LIFEPROOF

Ceci n'est pas un poulpe (By Moana)

 

Vous pouvez cliquer sur l'image pour l'agrandir
 et lire sans vous casser les yeux!
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Musée René Magritte
musée René Magritte
Rue Esseghem, 135
1090 Bruxelles
Belgique
Tél.: + 32 2 428 26 26

Le Musée René Magritte occupe la maison où le surréaliste belge oeuvra pendant près de 24 ans. Il présente au rez-de-chaussée, l'appartement que le peintre loua de 1930 à 1954, avec sa femme Georgette, ainsi qu'une exposition biographique dédiée au peintre.

Jacquemart André, un type bien (by Justine)

Fra Angelico, La preuve par le feu de St François, 1429, tempera, 27.7 x 31.4 cm, Altenbourg.

La course affolante de ces dernières semaines m'a conduite jusqu'à Paris, ou j'ai failli mourir 20 fois sur mon vélib et 10 fois en voiture. Dans un état de stress proche du nervous break down, je me retrouve dans le 8ème avec 1/2 heure devant moi. Je consulte l'Officiel et découvre l'existence du Musée Jacquemart-André, non loin. Je fais déjà un bon 1/4 d'heure de queue. Moyenne d'âge au guichet: 60 ans et plus. Je ne désespère pas; J'entre enfin dans la demeure de ce collectionneur hors-pair, qui avec son épouse Nélie, a réuni tout au long de sa vie des oeuvres de diverses époques, avec un penchant pour l'italie du Quattrocento.

C'est dans ce contexte que le musée accueillait jusqu'au 21 juin les oeuvres de primitifs italiens d'un autre grand collectionneur de l'époque:Bernard von Lindenau (collection d'Altenbourg).

Sano di Pietro, l'assomption de la Vierge, 1448-1452, tempera, 31*47 cm, Altembourg.(détail)

Ce n'est pas de l'art contemporain me direz-vous. Et vous aurez bien sûr raison. Quand je vais à Paris je visite toujours le Palais de Tokyo, Beaubourg on la Fondation Cartier; La découverte fortuite du musée Jacquemart André ensoleilla ma journée (déjà bien chaude), et je me demandais comment il m'avait fallu 31 ans pour arriver jusque-là. Ces peintures primitives italiennes sont des petits chefs-d'oeuvres d'expression, de couleurs vives, dans un parfait état de conservation.  L'oeil aime sans compter les menus détails des scènes florentines de l'époque. Cette période correspond, non à la peinture de la première renaissance mais à celle du Moyen Âge si rarement présentée dans nos musées.


La Cène, Agnolo Gaddi, vers 1396

Images de dévotion et d'idées nouvelles, supports de méditation et d'éducation, les oeuvres regorgent de symbolique, mais aussi d'excentricités: Ainsi La Cène D'Agnolo Gaddi illustre un effort pour créer un espace "réel" dans lequel placer ses personnages sacrés. Cela donne une construction assez fausse de la réalité, qui en devient "contemporaine": la peinture réunit plusieurs points de vue qui sont incohérents (vue de la table du dessus, vue de dessous pour l'architecture etc...).

Je m'arrête longuement sur les quelques panneaux de bois de Fra Angelico exposés. C'est tout simplement magnifique.

Alors d'accord, l'art de notre époque est incompris, avant-gardiste (?), libre, et tout ce qu'on voudra bien lui prêter comme intentions (voir l'excellent article de Stefania à ce sujet), mais voir quelques chefs-d'oeuvres de temps en temps, ça fait du bien.
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Musée Jacquemart André

158, bd Haussmann

75008 Paris

Tél. : 01 45 62 11 59

Ouvert 365 jours par an, de 10h à 18h.

Le café est ouvert de 11h45 à 17h30

L’art peut-il influencer la société ? (by Stefania)

Libia Castro & Ólafur Ólafsson, "DEIN LAND GIBT ES NICHT" ("Ta nation n'existe pas"), 2005 - 2008

Pendant mes dernières visites d’expositions à Milan, je suis tombée sur la personnelle du duo d’artistes Libia Castro et Ólafur Ólafsson, qui ont présenté la vidéo musicale Caregivers, un véritable documentaire sur les auxiliaires de vie en Italie. Les images de la vie de ces femmes ukrainiennes étaient accompagnées par une voix chantante qui narrait leurs expériences et exprimait leurs impressions. Quand je suis sortie de la galerie, contente d’avoir visité une exposition qui, pour une fois, me pousse à la réflexion, je me suis demandée: l’art peut-il influencer la société contemporaine, aider à comprendre les phénomènes politiques, économiques et sociaux de notre époque?
Si dans le passé il a été à la fois divertissement, outil d’éducation (le théâtre grec et romain), manifestation de gêne d’une société en changement (les Avant-gardes historiques), instrument de soumission (dans toutes les dictatures du monde et de l’histoire), symbole d’une culture dominante (le cinéma hollywoodien), que peut représenter l'art aujourd’hui? La manifestation d’un système économique basé sur la force et la spéculation? Une alternative à cet ordre des choses? Et puis : les formes d’art «à contre courant » sont-elles effectivement contraires à sa tendance dominante?

Dans les années 1960, en parallèle avec le rebondissement de la contre-culture, l’art « participatif » a vu le jour. Les artistes ont brisé le diaphragme entre « plasticiens » et public, promouvant des actions en milieu social et politique qui allaient au delà du circuit fermé galerie – musée. Ils ont aussi relié les deux concepts d’art et vie, s’opposant à la production d’ "objets" d’art. Leurs œuvres étaient des actions, des procédés, non pas des toiles ou des sculptures. Les exemples sont multiples: Gordon Matta Clark, Joseph Beuys, John Cage et le mouvement Fluxus, Allan Kaprow. Dans les années 90, une génération d’artistes plus jeunes a reproposé des œuvres d’art qui ont été appelées « relationnelles »: l’artiste thailandais Rikrit Tiravanija transformait ses vernissages en dîners conviviaux, Fabrice Hyber a converti le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris en « Hybermarché » (1986), le couple d’artistes Clegg & Guttmann produisaient des « sculptures sociales », comme des bibliothèques à libre accès parsemées dans les villes, depuis lesquelles les passants pouvaient emprunter des livres*.

Michael Clegg & Martin Guttmann, The Open Library, 1991
Aujourd’hui encore ce type d’art est très vif, de jeunes artistes pratiquent des actions intervenant dans le milieu social ou tout simplement impliquant un public trop souvent éloigné et négligé. Souvent il s’agit de formes d’art grandioses, qui ont besoin d’aides financières, de sponsors, de soutien logistique et souvent ce sont les institutions qui les soutiennent (musées, fondations, les administrations) : il suffit de penser à Rachel Whiteread et à ses calques.


Rachel Whiteread, Water Tower, translucent resin and painted steel, 1998

Mais si ces artistes ont l’approbation des institutions, de la société, du public, est-ce que leur action est encore valide sur le plan de la contestation ? Si les actions contestataires finissent en forme de jolies photos dans des encadrements couteux accrochés aux murs des maisons des bourgeois ou dans le temple du système que sont les galeries, je me demande « Quel est le rôle des artistes dans la société aujourd'hui ? »



* Dans certaines villes allemandes (Bonn, par exemple) vous pouvez trouver des bibliothèques « ouvertes » comme celles des artistes Clegg and Guttman. Les passants peuvent prendre des livres, les lire sur place ou les emporter et en placer des nouveaux. Si vous voulez en savoir plus, visitez ce site

Femmes, femmes, femmes (by Christelle)

elles@centrepompidou
envoyé par centrepompidou. - Futurs lauréats du Sundance.

Le centre Pompidou, dont je vous ai déjà parlé, a, une fois de plus, modifié le thème, et donc les œuvres, de sa collection permanente.

Il est d’ailleurs l’un des rares lieux à bouleverser aussi souvent son accrochage. En effet, habituellement les musées changent peu les œuvres installées dans les espaces dédiés aux collections permanentes. Ce côté inamovible est très pesant pour les visiteurs assidus qui, de fait, ne viennent voir que les expositions temporaires. Notons tout de même que la richesse des collections de Beaubourg se prête à ce type de pratique, ce qui est loin d’être le cas de tous les musées.

Depuis quelques jours, nous pouvons donc découvrir les œuvres de Beaubourg sous un autre angle : celui des femmes. Question légitime : que peut bien recouvrir ce titre sous forme d’adresse mail : elles@centrepompidou? A première vue, des œuvres ayant pour sujet ou pour auteur des femmes. La deuxième réponse était la bonne. 8000m2 sont ainsi dédiés à des œuvres exclusivement réalisées par des artistes femmes.

Mon constat est clair : c’est à la fois intéressant, voire excitant, et en même temps tout à fait navrant. L’on se dit qu’effectivement, voir des œuvres réalisées uniquement par des femmes est très important tant elles sont si souvent sous-représentées dans les expositions muséales et dans les galeries. D’un autre coté, on ne peut s’empêcher de se dire qu’il est bien triste d’en arriver là, à cette sorte de discrimination positive (expression aussi creuse qu’à la mode) qui réjouit d’abord mais inquiète ensuite.

Le point de vue adopté par les commissaires d’exposition est tout à fait compréhensible. Sans tomber dans le misérabilisme, et encore moins dans la victimisation, nous ne pouvons ignorer le sort globalement déplorable qui est réservé aux femmes dans le monde. Les femmes ne sont pas une minorité mais bien l’autre partie de l’humanité. (Hé oui)

Les piques, Annette Messager, 1992-1993

Alors de quoi nous parlent celles qui sont arrivées jusqu'à Beaubourg ? Rien de très étonnant: de violence bien sûr. Celle infligée directement au corps et toutes les autres plus insidieuses qui rendent nos vies insupportables. Les performances, où l’on découvre, entre autres, un houla oup en fils de fer barbelés écorchant un corps nus, font mal. Dès les années 1960, et surtout 1970, le corps devient un objet politique, un enjeu dans la lutte contre tout ce qui brime les femmes. Cette idée, et la violence qui en découle, est si obsédante que l’on se demande si les femmes peuvent parler d’autre chose que du sort qui leur est réservé.

Heureusement oui. Ainsi de nombreux tableaux et photographies nous emportent dans des contrées irréelles soulevant au passage de véritables interrogations sur l’art et l’intérêt philosophique de pratique artistique telle que la peinture minimaliste.

La situation idéale serait qu’il n’y ait pas besoin d’organiser ce type d’exposition dont le choix des œuvres, outre des qualités artistiques indéniables, repose en grande partie sur le sexe des artistes.

Et pour finir une proposition de rêverie (utopique ?) :

Quand sera brisé l’infini servage de la femme, quand elle vivra pour elle et par elle, elle sera poète, elle aussi.

Arthur Rimbaud.

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Elles@Centrepompidou

La collection permanente dédiée à la création féminine du XXIème siècle

Jusqu'au 20 mai 2010, Centre Pompidou.

SPACE MOUNTAIN (By Justine)

Oui, je sais, vous allez vous dire que j'exagère. Après 2 semaines sans poster un seul billet, me voilà de retour pour vous parler de quoi? De l'exposition dont je suis commissaire!!! Désolée de vous infliger cela, mais j'avais très envie de vous faire partager (comme la vidéo backstage d'un dvd bon marché) mon point de vue sur cette exposition. Une médiation culturelle via le Net, en somme.

Quand artmandat m'a proposé le commissariat d'une expo en 2009, je me suis tout de suite dit que cela représentait une chance inouïe de montrer de jeunes artistes, à qui l'on réserve bien souvent des monstrations collectives plutôt que des expositions personnelles.

J'ai donc attiré dans mes filets Laurence De Leersnyder et Jeremie Delhome, tous deux issus d'écoles d'art, tous les deux ayant moins de 30 ans. Je leur ai présenté le projet ainsi:

" Les gars: vous avez devant vous un espace de liberté de 400m². Votre mission, si vous l'acceptez, sera d'occuper l'espace, de faire en sorte que la présence de vos œuvres soit plus forte que la beauté du lieu."

Depuis Duchamp, j'envisage une exposition d'art contemporain, comme un jeu de communication entre le lieu, les oeuvres, et les "regardeurs" (le public). Les petits jeunes ont relevé le défi.

I La Grotte

Audace de créer quelque chose d'inhabituel, sans se perdre. STOP. Pas de valeur marchande. STOP. Jeu visuel, poétique, intellectuel. STOP. Prouesse technique.STOP. (c'est bien là la définition d'une installation).

Jérémie est peintre. Laurence est sculpteur. Chacun est sorti de son médium respectif. Laurence a sculpté le vide. Jérémie...a utilisé le mur comme sujet de sa peinture.

SPACE MOUNTAIN: paysage visuel, virtuel. Libre à celui qui regarde de vagabonder dans ses images. Et si les oeuvres étaient 2 personnes? Je crois qu'elles se plairaient.

II Le White Cube

Dans la 1ère salle: une seule oeuvre. Mystérieuse. Une forme informe, curieusement mimétique avec son environnement. Apaisement de l'esprit. Harmonie de l'espace. Je ressens un désir physique, je voudrais me glisser dans ce vide habité, me régénérer d'énergie invisible.

Pauvreté des matériaux. Douceur des lignes. Légèreté de la matière. Attraction du Vide.

J'avance...

 

Je m'envole alors avec ces objets volants non identifiés. Au sommet de cette montagne non programmée. Vers la fenêtre, vers l'espace infiniment grand. Mes yeux reviennent vers cet amoncellement de matière, mouvante, entourée d'immobilité. Je me repose.

Derrière moi se trouvent de toutes petites peintures très ludiques. Je m'amuse à tenter de retrouver le point de départ de la forme, dont Jérémie n'a pris qu'un bout selon sa guise. A tâton. Une forme-objet dans un espace monochrome. Une "idole creuse". Un "doudou mimétique".

Me voici dans la dernière salle. L'oeil est enfin aguéri. Il a été tout au long sensibilisé aux infimes petits détails des tons, des lignes, des fausses perspectives. Une série de peintures plus subtiles nous attendent. Délicatessen conceptuel: aucun des objets-formes représenté n'est identifiable et chaque forme appelle pourtant un devoir de mémoire. A nous de jouer!

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SPACE MOUNTAIN

Une exposition de Jérémie Delhome, Laurence De Leersnyder

Finissage le samedi 27 juin 2009 à 18h00

Artmandat-19 rue Pierre Curie 83670 Barjols- 04 94 77 12 03- 06 72 79 97 54 (sur rdv)

Archéologie du quotidien (by Stefania)

 

Le contenu d'une Time Capsule d'Andy Warhol

Nous vivons dans une époque dominée par les idées de conservation, de restauration et de mémoire. Nos musées sont bourrés d’œuvres d’art ancien qui demandent soins et attention afin de résister aux attaques du temps. Les églises et les monuments nécessitent eux-aussi un entretien constant, pour répondre aux agressions atmosphériques et à celles provoquées par la simple présence humaine. Et tout ça parce que, comme des vieilles personnes qui ont tout vu et tout vécu, elles peuvent encore nous dire beaucoup sur notre histoire, sur nos ancêtres, sur le temps qui est passé. A coté de cette avidité de conservation, il y a aussi le désir d’archiver, pour délivrer notre savoir à nos enfants, au futur, pour que personne ne soit oublié. Je lisais récemment un article du philosophe italien Umberto Eco sur l’hebdomadaire L’Espresso qui traitait exactement de cette labilité des supports, qui sont supposés conserver notre savoir dans les siècles à venir. Il opposait, avec l’ironie et la fausse légèreté qui le caractérisent, le livre aux supports informatiques, notamment les CD. Les premiers étant perçus comme plus durables que les seconds, qui, eux sont très fragiles mais surtout en proie à une évolution technologique trop rapide.

Les artistes aussi se sont posés cette question, comme nous tous, pour trouver une méthode sûre d’archivage pour nos données et/ou nos photos personnelles (je ne sais pas vous, mais je suis hantée par ce problème). Ainsi Andy Warhol, dès 1950, a commencé à recueillir tout le matériel possible de son quotidien (photographies, magazines, journaux, objets de toutes sortes, invitations, lettres de fan, affiches, morceaux de film…) dans des boîtes en carton appelées Time Capsules (c’est d’ailleurs le nom de cette installation). Aujourd’hui elles sont consultables dans les archives situées au Musée Andy Warhol de Pittsburgh et elles sont comme un livre d’histoire nous permettant de dresser un portrait de l’artiste plus réel que n’importe lequel.

Le musée Andy Warhol de Pittsburgh

Il faut savoir que le terme « Time Capsule » apparaît pour la première fois aux Etats-Unis en 1939, lors de l’Exposition Internationale de New York. La Electric and Manufacturing Company Westinghouse en proposa le premier prototype, une boîte contenant toute une série d’objets du quotidien tels qu’une poupée, un microscope, des magazines, de la nourriture (blé, carottes...) et un micro-film, qui a été enterrée dans le lieu où se tint l’Exposition, le Meadows Park, suivie d’une seconde, en 1965. Normalement, les Times Capsules sont faites pour être ouvertes dans des milliers d’années, par nos descendants futurs.

A la Oglethorpe University d'Atlanta existe aussi une Crypt of Civilization, une pièce crée entre 1937 et 1940, contenant toute une série de témoignages de l’époque, d’objets et de repères historiques, comme des bandes sonores enregistrées avec les voix des personnages de l’histoire, des ouvrages littéraires, tels que la Commedia de Dante et plein d’autres artéfacts de notre époque.

D’ailleurs une base de données archive toutes les Time Capsules du monde. La version moderne de ces capsules temporelles est le satéllite KEO, qui sera lancé cette année avec une cargaison faite de messages des nos contemporains et qui reviendra sur Terre au cours de l’année 52.000 (c'est un projet de l'UNESCO, que je trouve vraiment très très intéressant).

Je crois que ces Time Capsules répondent au besoin de l’homme d’arrêter le temps, de l’enfermer dans des boîtes et finalement de le contrôler, un besoin élémentaire et utopique, mais général, humain, trop humain.

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Sur ce site internet vous pouvez visiter une exposition virtuelle sur la Time Capsule numéro 21 de Andy Warhol, en explorant son contenu.