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L'art et la nature (by Stefania)

Lu Mei Tse, L'Echo, installation vidéo, 2003

Dimanche passé, lors d’un joli weekend d’automne en compagnie de mes copains allemands, j’ai pu visiter l’exposition “Ferne Nähe” au Kunstmuseum de Bonn. Sachant que le sous-titre est « Natur in der Kunst der Gegenwart » (la nature dans l’art actuel), vous pouvez bien imaginer pourquoi je voulais y aller depuis son ouverture.

L’exposition rassemble vingt trois artistes contemporains qui travaillent avec, sur, autour de la nature. Quelques uns ont retenu mon attention et je vous explique tout de suite pourquoi.

On commence par le meilleur: les sculptures légères et diaphanes de l’artiste allemande Christiane Löhr dont je vous ai déjà parlé ici. Cette artiste – que j’ai eu la chance de rencontrer et d’interviewer en juin passé – travaille avec des éléments naturels minimales, qu’elle trouve non pas au milieu des paysages vierges mais aux bords des routes urbaines ou dans des terrains vagues. Son intérêt est toutefois lié au rapport entre les sculptures qu’elle compose avec ces petits éléments et l’espace autour et notamment avec le vide. Le but de son travail n’est pas uniquement de travailler avec des matières naturelles, mais de réfléchir sur la sculpture et son rapport avec l’espace. Pour moi, son travail est la preuve qu’on peut faire de l’art avec un discours théorique fort, mais en produisant des pièces qui sont avant tout BELLES (et étonnantes).

Christiane Löhr, Fläche Kuppel, tiges de plantes, 2009

Puis j’ai admiré le travail de Sven Johne: une série de photos à rayons infrarouge qui représentent les rues d’un village perdu au milieu de la campagne de l’ex Allemagne de l’Est (Wanderung durch die Lausitz, promenade à travers la Lusatie, une région qui se trouve entre la Pologne et l’Allemagne). En suivant les traces des loups, l’artiste parcourt les rues des villages abandonnés, engloutis par la nature qui reprend son pouvoir sur l’homme et ses constructions. 

Sven Johne, Wanderung durch die Lausitz, photographies à infrarouge, 2006

Ce travail est fort intéressant parce qu’il mène une réflexion sur la dichotomie entre nature et culture sans faire des discours philosophiques. De plus, les lieux où Johne nous amène ne sont pas si éloignés de nous, si exotiques comme on a l’habitude de voir en art contemporain. Mais ils dégagent quand-même un charme désuet et mystérieux, lié au temps qui passe.

Et pour terminer, l’installation de Marc Dion qui était aussi très intéressante et site specific (c’est-à- dire conçue et réalisée exprès pour cette exposition) : il s’agit d’un ensemble d’objets issus du Musée zoologique Alexander König de Bonn (à quelques centaines de mètres du Kunstmuseum) et rassemblés comme dans une pièce muséale. Des animaux empaillés, des squelettes, boîtes et reproductions de fleur et plantes, poissons dans du formol… produisaient la même atmosphère poussiéreuse et enchantée qu'un cabinet de curiosités, où l'on fouille et l'on tombe toujours sur quelque chose de bizarre et d'étonnant. Malheureusement on ne pouvait pas ni fouiller, ni toucher. Mais le discours sur la nature devenue objet mort posé dans la vitirine d'un musée était puissant.

Marc Dion, Marvels of Bonn, installation, 2009

Si les œuvres des artistes plus haut cités poussaient une reflexion sur la place de la nature dans un monde presque totalement géré par l’homme et pouvaient faire surgir des questions intéressantes sur le rapport entre nature et culture (la nature est-elle une construction de la culture ? Est-elle une projection des pensées de l’homme ? Ou bien existe-t-elle indépendamment de nous ?), les autres travaux ne proposaient rien de nouveau. Elles étaient trop didactiques et recouraient à la nature exclusivement en guise de matériau d’art.

En tout cas, la multiplication d’expositions et de pièces qui invitent à réfléchir sur ce thème me semble répondre à un sentiment de culpabilité que l’homme ressent face aux grandes questions écologiques de notre époque. Ou sinon, plus simplement, à ce qui est un peu dans l’air du temps.

 

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Ferne Nähe, jusqu'au 15 novembre 2009

Kunstmuseum Bonn

Friedrich-Ebert-Allee 2

53113 Bonn, Germany

ouvert de mardi à dimanche 11h - 18h

mercredi jusqu'à 21h

Les sept péchés capitaux: la gourmandise (by Moana)

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Moana est née à Salon de Provence le 6 mars 1981 dans sa salle de bain (arrivée un peu trop vite...). Elle fabrique des jeans pour ses barbies et pratique les travaux manuels avec fanatisme, depuis l'age de 5 ans.
Après un DTMS (diplôme de techniciens des métiers du spectacle option: technique de l'habillage) elle enchaîne sur 2 ans de DMA (diplôme des métiers d'art, option costumier- réalisateur) et passe un oral devant 14 personnes où elle pleure du début jusqu'à la fin (trop de stress) et obtient les félicitations du jury. Puis elle vise le DNSEP (diplôme national supérieur d'enseignement plastique), et là, c'est l'éclate! elle fait de la peinture et de la photo, mais aussi de la sérigraphie, de la gravure, de l'animation 3D, de la robotique, de la programmation, de la couture, de la vidéo, du son, et patati et patata... Ensuite elle sort de l'école et enchaîne toutes sortes de jobs pour parfaire son cv tout terrain (et surtout manger): assistante de vie scolaire auprès d'enfants autistes, chômeuse, vendeuse de chocolats....

Notre Patrimoine contemporain (by Christelle)

 

Xavier Veilhan, 2009, Tôle d'acier soudée, peinture acrylique

Les fameuses, parfois fumeuses, journées du patrimoine sont pour beaucoup l’occasion de découvrir les célèbres monuments à propos desquels on se dit toujours qu’on ira un jour les voir, sauf que l’on ne s’y rend finalement jamais.

En ce qui me concerne, c’est surtout l’occasion d’explorer des endroits habituellement fermés ou hors de prix. Cette année, je me suis laissée charmer par une visite du métro parisien, lieu que je pensais connaître par cœur. L’un des cadres de la communication de la RATP en personne explique aux « happy few » qui sont parvenus à réserver leur place¹ pourquoi un lapin rose se fait systématiquement pincer les doigts dans les portes, pourquoi les annonces sonores ont des tons de voix différents, quelles ont été les erreurs de restauration de l’inimitable carrelage blanc des murs. Que de choses passionnantes pour l’adoratrice du métro que je suis.(Vous pouvez retrouver l'historique des stations de métro ici.)

Le lendemain, je délaisse les transports et pars vers le baroque, voire le surchargé, disons même le franchement « too much », il s’agit du château de Versailles naturellement.

Souvenez-vous, l’année dernière Jeff Koons avait envahi les lieux de ses sculptures kitsch à souhait. En 2009, c’est au tour de Xavier Veilhan, artiste français de renommée relativement internationale, de déployer ses œuvres, produites pour l’occasion, dans les jardins et les salles du château.

Le travail in situ de cet artiste est ici d’une grande intelligence, tout en effets d’optique très recherchés.

Xavier Veilhan, 2009, Plastique ABS, acier, peinture époxy
 

A cet égard, la plus grandiose est probablement l’œuvre intitulée Lune qui se trouve au centre des jardins juste avant le grand bassin. Etant entrée par le domaine de Marie-Antoinette, c'est-à-dire à l’opposé de l’entrée principale aux grilles d’honneur dorées, j’ai d’abord vu cette œuvre d’un peu en dessous car le terrain des jardins est pentu afin, bien sûr, que l’eau prenne de la vitesse et donc de la pression pour jaillir des fontaines. De ce point de vue, j’ai eu l’impression qu’il s’agissait d’une sphère en train de s’envoler, hypnotique sensation.

En remontant le long de l’œuvre, donc de la pelouse centrale, on ne voit plus qu’une rangée de boules noires à l’aspect caoutchouteux fichées sur des tiges de métal. Elles sont assez souples pour bouger même avec un vent très léger. Plus on s’approche plus il devient évident que ces boules ne sont pas du tout alignées mais en rang plus ou moins serrés. Grâce à cette disposition très calculée sont obtenues toutes les illusions d’optique que renferme cette œuvre.

Arrivée au sommet des marches, c’est un cercle que j’aperçois à présent. Cercle qui se tord en fonction de mon déplacement sur la gauche ou sur la droite.

Cette seule œuvre de Xavier Veilhan vaut le détour. Jamais je n’avais observé une œuvre avec autant d’effets visuels différents en fonction de la place choisie par le spectateur. Je vous recommande chaudement d’aller à la découverte de cette science de l’optique aux effets plastiques sidérants du grand artiste qu’est Xavier Veilhan.

D’autres œuvres de très bonne qualité ponctuent ce haut lieu de la royauté. Cependant, elles se regardent plus qu’elles ne s’expérimentent, c’est pourquoi je ne les ai pas évoquées ici.

1 Il fallait une certaine témérité pour appeler sans relâche le numéro de la RATP ouvert à cette occasion pour réserver sa place aux quelques 6 visites prévues pour les journées du patrimoine. Je profite de l’occasion pour remercier très chaleureusement Valérie pour son aide précieuse.

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Veilhan à Versailles  

Jusqu'au 13 décembre

http://www.veilhan-versailles.com/

Wohnkultur (by Stefania)

Ce mot allemand signifie « culture d’habitat  » et définit la façon dont l'homme conçoit ses espaces de vie, façon qui dépend des époques, de la nature des espaces, du modèle économique et social et de bien d’autres facteurs.

Pour moi qui suis fraichement installée dans une nouvelle ville, cela me permet d'étudier une grande diversité de trouvailles architecturales dont je vous parlerai au fur et à mesure dans mes posts.

Margarethenhohe, Essen, Allemagne

La première s’appelle Margarethenhöhe. Il s’agit d’un ancien quartier ouvrier, réalisé entre 1910 et 1931 par l’architecte allemand Georg Metzendorf, qui s’inspire des Garden cities anglaises, ces villages qui n’étaient pas seulement peuplés d’ouvriers, composés par petites maisons individuelles, pourvues de jardins, d’espaces verts et de services autonomes (église, magasins, théâtre…). La première Garden City fut Letchworth, un projet de l’architecte anglais Ebenezer Howard, qui voulait résoudre les problèmes de congestion et de dégradation des campagnes liés à l’augmentation de la population urbaine.

Margarethenhöhe est l’exemple le plus célèbre d’établissement urbain conçu pour les travailleurs de la famille Krupp (la célèbre dynastie de producteurs d’acier, originaire d’Essen). Il y en d’autres (par exemple Rheinhausen à Duisburg), mais le mieux conservé se trouve à Essen. Ici on se promène paisiblement parmi les maisons, on a l’impression de se balader à travers une jolie ville de province à l’apparence très victorienne. Le quartier, qui a souffert des bombardements de la guerre, à été complètement reconstruit et est aujourd’hui classé monument national.

D’autres villes ou quartiers se sont inspirés de la théorie du Garden City Movement, surtout dans le monde anglo-saxon, mais on a des exemples intéressants en France aussi qui remontent aux années trente.

Par la suite, c’est le modèle du Mouvement Moderne qui a pris le relais dans le dialogue entre l’architecture et l’urbanisme, incarné dans les années Vingt par l’architecte suisse Le Corbusier. A travers ses Unités d’Habitation, Le Corbusier mène une réflexion sur le logement collectif, il critique la dispersion d’espace qui est le propre de la Cité-jardin, et propose une ville faite de modules autosuffisants construits sur pilotis au milieu d’une zone verte. Cette ville peut abriter 1600 habitants dans 337 appartements, alors que sur les étages les plus centraux sont distribués des bureaux et divers services commerciaux (épicerie, boulangerie, café, hôtel, restaurant, librairie spécialisée, etc.). L’immeuble a 18 étages, et il est couronné d’une terrasse aménagée, dotée d’un jardin suspendu, un solarium, l’école maternelle, le théâtre. L’existence des services à l’intérieur de la structure résout le problème de la mobilité des individus en rendant chaque unité d’habitation autonome. De plus, cela répond à la nécessité de rendre la vie de l’homme plus aisée.

La cité radieuse de Marseille

La terrasse

Bien que je trouve cette théorie très fascinante, ma première visite à l’Unité d’Habitation de Marseille (il y en a cinq, à Nantes, Berlin, Briey-en-Foret et à Firminy-Vert) a été plutôt décevante. A mon avis, elle a mal vieilli, en comparaison avec les exemples actuels de cités (ou quartiers) jardin. J’ai remarqué surtout la vraissemblance avec la très mauvaise architecture de banlieue et le manque d’harmonie avec les buildings qui l’entourent.

Quand j’ai pu visiter les intérieurs, j’ai par contre apprécié la distribution des espaces communs et la conception particulière des appartements, 15 modulors correspondant à différents types de familles. L'appartement type, en duplex sur 24 mètres de long (traversant tout l'immeuble) et 4 mètres de large, est pourvu de diverses innovations techniques (pour l’époque): cuisine américaine, évier broyeur, cuisinière électrique, hotte aspirante, passe-plats et vide-ordures. Les appartements sont totalement indépendants de l’ossature en béton armé du bâtiment et ils s’emboîtent comme s’ils étaient des tiroirs.

Par le biais de cette structure, Le Corbusier avait l’intention d’offrir aux habitants un espace de liberté individuelle tout en les intégrant dans un système d’habitation collectivisé et rationalisé.

En quelque sorte, les villes soviétiques répondaient aux mêmes besoins et présentaient les mêmes caractères (j’ai logé en 2001 dans un quartier de Tallinn qui était vraiment comme ça).

Ma réflexion s’est portée alors sur la forme des nos villes et de nos habitations. L’Unité d’habitation, la cité jardin verticale, peut-elle aujourd’hui encore constituer un modèle d’articulation urbaine ? Ou c’est plutôt les quartiers type Garden Cities qui proposent un mode d’habitat plus adapté à nos besoins ?

Cathédrale d'images (by Justine)

Carrière de pierre calcaire, Baux de Provence

 Au pays des touristes soucieux de découvrir la Belle Provence, il existe aussi des lieux de culture qui méritent qu'on parle d'eux.

Je suis donc partie chercher ma soeur qui réside en ce moment dans le village parisien de Saint Rémy de Provence, pour l'amener non loin de là dans un village hollandais: Les Baux de Provence. J'avais un but précis: visiter la Cathédrale d'Images mentionnée sur tous les bons guides verts du coin.

Petit historique du lieu:

C'est un ancien correspondant de guerre, Albert Plécy, qui en est le fondateur. Conscient dès 1950 de la puissance de la photographie, il s'employa à promouvoir l'image dans la presse, et à soutenir l'innovation en la matière. C'est en 1977 qu'il découvre les anciennes carrières de pierre calcaire du Val d'Enfer, aux Baux. Subjugué par la beauté du lieu, il met à profit ses recherches sur l'image totale, en introduisant dans des spectacles d'images projetées sur ces pierres, l'individu au cœur même de l'image.

Vous suivez? Nous arrivons à l'entrée du lieu et déjà je trouve ça trés trés beau. Ca a quelque chose des temples funéraires vus au Machu Pichu. Les tailles droites dans la roche donnent une grande solennité à l'endroit. Nous pénétrons dans l'intérieur de la carrière (à ciel fermé, imaginez l'intérieur d'une pyramide mais en forme de parallélépipède).

Je vais encore dire une banalité, mais cet instant est tout simplement magique. Voire sacré. Je me retrouve au coeur de la peinture de Picasso, mes sens sollicités de tous les côtés me demandent de prendre le temps de comprendre ce qu'il se passe. Je choisis un point d'ancrage, et là je vis une expérience enrichissante: des morceaux de peinture habillent de larges colonnes carrées, c'est Picasso fait tag. Et quel tag!

Guernica, Les Demoiselles d'Avignon, le Rêve, la période Bleue, les débuts néo classiques, tout s'entremêle dans un tourbillon d'images dont on dirait bien que ce sont elles qui nous regardent. L'image faite Divinité, que l'on adule et que l'on craint. L'image qui a tout pouvoir sur nous, pauvres créatures si facilement impressionnables. Le son résonne dans la carrière. Oublié Picasso! Pourtant le regard génial de l'artiste sur le siècle est bouleversant. Mais ici, on nous dicte les émotions une à une. Moi qui me prend pour un esprit critique éclairé, je peux vous dire que je n'en mène pas plus large que les autres. Complètement baba devant toi, illusion. Je promets d'expier mes péchés et de regarder la télé tous les jours que tu feras. Amène (ta soeur à la cathédrale d'images et repars avec des cartes postales).

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Cathédrales d'images/ aux Baux de Provence

Picasso, jusqu'au 3 janvier 2010.Ouvert tous les jours de 10h à 18h

Les artistes qui ont élaboré le projet sont présentés ici.

Le making of du spectacle est expliqué ici.

Cézanne versus Picasso (by Moana)

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Moana est née à Salon de Provence le 6 mars 1981 dans sa salle de bain (arrivée un peu trop vite...). Elle fabrique des jeans pour ses barbies et pratique les travaux manuels avec fanatisme, depuis l'age de 5 ans.
Après un DTMS (diplôme de techniciens des métiers du spectacle option: technique de l'habillage) elle enchaîne sur 2 ans de DMA (diplôme des métiers d'art, option costumier- réalisateur) et passe un oral devant 14 personnes où elle pleure du début jusqu'à la fin (trop de stress) et obtient les félicitations du jury. Puis elle vise le DNSEP (diplôme national supérieur d'enseignement plastique), et là, c'est l'éclate! elle fait de la peinture et de la photo, mais aussi de la sérigraphie, de la gravure, de l'animation 3D, de la robotique, de la programmation, de la couture, de la vidéo, du son, et patati et patata... Ensuite elle sort de l'école et enchaîne toutes sortes de jobs pour parfaire son cv tout terrain (et surtout manger): assistante de vie scolaire auprès d'enfants autistes, chômeuse, vendeuse de chocolats....