LIFEPROOF

Bizarre, vous avez dit bizarre (by Christelle)

J’avoue honteusement avoir eu quelques réticences à aller voir l’exposition de l’artiste belge James Ensor qui a priori ne m’attirait vraiment pas. Mais heureusement, je me méfie toujours des jugements hâtifs en général, et des miens en particulier. Quelle joie de constater que cet artiste est l’un des plus intéressants du XIXè siècle.

James Ensor, Intrigue. Huile sur toile, 1911

Vous allez me dire : mais ce n’est pas du tout de l'art contemporain et ce n’est même pas de l’art moderne ! Je vous réponds : et alors ? Tous les chemins mènent à l’art contemporain, comme nous le disons sur Lifeproof, donc l’art du XIXè siècle aussi. du tout de l’art contemporain et ce n’est même pas de l’art moderne ! Je vous réponds : et alors ? Tous les chemins mènent à l’art contemporain, comme nous le disons sur Lifeproof, donc l’art du XIXè siècle aussi.

Quelque soit l’époque à laquelle les œuvres d’art que nous regardons ont été réalisées, c’est notre regard contemporain qui détermine en majeur partie ce que nous voyons.

Ainsi, j’ai observé des petits personnages dans les tableaux de Ensor qui m’ont rappelé ceux des bandes dessinées qui elles, bien sûr, n’existaient pas à l’époque du peintre.

Ce type d’invention est la marque des grands artistes. Des œuvres produites il y a des dizaines d’années parvenant encore à nous toucher, nous spectateur du XXIè siècle sont, selon moi, la preuve de l’avant-gardisme d’un artiste et justifient pleinement sa place dans l’histoire de l’art. En effet, les œuvres d’Ensor ne ressemblent à rien d’autres qu’à des œuvres d’Ensor. Certains parlent de génie, je préfère dire qu’il s’agit d’un véritable regard singulier sur le monde.

 James Ensor, La Mort et les masques, huile sur toile, 1897

Les talents de James Ensor sont nombreux. Il parvient ce tour de force incroyable d’être à la fois drôle et macabre en faisant se côtoyer des  têtes de mort et des clowns dans de grandes mascarades totalement atypiques. Ce peintre a également une fascination pour les masques de toutes sortes dont un panel est présenté dans cette exposition. Les masques brouillent la réalité, à la fois inquiétants et drôles, ils sont le symbole du paradoxe sur lequel repose l’art d’Ensor.

Artiste surprenant, certes, et pourtant bien de son temps, Ensor nous fait également voyager dans l’œuvre d’autres artistes du XIXè siècle. Certaines de ses toiles rappellent les incroyables paysages si proches de l’abstraction du peintre anglais Turner. Des scènes bibliques surchargées et exaltées par la lumière évoquent celles de Gustave Moreau. C’est aussi avec l’art du caricaturiste Daumier, et ses fameuses trognes d’hommes politiques, qu’il faut relier les personnages des œuvres d’Ensor.

 

Turner, Peace- Burial at Sea, huile sur toile, 1842

Le talent allant souvent de paire avec l’autodérision, vous ne serez pas étonnés d’apprendre que James Ensor a transformé son nom d’ART ENSOR en HARENG SAUR.

Terminons par ce qui m’a semblé le plus troublant dans ce travail, l’association de l’étrange et de la beauté. Ensor était obsédé par l’étrangeté, notamment celle du quotidien, vous savez celle qui parfois nous fait regarder les objets qui nous entourent sous un jour nouveau, dénués de toute utilité. Ensor a souvent peint ce qui l’entourait dans son atelier ou dans sa maison comme des monceaux de coquillages, des squelettes, d’étranges animaux et d’innombrables masques.

La beauté que je traque comme un inspecteur un voleur de pommes, a cette saveur incomparable quand elle vous tombe dessus alors que vous ne la cherchiez plus. Chez Ensor, je l’ai vue dans l’association d’objets disparates et de couleurs chatoyantes, le tout accompagné de l’omniprésence de la mort, toujours prête à vous faire aimer la vie.

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Musée d'Orsay
62, rue de Lille
75007 Paris
01 40 49 48 14
Exposition Ensor jusqu'au 4 février 2010
Ouverture de 9h30 à 18h
le mardi, le mercredi, le vendredi, le samedi et le dimanche
de 9h30 à 21h45 le jeudi

Qu'est-ce qu'une foire d’art contemporain? L’explication par Artissima (by Stefania)

 La semaine dernière tout le milieu de l’art contemporain italien s’est retrouvé à Turin pour les trois jours de la foire d’art contemporain nommée Artissima.
 

A cette occasion, la ville entière a été investie par des projets artistiques, dans les lieux institutionnaux et dans les galeries privées, comme s’il s’agissait d’un véritable festival d’art contemporain. Cette foire a lieu tous les ans depuis 1993, dans un pavillon du Lingotto, l’ancienne usine FIAT, qui depuis 1985 accueille toutes les foires de la ville de Turin.

 

Deux stand à Artissima: à gauche celui de la galerie Pinksummer de Genes, à droite celui de la galerie turinoise Sonia Rosso

La première foire d’Europe est Art Cologne, créé en 1968. Aujourd’hui, on compte des milliers de nouvelles (et anciennes) foires, dont les plus célèbres sont Frieze (Londres, en octobre), FIAC (Paris, en octobre), Armory Show (New York, en mars), Art Basel (Bâle, en juin), Art Miami (Miami, en décembre). Les galeries présentent une candidature et, si elles sont séléctionnées, peuvent obtenir un stand (qu’elles paient très cher). Chaque foire est spéciale : à Turin, par exemple, depuis quelques années, le directeur Andrea Bellini essaie de faire une séléction très stricte pour ne montrer que les meilleures galeries.

 Kutlug Ataman, Journey to the moon, 2009, dans le stand de Francesca Minini, Milan

D’ailleurs cette année, pour souligner le caractère « festival » d’Artissima, plusieurs projets ont été organisés. D’abord, il a une section particulière nommée New Entries, où on trouve les jeunes galeries choisies par un jury. En 2009 presque la moitié vient de Berlin (notamment Circus, Duve, Maribel López, Lüttgenmeijer, Sommer & Kohl et Zak | Branicka).

Luca Francesconi, Scarpe di Salice, 2009, courtesy Umberto di Marino Arte Contemporanea

Puis, Present Future qui est une véritable exposition dans la foire, pour laquelle des curateurs indépendants ont choisi des artistes internationaux, représentés ici par leurs galeries. Un d’entre eux a gagné le Prix Illy (c'est-à-dire 10.000 euros et la participation au projet « Illy Art Collection »), le jeune Luca Francesconi. Comme tous les ans, dans la section Constellations on peut admirer les travaux « hors mesure » d’artistes célèbres et émergents, séléctionnés par une figure institutionnelle, cette année Heike Munder, directrice du Migros Museum Für Gegenwartskunst de Zurich.

Richard Hugues, Superking, 2008, The Modern Institute, Glasgow

 

Parmi les projets spéciaux de cette seizième édition, citons Accecare l’Ascolto/Blinding the Ears/Aveugler l’écoute, une programmation sur trois jours de pièces théâtrales, performances artistiques, concerts de musique et tableaux vivants conçue par une équipe de curateurs internationaux.

On ne peut que se réjouir de toutes ces initiatives en faveur de l’art de qualité, pour l’engagement des institutions (qui figurent parmi les financeurs) et le public intéressé. Mais je me demande: le marché de l’art contemporain en Italie a vraiment besoin de ce soutien financier ou s’il ne ferait pas mieux de se débrouiller seul en montrant qu’il est assez grand et mûr et tenir le choc? Les institutions auraient ainsi la possibilité de financer tous ces projets qui ne veulent pas toujours pactiser avec le marché.

 

 

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 Toutes les images sont tirées du site internet de Artissima

 

Osservatorio Nomade : Rdv Samedi 21 novembre 2009 à Marseille

Osservatorionomade-marseille poursuit sa programmation de marches urbaines dans le but de saisir par la déambulation dans les différents quartiers de notre ville une esthétique de l'ordinaire. Cette traversée de la ville est une occasion de recueillir les paroles des gens autour de leur vision de la ville, de comprendre les enjeux de l'espace public, les spécificités du paysage urbain.

"Contre-attaque. L'espace public en question" est le titre de la deuxième marche de la série «artefacts». Elle nous mènera à la rencontre des dispositifs de mobilier urbain, qui par, leur présence, rendent impossible l'action de s'asseoir, «zoner», s'entretenir, dans l'espace public.Ces nouveaux objets de design guerrier, s'ils stigmatisent les populations "à la rue", sont subis par tous et déforment notre usage de l'espace urbain. Ils dissuadent la rencontre fortuite et transforment l'espace public en lieu de passage.

Acteurs d'une politique de sécurisation de l'espace public  nommée «aménagement situationnel» , ils s'offrent au quotidien au regard des passants. S'agit-il de sécurité ou de controle? Comment l'usage de l'espace public est-il modifié? Quels sont les enjeux qui sous-tendent cette prévention de la malveillance?                                     

La marche sera conduite par les artistes Tristan FAVRE, habitué dans ses démarches à investir l'espace urbain et Cédric BERNADOTTE qui dans ses créations remet en question les limites entre espace public et espace privé.

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Rendez vous le samedi 21 novembre à 10h sous l'arc de triomphe de la porte d'Aix. Prévoir un pic-nic. Merci de nous confirmer par mail votre présence.

La marche sera suivie de la présentation des travaux des deux artistes dans les locaux de osservatorionomade-marseille.

on/marseille      /// 19a rue Francis de Pressensé      /// 13001 Marseille /// t. 00 33 (0)4 91 17 07 /// f. 00 33 (0)4 91 56 65 03

Surproduction en art (By justine)

Au cours d'un diner de filles, un de ces mercredi où l'OM s'est encore fait ramasser par l'équipe adverse (bon c'était le Réal tout de même), nous avons eu une grande et belle discussion sur la religion et sur le marché de l'art. Quelques réflexions intéressantes méritent d'être rapportées ici.

Entrée de la Fiac 2009, pas vraiment l'image du bon goût!

Céline, parisienne de souche et marseillaise d'adoption, nous a bien fait rire en racontant comment, en arrivant chez des copains, elle avait voulu s'asseoir sur un tronc d'arbre peint en orange fluo et parsemé de clous, de telle sorte que pour elle, c'était un tabouret. "Shame on you"! s'était alors mis à hurler le propriétaire, qui n'avait Dieu que pour cette oeuvre achetée à la FIAC. (le prix ne fut pas précisé dans son laïus, mais au son de sa voix, elle en déduisit que cela avait coûté bonbon)

Voyant que j'étais bonne cliente de ce genre d'anecdotes, Céline en a profité pour m'expliquer sa totale incompréhension du marché de l'art: comment un tronc peint en orange parsemé de clous pouvait avoir une quelconque valeur? Si c'était ça, faire de l'art, alors n'importe qui pouvait produire "une merde" (dixit céline) et la mettre en vente un prix fou en se targuant d'être artiste, suivi de prêt par les adjectifs qualificatifs "conceptuel" puis "incompris".

Elle me plait la Céline. Parcequ'elle est bien franche du collier. Je me devais de répondre sur le même ton, c'est à dire en toute honnêteté. En bonne pédagogue, je commençais par citer Picasso répondant à la question suivante : "combien de temps faut-il pour faire une peinture? Picasso répond : "une heure et 45 ans". J'entrais donc dans le vif du sujet en expliquant que ce que Picasso voulait nous dire c'est que le travail d'un artiste se nourrit de toutes ses expériences passées et qu'avec le temps sa technique est de plus en plus maîtrisée, son propos affiné, et c'est la pertinence de ce qu'il nous donne à voir (tant l'esthétique de sont travail que la pensée qui le soutient) que l'on valorise par un prix élevé. Sans oublier bien sûr la logique du marché: plus il y a de collectionneurs, plus les œuvres à collectionner se font rares, plus les prix montent dès qu'une œuvre est proposée à la vente. 

Louise Bourgeois

Bronze, h: 13.9 x w: 22.8 x d: 15.2 cm, 2005.

Vue sur le Stand de la Galerie Karsten Greve, à la Fiac.

175 000 EUR

Il m'en fallut très peu pour rejoindre cependant Céline sur un point: le problème, c'est qu'aujourd'hui, tout ce qui est exposé n'est pas "pertinent", justement. Et le marché de l'art est tout, sauf logique. C'est un marché déraisonné, qui sert beaucoup de faire-valoir aux fortunes de ce monde. Peut-on cependant mettre au même niveau une belle montre,  objet ostentatoire par excellence, et une oeuvre d'art? Pourquoi pas.

Damien Hirst

Crâne orné de véritables diamants, 50x71,6 cm, 2007

Oeuvre vendue aux enchères pour la modique somme de 50 millions de livres.

Et me voilà partie sur la dérive de l'art, qui est tout à fait caractéristique de l'époque et à laquelle nous n'avons pas échappé: En art contemporain comme dans tous les autres domaines, nous vivons un temps de surproduction, de baisse de qualité, et un effet de mode très vite obsolète. Et là j'en appelle à Coco Chanel, qui disait que "la mode se démode, pas le style". Le style d'un artiste est sans doute l'expression personnel de sa vision du monde, qu'il insuffle à ses oeuvres. Libéré des contraintes de formes qui existaient jusqu'au XIXème siècle (rappelez vous les critères de beauté des grecs, la peinture qui devait figurer la réalité, etc), l'artiste conçoit des oeuvres sous toutes les formes envisageables, et place souvent au coeur de son travail, la relation "pré existente" entre l'oeuvre et celui qui la regardera. Car depuis Duchamp, les artistes sont décomplexés et nous donnent à voir... tout ce qui leur passe par la tête. 

Ida tursic et wilfried mille, peinture, oeuvre vue sur un stand de la FIAC, légende manquante.

L'art est indissociable de son époque: à l'ère de l'avènement de la psychanalyse, du jetable et des images publicitaires, à l'ère de la globalisation, du numérique, du porno chic et du people, certains artistes ne trouvent pas incompatible de produire des œuvres bourrées de références (même si elles sont obscures pour le public, elles parlent à notre inconscient hi hi hi), qui brillent (pour le côté bling bling de notre société) et dont la durée de vie n'excède pas celle d'un mouchoir de poche. Why not? Ce qui est remarquable et dingue à la fois, c'est que les gens achètent, et parfois trés cher!!! Le marché de l'art n'est pas toujours du meilleur goût. Les sommes atteintes par certaines oeuvres récentes font plutôt penser à un délire de nouveaux riches en mal de joujoux. (mal baisés?) 

Mais rassurez-vous, dans ce volume d'oeuvres produites, qu'il est bon de dénicher celle qui vous fera vibrer sans que cela nécessite une explication. C'est la magie de la rencontre, entre l'art, et soi-même! Et ça, ça n'a pas de prix.

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A NE PAS MANQUER:

jeudi, 19 novembre 2009 à 22:35

Rediffusions :
30.11.2009 à 09:55
L'art s'explose
(Royaume Uni , 2008, 90mn)
ZDF
Réalisateur: Lewis Ben

Après la bulle financière, la bulle de l'art contemporain. Explosera, explosera pas ? Ben Lewis a filmé cette aventure comme un polar.

Le 15 septembre 2008, le jour où Lehman Brothers faisait faillite, les oeuvres de Damien Hirst se vendaient pour plus de 70 millions de livres chez Sotheby's. Depuis la fin de 2007, tandis que le reste de l'économie s'asphyxiait, la bulle de l'art n'avait cessé d'enfler. Mais un mois après la vente Hirst, le marché entamait sa dégringolade. Tourné comme un policier, le film de Ben Lewis révèle les pratiques du milieu et démonte le mécanisme de la spéculation à travers des interviews de critiques, commissaires-priseurs, galeristes et collectionneurs, dont certaines obtenues de haute lutte.

Reconversion (by Stefania)

Le Stadtgarten d'Essen, pour vous montrer qu'ici aussi il y a de la nature en ville!

J’habite depuis plus d’un mois dans une des régions les plus industrialisées d’Europe : le bassin de la Ruhr. Comme l’on a tous appris à l’école, autour de cette petite rivière ont surgi des énormes mines de charbon, des établissements chimiques, les industries liées à l'acier. A coté de ces installations industrielles (non pas autour des châteaux ou des églises, mais des cheminées), des villes sont nées et ont énormément grandi. Depuis les années 1985-1990, toutefois, l’industrie du charbon et de l’acier a à peu à peu décliné et les usines ont commencé à fermer. Vous pouvez bien imaginer quelle crise ce déclin a pu provoquer : les habitants du bassin de la Ruhr se retrouvaient sans travail, sans ressources, dans un paysage lunaire qui était un des plus pollués d’Europe. C’est à ce moment qu’on cite la célèbre phrase de Willi Brandt : « Der Himmel über der Ruhr muss wieder blau werden » (le ciel sur la Ruhr doit à nouveau devenir bleu). C’est cette phrase qui symbolise la Ruhrgebiet d’aujourd’hui. Et c’est le mot que vous lisez dans le titre qui condense l’histoire de ces dernières années : reconversion.

Si quelques unes des usines sont encore aujourd’hui ouvertes et en fonction, la plupart ont été transformées en établissement culturels: musées, centres d’art, lieux d’expérimentation artistiques et culturels, théâtres… Je vous en donne un échantillon par images ci-dessous.

Le bassin de la Ruhr n’est pas le seul lieu qui a subi ce destin. Mais ici on sent vraiment qu’on se trouve dans un moment de passage: on côtoie les gens chic de l’art contemporain, le peuple un peu underground des étudiants et des jeunes style « berlinois », les anciens mineurs et ouvriers des usines désaffectées aux visages fermés et ridés. On plonge à fond dans l’histoire de l’Allemagne.

Et en 2010 Essen (la ville la plus grande de la Ruhrgebiet) sera la capitale européenne de la culture.

Je me demande si la culture est vraiment un instrument pour améliorer la vie des gens frappés par les crises économiques et tout ce qui va avec. Ou si ce n’est qu’un très joli maquillage pour cacher les vrais problèmes de notre société. Ou pire une autre façon de gagner de l’argent.

La Zeche Zollern, Dortmund (hier et aujourd'hui)

 

Le Gasomètre de Oberhausen (hier et aujourd'hui)

 

Le port de Duisburg avec le Musée Kueppersmuehle (projet de Herzog et Demeuron)

 

La Zeche Zollverein de Essen (hier et aujourd'hui)

Zeche Zollern (Dortmund), Musée de l'Industrie

Gasometer Oberhausen, aujourd'hui lieu d'exposition.

Le Musée Kuppersmuhle (Duisburg), art moderne et contemporain

La Zeche Zollverein (Essen), lieu d'exposition et de découverte.

De la culture à Marseille (By Christelle)

Musée d'Art Contemporain de Marseille

A chacune de mes visites dans la ville des calanques, je découvre un peu plus ses secrets, ses habitants et sa culture.

Cette fois, mon sentiment général est très contrasté. Rappelons que Marseille est la deuxième ville de France. En tant que telle, la cité phocéenne se doit d’avoir un certain nombre d’équipements culturels dignes de ce nom. Pourtant quelle ne fut pas ma surprise et ma tristesse lors de ma visite au musée d’art contemporain. Situé dans un quartier résidentiel où l’animation et l’attraction sont relativement limitées, de plus éloigné du centre ville, il faut une certaine motivation pour atteindre ce lieu. Etant donné ce positionnement géographique, il doit être rare de tomber sur lui au hasard d’une balade. Pire encore, une fois trouvé, son aspect extérieur rappelle les préfabriqués des années 1970 et n’incite, bien sûr, pas le badaud à pousser la porte d’entrée.

Comme vous le savez, l’art contemporain a assez mauvaise presse dans l’opinion publique. Ce musée ne fait rien, bien au contraire, pour lutter contre ces préjugés. Il est austère et donne juste l’impression d’être réservé aux initiés. La volonté politique d’intéresser les marseillais à l’art est ici inexistante. Faut-il rappeler que l’OM c’est bien, mais que ce n’est pas tout et qu’on peut avoir une bonne équipe de football et de bons musées. Prenons l’exemple de Lyon qui conjugue parfaitement art et sport et prouve, s’il en était besoin, que ces deux activités sont loin d’être incompatibles.

Jean-Luc Parant, légende manquante.

Pour les plus téméraires, une fois à l’intérieur, l’indigence des explications, et donc de la médiation autour des œuvres exposées, donne vraiment envie de rebrousser chemin. Un simple feuillet, truffé de références non explicitées, accompagne le visiteur novice qui, après cette première expérience, ne remettra probablement plus jamais les pieds dans ce musée. Sa collection permanente n’a pourtant rien de honteux. Les œuvres des courants les plus importants de l’histoire de l’art de ces 50 dernières années y figurent en bonne place. Le Nouveau Réalisme avec César et Arman, les débuts de la performance avec Michel Journiac et Gina Pane, la Figuration Narrative avec Aillaud et Arroyo sont bien présents mais si peu mis en valeur que leur absence aurait le même résultat. Le MAC de Marseille est comme figé dans le temps à une époque, celle des années 1960-1970, où la médiation et la muséographie n’en étaient qu’à leur balbutiement. Mais tout cela est totalement absurde puisque ce musée a ouvert en 1994 !!! A un moment où l’on savait depuis longtemps mettre en valeur et expliquer des œuvres d’art contemporain dans un musée. Alors pourquoi un tel manquement à Marseille ? Le mystère reste entier.

César, Pouce, Bronze

Le contre exemple du MAC de Marseille est le MAC Val de Vitry-sur-Seine. La création et toute l’organisation de ce musée repose sur la médiation autour des œuvres d’art. Son dynamisme est exemplaire et la grande diversité de ses visiteurs est le symbole de sa réussite.

Je souhaite de tout cœur que « Marseille capitale européenne de la culture 2013 » permette de changer la donne comme ce fut le cas pour Lille en 2004.

Alors il y aurait la mer, l’art, le foot…bref le bonheur !

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Mac Marseille

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