini une école d’art. Il fait des traits puis des taches (« les taches »,1955). Il crée alors le mouvement tachiste (je vous jure !), puis « zut! » : il passe aux petits carrés. Et là, fin des années 60, c’est l’illumination : les ronds. Des grands ronds qu’il a le génie de peindre sur des supports…ronds. Enfin, il n’y coupe pas, vingt ans après tout le monde, il fait des immenses carrés qu’il associe (eheh : c’est un diptyque). Depuis vingt ans, au sommet de l’avant-garde, l’homme fait des immenses carrés avec un bord rond. Evidemment, le potentiel comique de l’installation transpire peu de cet article. La raison est simple : il manque des éléments, au premier rang desquels figurent les titres. Citons de mémoire le célèbre « Monochrome orangé » et les « Diptyques circulaires ».

Claude Tousignant, Double Céphéide mai -juin 1997, 1997

Pour parfaire cette opération qui provoquerait une fuite urinaire à quiconque, il faut saluer la collaboration des conservateurs Paulette Gagnon et Mark Lanctôt. Ce sont eux en effet qui écrivent la légende éclairant la visite et ainsi, lui donnent toute son essence. C’est certainement là que règne le génie sans qui Claude Tousignant ne serait rien. Je vous invite donc réellement à visiter le site du MAC de Montréal, pour profiter de cette exposition qui n’a lieu que tous les 10 ans depuis 50 ans à Montréal.

Évidemment, de honte, j’ai été tenté de ne pas rédiger cet article. Et puis je me suis ravisé, bien décidé à assumer cet élan aveugle qui trahit le néophyte outrecuidant. Cela m’apprendra à vouloir faire le malin.

---> Interview des conservateurs Paulette Gagnon et Mark Lanctôt.

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Emmanuel Germond est né au début de l’année 1974 : c’est la fin du baby boom insouciant du « demain j’achèterai plus qu’hier ». C’est également le début de la crise qui va faire de chacun un looser qui angoisse à mort pour l’avenir. Avant : ceux de la campagne qui sont montés pour s’acheter un pavillon et un canapé et « tu oses te plaindre, tu n’as jamais manqué de rien ? ». Après : ceux qui sont nés dans le virtuel, les émotions produits et la ps2/cocaïne. Représentant symbolique de cette génération X, Emmanuel Germond est passé, comme tous ses amis, d’alterno-gauche à branché chiant et enfin socialo-fasciste avec conscience mondiale pour le samedi soir. En termes artistiques, cela se traduit par une génération perdue entre le design d’un aspirateur et le Xanax. Comme tout le monde, il fut : punk textuel à 20 ans, expérimental bruitiste puis éléctro-minimal à 25 avec ses amis graphistes. Ensuite, il devient sensible aux doux rythmes de nos frères de couleurs. Aigris devant le retour du rock qui « n’est qu’une pâle copie de ce qui était mieux avant », il est, comme tous les jeunes vieux blancs, touché par l’image, le cinéma : autant de sensibilité qu’il a développé, scotché devant la télévision commerciale, pendant les 20 premières années de sa vie où il ne se passe rien. A défaut d’autres inspirations, il s’appuie sur Guy Debord pas lu pour faire de l’art en mélangeant des références médiatiques. Une idée = une œuvre. Un principe = un style.

A trente ans, il n’a jamais mis les pieds dans une expo, n’a jamais lu un livre d’art. Il photographie comme on lui a appris en couverture de Libé mais ne voit pas l’intérêt de cet « outil de description, appuyage de bouton codifié qui ne transmet aucune émotion ». A trente ans donc, il décide de devenir artiste. Il est l’auteur de plusieurs couvertures pour Ventilo : soit égocentrées ou pire, inexistantes. Suivront quelques pirouettes « mise en abîme de l’art/spectateur » : la série Marie Dominique, l’installation Ecce Volvo et la pièce chorégraphique en Passant par là. Le seul intérêt de cet artiste, y compris dans son dernier projet Exposition aux Dangers Psychologiques, est qu’il représente son époque médiocre : une pratique même pas artisanale (ni travail, ni maîtrise), aucune perception personnel retransmise, aucune construction d’univers... : rien, si ce n’est l’accumulation de hasard dans une pratique anarchique « d’outils devenus accessibles au grand public ». Minable !!!

Galerie Mourlot (By Justine)

Lynda Deleurence, huile sur toile, 110x140 cm (titre de l'oeuvre et année de production à compléter)

Une douce atmosphère printanière régnait cette veille de vacances, à la Galerie Mourlot. Des familles, des artistes et quelques amateurs étaient venus saluer l'exposition de Lynda Deleurence, une jeune peintre marseillaise qu'Olivier Billard expose depuis plusieurs années.

De grands paysages aux couleurs saturées donnent une impression de cliché pris depuis la vitre d'une voiture en marche. Comme quand on se balade un dimanche et qu'on a la flemme de descendre, mais qu'il nous faut quand même emporter dans notre boite à souvenir, un bout de l'instant.

D'autres oeuvres font penser à de lointaines expéditions polaires, on sentirait presque le blizzard.

Lynda Deleurence, "exclusivité d'un paysage-indefectible", huile sur toile,110x140cm, 2006

Quelques fées rencontrées parmi l'assemblée. Un petit moment de bonheur. Un verre bien frais de rosé. Je ne saurais que trop vous conseiller, après les courses au centre Bourse et les livres de l'Alcazar, de venir faire un tour rue Thubaneau, où il fait décidément bon vivre.

Vues de l'exposition

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Lynda Deleurence
Prise au vent
jusqu'au 16 mai 2009
Galerie mourlot jeu de paume marseille

27 rue Thubaneau - 04.91.90.68.90 - galeriemourlot@free.fr

Ouverture du mardi au samedi, de 11H à 19H, Entrée Libre

La mise en scène du pouvoir (by Stefania)

J’ai eu récemment l’occasion de voir les images du sommet de l’Otan et, malheureusement, de la gaffe de Berlusconi (oui, je me trouve en Italie, notre cher Président du Conseil est la star des tous les JT). Je ne veux pas dire un seul mot sur cette dernière et honteuse performance, mais vous parler d’une exposition que j’ai  visité pendant un bref voyage à Nice. Elle m’a fait réfléchir sur les comportements codifiés des politiques où l’étiquette est de rigueur dans les rencontres des chefs d’Etat , et au language visuel du pouvoir et de la diplomatie.

Il s’agit de Protokoll, exposition personnelle du photographe suisse Christian Lutz, dont les commissaires sont les artistes Anne Favret et Patrick Manez, en cours à l’Atelier Soardi de Nice.

Des photos de dimension moyenne, prises pendant les rencontres diplomatiques de la délegation fédérale suisse à l’étranger (France, Suisse, Etats Unis, Israel, Bulgarie...) montrent la mise en scène du pouvoir, les rapports d’autorité et de hiérarchie, en nous dévoilant une facette souvent cachée dans les reportages de la presse quotidienne.

Christian Lutz, Rome, Italy, October 2005

La photographie ci-dessus illustre de façon très évidente la sensation d’oppression et de suffocation qu’inspire parfois le pouvoir politique, devant lequel on se sent exclu et inférieur. Le point de vue très bas, ne laisse voir que les dos des hommes tous de gris vêtus et la théorie des chaises, les couleurs froides, et le seul visage visible (lui aussi blanc), concentré et un poil méchant, rendent cette photo à la fois éloquente et inquiétante.

 

Christian Lutz - Residence of the swiss Ambassador to France, Paris, December 2004

Ce cliché, qui figure sur le carton d’invitation de l’exposition, est caractérisé par la richesse des détails et par un traitement particulier de la lumière: on se croirait face à une peinture hyperréaliste. Les aplats de couleurs sombres et la figure humaine au centre de l’image, vue de dos, soulignent la petitesse et la solitude de l’être humain. La photographie semble nous montrer que les chefs d’Etat, qui ont la chanceuse et difficile mission de représenter les autres, peuvent parfois se sentir en difficulté, oppressés par leurs responsabilités et leur rôle.

Je suis absolument enthousiasmée par cette exposition, cela  faisait des lustres que je n’avais pas vu un travail si fort et si profond dans une galerie, c’est pourquoi, chers lecteurs niçois, je vous invite chaleureusement à la visiter à l’Atelier Soardi, jusqu’au 16 mai prochain.

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Christian Lutz, Protokoll

jusqu'au 16 mai 2009

Atelier Soardi - 8, rue Désiré Niel 06000 Nice

commissariat: Favret-Manez

partenariat: Southart.

Nécessité de la rêverie en milieu flottant (by Christelle)

 

Vassily Kandinsky, Several Cercles, huile sur toile, 1926

Une rétrospective Vassily Kandinsky à Paris, un bonheur assumé pour la grande admiratrice de ce peintre que je suis.

Au quotidien le cliché est mon ennemi, pourtant lors de ma première visite, j’étais ce spectateur happé par les œuvres qui croit que le temps s’est arrêté. Pendant ce moment si délicat mon esprit critique s’est même endormi.

Mais reprenons nos esprits, justement.

Rappelons que les œuvres de Kandinsky sont qualifiées « d’art dégénéré » par les Nazis et que l’URSS les retire de ses musées au moment où ce dernier trouve refuge à Paris.

Comment sommes nous passés de ce rejet au consensus actuel ?

En effet, aujourd’hui nombreux sont ceux qui se verraient bien avec l’un de ses tableaux dans leur salon. Est-ce le temps qui a rendu ces oeuvres si décoratives ? Les reproductions a outrance de tableaux d’art moderne ont-elles habitué notre œil à la peinture dite d’avant-garde ?

Revenons à l’essentiel, la volonté de l’artiste. Kandinsky a souhaité se départir du figuré, donc de l’imitation de la réalité, au profit de sa propre réalité intérieure.

 

Vassily Kandinsky, Composition n°4, huile sur toile, 1911

A cela s’ajoute sa croyance profonde en l’autonomie des couleurs qu’il perçoit et entend tels des sons musicaux.

Le monde représenté par Kandinky n’a donc pas été pensé pour décorer nos intérieurs.

Par conséquent, l’harmonie ne se situerait pas entre la couleur du papier peint de la salle à manger et celle du tableau mais bien à l’intérieur même de l’œuvre où les formes géométriques et les lignes ont une vie propre et semblent flotter.

En ces périodes fastes de cocooning et autres replis sur soi, restons au plus près du vivant, de l’autre, de l’art.

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Vassily Kandinsky, Retrospective au Centre Pompidou, jusqu'au 10 aout 2009

Ouvert tous les jours de 11h à 22h. Fermé le mardi et le 1er mai.

Pour plus d'information sur l'exposition visitez le site du Centre Pompidou

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I have a dream (by Stefania)

Je rêve d’un pays sans frontières, où les hommes seront libres de voyager sans papiers et de s’installer dans une ville parce qu’elle leur plaît, où les passeports n’existeront pas et les queues aux bureaux administratifs non plus. Certes, les langues, les différences culturelles seront encore là (heureusement).

Images du projet tirées du site internet des artistes www.studio-orta.com

Les artistes Lucy et Jorge Orta (dont on a déjà parlé dans ce blog) ont imaginé ce lieu dont je rêve. Dans leur projet « Antarctic Village. No borders » ils inventent  un village en Antarctique dépourvu de frontières, pour y accueillir tous ceux qui ont été frappé par l’exil, la guerre, les violences dans leur pays d'origine. Il faut dire que cette zone du monde est réglementée par le Traité Antarctique de 1959, qui établit sur son sol la liberté de la recherche scientifique, la protection de l’environnement et l’absence d’activités militaires. Ainsi, les artistes ont crée un passeport spécial (l’Antarctic World Passport), valable pour toutes les nationalités, qu’il ont distribué gratuitement aux visiteurs à l’entrée de leur exposition à Milan.

Antarctica World Passport, image tirée du site internet des artistes www.studio-orta.com

Depuis plus d’un mois je me trouve dans une situation incroyable: j’ai perdu mon portefeuille qui contenait tous mes sous et mes papiers. Le problème est le suivant: résidant en Allemagne et non en Italie, je dois donc me rendre dans un lieu méphistophélique (je vous laisse imaginer pourquoi), qui est le Consulat Général d’Italie à Cologne. Pour la carte d’identité pas de souci, en payant on l’obtient une dizaine de jours après. Mais le permis de conduire! Cela aurait été plus rapide si j’avais repassé l’examen (cela fait trois mois que je ne peux pas conduire)!

I dream no borders, no worry, no bureaucracy! Just peace and love!

l'accueil dans les galeries d'Art (by Justine)

Je suis de la génération internet qui manie le virtuel avec aisance et satisfaction. Dans l'ère du "do it yourself", rien de plus simple que de retrouver sur la toile, des textes présentés dans des expositions, des biographies d'artistes et des visuels d'oeuvres. Bon ok. Soit-dit en passant, rien ne remplace:
1- le contact avec l'oeuvre
2- le contact avec le/la galériste.

Georges Autard, vue de l'exposition à la Galerie du Porte Avion.

Comme il est d'usage à Marseille depuis 6 mois, il ne faut plus sortir sans parapluie, et c'est avec mon imper et mes bottes trempées que je suis arrivée jeudi dernier à la Galerie du Porte Avion, pour voir l'exposition de mon ancien prof des beaux arts: Georges Autard. Une jeune femme souriante me laisse le champ libre.
 
Je capte tout de suite que le monsieur continue de planer autour du bouddhisme et d'un thème qui lui est chair: le corps conscient.

C'est bien de la peinture. Mais avec une force de persuasion un tantinet déconcertante: de toile en toile, c'est comme si je me prenais littéralement une démonstration de force en pleine poire.

Georges Autard, 2 détails de ses peintures exposées à la Galerie du Porte Avion.

Georges Autard, Prosternations.

Je n'ose presque pas, puis je me lance: je demande à la jeune femme de m'expliquer l'exposition. Et là tout s'éclaire et c'est d'une telle évidence que j'aurais bien aimé y penser toute seule. Mais je suis ainsi constituée que dans ma tête, la peinture est d'abord faite avec un pinceau, la toile en face du peintre.

C'est en réalité dans un mouvement de prosternation que Georges Autard travaille son oeuvre, laissant les traces de son mouvement prisonnières de la toile.  La force que je ressentais s'apparente bien à une force physique existante, d'un homme en mouvement. Ouf, il existe un texte parfait pour la circonstance, que je vous invite à lire ici.

Vincent Kohler, Woody,2009
Résine, polystyrène, béton
255 x 115 x 150 cm.

 Me voici à la Galerie Buyself Art Club, je me retrouve nez à nez avec une grande sculpture en bois en forme d'oiseau. Un peu sommaire comme piste! J'évalue les dégâts: Mais qu'est ce qu'il a voulu dire, celui-là? C'est un peu kitch comme représentation, ça me fait penser aux souvenirs qu'on ramène des classes vertes quand on est petit... J'ai bien repéré un grand classeur noir trés bien présenté avec du texte à n'en plus finir, mais là, c'est pareil, je préfère appeler au secours. Et j'ai bien fait puisque c'est une charmante Carole qui est descendue de son perchoir et qui a révolutionné en 5 minutes, ma perception de l'exposition. En résumé, l'artiste est suisse, (Vincent Kohler) ce n'est pas du bois mais une production soutenue par la galerie, c'est beaucoup de travail (alors qu'on aurait pensé le contraire) et c'est bourré de références allant de la culture Tiki (les fétiches polynésiens), en passant par les fameux Shadock et le non moins célèbre Woody Woodpecker. La fille est tellement sympathique que l'œuvre me parait géniale, le lieu vraiment cool et les projets de la galerie, complètement délirants. Autant dire: BIG SUCCES!

J'arrive à la Galerie SMP, 500 mètres plus bas. Je viens voir l'expo de Sylvie Pic. Au dessus de l'entrée, un gars mal rasé me salut depuis son hublot, puis disparait. Je découvre le lieu, les œuvres. J'écris un petit mot pour Sylvie sur le livre d'or. Je regarde les éditions disposées dans une petite arrière-pièce de la galerie. Je fais du bruit. Puis j'ouvre la porte et je crie "merci et aurevoir"! Le Capitaine Némo réapparait dans son hublot, me toise, et me dit: "à la prochaine"!

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Galerie du Porte Avion
96 bd de la libération 13004 Marseille 04 91 33 52 00
Georges Autard,peintures-dessins
jusqu'au 25 avril 2009.

Galerie Buyself Art Club
101 rue Consolat, 13001 Marseille - +33 (0)4 91 50 81 22
Vincent Kohler,Tiki, sex and sun
jusqu'au 2 mai 2009

Galerie SMP
31 rue Consolat 13 001 Marseille
Sylvie Pic, Determinent hidden spaces
jusqu'au 25 avril 2009