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Balade urbaine hétéroclite à Paris (by Justine)

Arriver à Paris dans une période creuse en termes d'expositions (palais de Tokyo, Fondation Cartier, Jacquemart André étaient tous fermés) a du bon : j'ai pu faire quelque chose qui me démangeait depuis des années: une visite dans un quartier de Paris avec un guide-conférencier.

Choisi au Pif sur Internet, Philippe est arrivé en redingote et chapeau haut de forme au rendez-vous de l'Église Saint Eustache. Qu'il est savoureux de rentrer soudain dans la petite histoire du quartier des Halles, et de découvrir que... Paris ne s'est pas faite en un jour. (ou bien est-ce Rome dans le proverbe initial???)

Saviez-vous par exemple que la rue Mont-orgueil fut surnommée ainsi par les parisiens, car c'est au bout de celle-ci que se trouvaient à l'époque les remparts de Paris, et qu'on venait y déverser tous les déchets du marché? Sur ce fameux mont poussaient des escargots. C'est ainsi qu'un restaurateur ingénieux se mit à les cuisiner, et l'on surnomma bientôt l'escargot "l'huitre du pauvre".

 

Un peu plus loin dans la rue se trouve le Passage de la Reine de Hongrie: A l'époque Royale les poissonnières étaient reçues par la Reine de France très officiellement, afin que celles-ci rapportent les cancans qui circulaient sur la famille royale... Un jour que Marie-Antoinette se pliait à ce rendez-vous rituel, elle fit remarquer la ressemblance entre l'une des poissonnières et sa mère la Reine de Hongrie. Aussitôt de retour dans le quartier, la dame fut surnommée ainsi par tous ses collègues. Mais il ne faisait pas bon porter un nom royal (même factice) à l'orée de la Révolution, et 4 ans plus tard (en 1789) la pauvrette fut guillotinée sans autre forme de procès.

Le pilori des Halles

A l'époque la prison n'existait pas, le jugement s'effectuait sur la place publique. Ainsi le tribunal après avoir jugé la gravité de la faute commise, vous condamnait "au pilori". Le pilori était un dispositif destiné à exposer un condamné à l'infamie : les bras et la tête pris dans un morceau de bois, vous étiez exposés aux 4 coins cardinaux d'une tour, les jours de marché: chacun pouvait alors vous cracher à la figure, vous balancer tomates et poisson pourri, et c'est était fini de votre réputation. Curieux châtiment n'est ce pas? Aboli seulement en 1832, et oui.

Qu'ai-je donc appris d'autre? Des tas et des tas de choses, comme l'ancien nom de la rue Marie Stuart qui était alors un "nid d'amour" (ou encore une rue à putes) baptisé: la rue Tire-Boudin! Marie Stuart passant par là, la rue fut débaptisée le jour même pour ne pas choquer la lady.

Et le puit d'amour du célèbre pâtissier Stohrer? Cette pâtisserie crée pour le mariage du roi Louis XV fait référence à un puit qui se trouvait non loin: allez, je vous raconte? Une demoiselle éconduite par son amant s'y jeta et mourut. Quelques temps plus tard, un mari cornu aussi désespéré que la première s'y jeta aussi mais loupa son coup: il survécu et sa femme, touchée par le geste de son époux lui jura fidélité. Ainsi les amoureux de tout Paris vinrent par la suite se jurer fidélité au coin du Puit...

A l'orée des remparts se trouvait une zone de non-droit qui constituait l'une des 12 cours des miracles de la ville. Mendiants et voleurs s'y retrouvaient à la nuit tombée et devaient "cracher au bassinet" 1% du montant de leurs larcins pour leur roi, qui s'appelait "le roi des Tunes". Et oui, l'argot provient de ces cours des miracles dont Louis XIV ne put jamais se débarrasser. C'est Louis XVI qui fit raser tout le quartier.

Je pourrais continuer des heures, avec la création du 1er théatre Parisien (le théâtre de l'hôtel de Bourgogne), la fin du cimetière des innocents, l'assassinat d'Henri IV, et j'en passe.

Je me suis fait ensuite un petit ciné (les chats persans) puis j'ai atterri à Beaubourg (tout était calculé) pour mon rendez-vous avec Soulages.

Je vous l'avais bien dit: tous les chemins mènent à l'art contemporain!

PS: Je me fais d'ailleurs une réflexion: en art contemporain, dire d'une oeuvre qu'elle est "anecdotique" est une vacherie, cela sous-entend que tout le monde se fout de ce qu'a voulu dire l'artiste, son propos n'est pas "universel". Pour ma part, cette visite "anecdotique" dans Paris m'aura ouvert: 1- à l'Histoire de France (chose à laquelle je ne me suis jamais intéressée d'emblée), 2- l'appétit.

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L'art de la fascination (by Christelle)

Je ne vous ai encore jamais parlé de la Maison Rouge, un lieu d'exposition tout à fait atypique situé près de l'opéra Bastille à Paris.

Géré par l’ancien galeriste et toujours collectionneur Antoine de Galbert, la Maison Rouge est une institution privée possédant de fait une certaine liberté de ton.

J'entends parler depuis des semaines de l'exposition Soulèvements qui s'y déroule. Il se trouve qu’elle s’achève le 17 janvier. Horreur nous sommes le 16 ! J’y fonce.

Il s'agit d'un spectacle tout à fait étonnant, un artiste, Jean-Jacques Lebel (l'un des inventeurs de la Performance) nous dévoile sa propre collection d'œuvres d'art. Hétéroclite s'il en est, me voilà plongée dans un univers où se côtoient un tableau d'Arcimboldo et des douilles d'obus sculptées pendant la guerre. Mais les vitrines où s'entassent des figurines de Mickey en caoutchouc et autres objets kitchs m'ennuient presque dû à une trop forte impression de déjà vu, notamment dans l'exposition de Martin Parr au jeu de Paume cet été. Je suis peut-être trop étrangère au désir de collectionner et de posséder des objets pour comprendre ce type de démarche.

Giuseppe Arcimboldo, Flora, vers 1591, huile sur bois

Pourtant, dès l'entrée, j'ai aperçu un autoportrait de Louise Michel et des photographies de la Commune. L'artiste-collectionneur est fasciné par les luttes politiques et cela me plait bien.
L’autre grande fascination de cet homme est bien plus visible encore : le sexe sous toutes ses formes.
En effet, une énorme fontaine sur laquelle est juchée la sculpture d’une femme accroupie trône au milieu de l'exposition. De l’eau s’écoule de son sexe et je me dis alors que jamais je n’avais vu plus littérale illustration du fameux phénomène de la femme fontaine.

Je tourne la tête et sur le mur juste en face moi, de nombreuses photographies de doubles pénétrations, venant à peine de déjeuner, mon estomac met quelques secondes à s'en remettre.

Pierre Molinier - photographie: self portrait.

Salle suivant des images de Pierre Molinier, artiste sulfureux s'il en est, qu'il est de bon ton d'exposer depuis quelques années et que l'on retrouve immanquablement en travesti SM. S’en suit un peu d'amour, du moins de poésie, avec ces quelques vers de Breton :

Amour la pantoufle de vair
Avait un talon de miroir

Petit à petit, je me laisse séduire, j'avoue avoir toujours eu beaucoup de mal à ne pas céder à la tentation de la  fascination pour tout ce qui touche au sexe. De scènes de masturbation en dessins pornographiques, je prends un plaisir certain à regarder et à m'interroger. Pourquoi sommes-nous si fascinés par le sexe? Quoiqu'on en dise, la sexualité ne se réduit jamais à des actes, elle en dit toujours beaucoup sur qui nous sommes véritablement et sur notre façon de percevoir l'autre.

Dernière salle, dernière fascination, la folie. Celle, si célèbre et si atroce, d'Antonin Artaud. La reconstitution de la chambre de l'hôpital psychiatrique où il subit plus de 50 séances d'électrochocs. Effroi puis colère devant la série de photographies le montrant décharné, en faisant à jamais une icône sacrifiée sur l'autel du génie.

Antonin Artaud, 1986

On entend sa voix, nasillarde, laissons lui la parole « mon être est beau parce qu'il est affreux ».

Le sexe, la folie, la laideur fascinent tour à tour car ils sont les révélateurs de notre complexité et par conséquent des contradictions que notre humanité implique.

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La maison rouge

10 boulevard de la bastille

f - 75012 paris
tel. +33(0) 1 40 01 08 81
fax +33(0) 1 40 01 08 83

L'art expliqué aux enfants: le rossignol qui faisait peur (by Stefania)

Max Ernst, Deux Enfants sont menacés par un Rossignol , 1924, huile sur bois et construction en bois, 46×33cm, œuvre exposée au MOMA de New York.

Ce tableau a été peint par un artiste qui a vécu il y a très longtemps, il y a presque 90 ans. Il se trouve dans un grand musée aux Etats-Unis, parce que cet artiste, qui s’appelait Max Ernst, a habité là-bas. Il était né en Allemagne et il a habité pendant quelques années à Paris, en France, où il a connu et fréquenté d’autres artistes, des poètes, des écrivains.

Et pour faire ce petit tableau, il n’a pas utilisé que de la peinture. Il avait des amis qui lui avaient montré qu’on peut coller sur les tableaux des morceaux de papier et faire donc des collages, et il adorait cette nouvelle technique. Il a aussi réalisé un livre en collant des images.

   

Puis si on regarde bien, on s’aperçoit qu’il a collé sur le tableau des morceaux de bois ! Bizarre, tous les autres artistes de cette époque utilisaient du papier ou de la toile, sur laquelle ils peignaient. Max Ernst a peint un morceau de bois en forme de maison, un énorme portail et un plus petit qui a une forme de bouton, rouge et bleu. Puis il les a collé sur une planche en bois, qu’il a aussi peint. 

Le portail, le bouton rouge et bleu et la petite maison, les élements en bois collés sur le panneau, détails.

Imaginez un peu ce que les autres artistes ont pensé de lui : il est complètement fou ce Max ! Coller du bois et du papier, pourquoi ne pas peindre tous simplement ces éléments?

  
Voyons ce qu’il a dessiné ensuite: il y a une maison sur la droite (avec une drôle de fenêtre) et un petit portail rouge ouvert sur la gauche. Puis, au milieu, un gazon vert, comme un petit jardin au fond duquel on entrevoit un arc de triomphe, comme celui qu’il y a à Paris, mais beaucoup plus petit et simple.

 

 

 

 

Dans ce jardin, une fille avec une longue jupe et les cheveux au vent court. Elle a comme un couteau dans la main.  

 

 

 

 

 

Il y a une autre figure, c’est un garçon qui dort sur le gazon.  

 

On voit une troisième figure dans ce tableau:  c’est un homme qui se trouve sur le toit de la maison rouge. On dirait qu’il a quelque chose sous son bras, n’est-ce pas ? Et lui aussi il est en train de courir pour rejoindre le bouton bleu et rouge.

Si après tout ça vous observez bien le ciel, vous verrez un petit oiseau qui s’envole, il s’agit d’un rossignol, un oiseau qui est célèbre pour sa belle voix et qui chante fort le printemps.

Dans ce tableau il y a de la peur, vous avez vu ? Tout le monde s’échappe, le portail est ouvert, on pourrait presque entendre le cri de la jeune fille. Le titre que l’artiste a donné à ce tableau est « Deux enfants menacés par un rossignol ». Donc le petit oiseau qu’on a vu dans le ciel est en train d’effrayer les enfants  cela est-il possible ? Est-ce qu’un oiseau si petit peut faire si peur ? Cela vous est-il déjà arrivé ?

 

Vous savez pourquoi l’artiste a décidé de peindre un rossignol et non pas un aigle ou un pigeon ? Parce que quand il était petit il avait rêvé d’un rossignol qui lui faisait peur, qui le menaçait. Donc l’artiste a ici représenté non pas la réalité, mais un rêve qu’il a fait ,c’est-à-dire quelque chose qui d’habitude n’arrive pas.

Cet artiste, qui aujourd’hui est très célèbre, aimait peindre des tableaux bizarres dans lesquels il mélangeait des personnes et des animaux et qui semblent tous sortis des rêves ou des cauchemars. Avec d’autres artistes, qui créaient des tableaux similaires, il a fait partie d’un groupe appelé Les Surréalistes. Nous allons voir d’autres tableaux d’artistes surréalistes dans les prochaines semaines.

Et vous ? Avez-vous déjà rêvé de choses bizarres? Avez vous déjà essayé de les dessiner ? De les décrire avec des mots ?

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"L'art expliqué aux enfants"  c'est une nouvelle rubrique sur Lifeproof. A travers des articles brefs et ludiques, nous essayons de sensibiliser les enfants aux oeuvres d'art modernes et contemporaines. Parce qu'on apprivoise le language et les techniques artistiques et l'on sait apprécier et aimer les oeuvres d'artistes contemporains à toute âge!

Ecrivez-nous pour nous proposer des artistes ou des œuvres que vous désirez voir expliquées aux enfants!

le 8ème art (by justine)

"Ouille ouille ouille, cette fois la Justine elle est descendue au ras des Pâquerettes, elle va nous commenter le dernier film à gros budget d'Hollywood: Avatar...". Vous êtes en droit de penser cela, mais je mets de côté mon orgueil pour vous parler d'un film "not too bad" sous divers aspects.

D'abord: la 3D. Absolument génial! Je suis rentrée dans la salle assez morose, j'ai enfilé mes lunettes et dès les premières scènes, j'ai fait des ouhahhhaa et des ohhhhhhh sans pouvoir me contrôler. Tout devient beau: une goutte de sueur que je pourrais prendre dans la main, la canopée luxuriante de la forêt de Pandora, les nuits magiques aux couleurs phosphorescentes; Une plume vous caresse le visage. Une arme vous braque. En 3D, les émotions sont à la chaîne.

C'est très fatiguant pour l'esprit qui accumule les informations visuelles et sensorielles durant les 2h45 du film. Je me dispense de vous raconter l'histoire que vous pourrez facilement trouver sur internet; Mais laissez moi partager avec vous quelques réflexions sur la force de ce spectacle: faire adhérer le grand, le très grand public à une œuvre de science-fiction dont l'histoire est courue d'avance.

Si l'on est pas déçu par le scénario (relativement prévisible et très américain), la créativité déployée sur le plan esthétique du film m'a transportée dans un monde merveilleux dont j'ai eu du mal à me détacher: cascades géantes, montagnes en apesanteurs, arbres sacrés des âmes, tel est le décor des créatures hybrides du film.

Côté culture, c'est assez simple mais tout aussi efficace: le réalisateur reprend les archétypes des cultures primitives versus la culture occidentale et nous fait adhérer aux mythes fondateurs d'un univers cosmique dont les forces invisibles régissent les liens entre les êtres vivants. Un petit tour du côté du bouddhisme, de l'animisme et de l'hindouisme et on se retrouve en boite comme des cons, avec notre seule isme: le capitalisme.

Bon, le lien avec l'art contemporain: ben à vous de trouver, moi en ce moment ça me sort par les trous de nez.

A la découverte du musée des lumières (by Stefania)

Lindenbrauerei, Unna

Le Zentrum für Internationale Lichtkunst se trouve dans une petite ville d’Allemagne, Unna, à l'extrémité orientale de la zone de la Ruhr. Si vous passez un jour par ces terres lointaines, je vous conseille vivement de visiter cet endroit fascinant et unique dans son genre.

Les salles labyrinthiques du Lichtmuseum étaient les anciennes cuves de fermentation d’une brasserie très connue dans la zone, dans laquelle on produisait la Linden-Adler bier. Aujourd’hui, elles abritent les œuvres d’artistes internationaux qui travaillent avec la lumière et peuvent être visitées lors d’une visite guidée.

 

Olafur Eliasson, Reflektierender Korridor - Entwurf zum Stoppen des freien Falls, photo: Werner Hannappel

Le parcours s’articule en plusieurs pièces: parmi les artistes que vous avez déjà découvert sur nos pages on trouve Olafur Eliasson et Christian Boltansky. D’autres artistes très célèbres sont Mischa Kuball, Rebecca Horn, James Turrell, Mario Merz, Joseph Kosuth, Keith Sonnier.

Keith Sonnier, Tunnel of Tears, installation, 2002 (photo sur le site de l'artiste)

Chaque œuvre questionne directement l’emploi de la lumière comme médium, mais répond aussi à la démarche de chaque artiste: Mario Merz joue encore avec une installation lumineuse de la célébre suite de Fibonacci, Joseph Kosuth réflechit sur le language, avec son installation « Die Signature des Wortes », Olafur Eliasson unit lumière et usage de l’eau, en construisant une installation qui implique tous les sens.

Parmi ces œuvres, j’ai visité « Third Breath, 2005 », une installation de l’artiste américain James Turrell. Il s’agit d’une pièce entière transformée en « chambre noire », c’est-à-dire une pièce sombre munie d’un petit trou sur le plafond et d’une lentille. Sur le sol, on peut voir un cercle dans lequel est projetée une portion de ciel, avec des nuages qui passent, la lune, un avion. Vous l’aurez compris: c’est le principe de l’appareil photo, tout simple, mais toujours étonnant.

Puis on monte par un escalier à l’extérieur et on arrive dans une autre pièce, qui se trouve exactement sur la précédente: elle est en forme de coupole, et tout autour des parois circulaires se trouvent des bancs sur lesquels on peut s’asseoir à observer le ciel. Le plafond est un trou rond percé, duquel on peut admirer le ciel. La même portion de ciel reflétée dans la chambre noire en bas, est maintenant visible en vrai, dans une structure qui ressemble un peu à un observatoire. Quand à l’intérieur de cette chambre on change la couleur de la lumière, par compensation, même la tonalité du ciel se modifie. Le moment le plus spectaculaire est le coucher du soleil, en été (j’y retournerai ! En décembre, quand j’ai visité le musée, à 16h il faisait déjà presque nuit).

James Turrell, Theird Breath, installation, 2005

James Turrell est connu pour ces installations qui questionnent la perception de l’espace et de la lumière. Le principe est toujours très simple : mettre nos yeux face à des phénomènes lumineux quotidiens et nous pousser à la réflexion sur leur fonctionnement, comme dans un musée d’histoire naturelle.

James Turrell, Floater 99, installation

La deuxième installation de cet artiste au Lichtmuseum est une simple pièce toute blanche, qui fait partie d’une série nommée « Shallow-Space Construction Series » entamée dans les années 1970. Entre le mur d’entrée et celui du fond se trouve une mince parois, derrière laquelle des néons projettent une lumière colorée. Ce simple mécanisme annule la perception de l’espace, qui paraît tout arrondi et d’une couleur différente par rapport à celle qu’on aperçoit quand on arrive : d’un coup on se demande si on est en train de visiter en autre espace ou si la lumière change quand un visiteur en franchit le seuil.

Le Light Art est souvent considéré un courant dans le Land Art. Il naît dans les années 1960, avec les œuvres d’artistes tels que Dan Flavin (sculptures en néon). James Turrell est un des protagonistes de cette forme d’art et ses œuvres ne manquent pas dans les plus importantes collections du monde. Pour nos lecteurs italiens, je vous conseille de visiter la Villa Panza di Biumo, près de Varese. C’est une collection axée sur les années 1960 et notamment sur l’art de la lumière.

Pour ma part, j’ai déjà compris le Lichtmuseum de Unna dans la liste de mes lieux d’art préférés et je me prépare à y faire un tour ce printemps, quand le soleil sera à nouveau de retour.

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Zentrum fur Internationale Lichtkunst

Lindenbrauerei Unna

Lindenplatz 1 - Unna

tél. 0049 2303 103770

info@lichtkunst-unna.de

Une balade urbaine à Marseille (by Justine)

A la Source de l'Huveaune

Je ne vous raconte pas la tête des enfants quand nous leur avons annoncé hier matin que nous nous rendions à la balade urbaine organisée par Osservatorionomade à la découverte de la vallée de l'Huveaune: ils nous ont d'abord pris pour des fous, puis se sont résignés à l'évidence: avoir des parents curieux n'est pas de tout repos...

A Nice, nous avons le Paillon, à Marseille, c'est l'Huveaune.Il était une fois Marie-Madeleine (la fameuse) qui versa toutes les larmes de son corps pour alimenter la source de l'Huveaune dans la grotte de la Sainte Baume.

Rendez-vous à 10h00 dans les quartiers Est de Marseille, totalement inconnus pour ma part (pauvre niçoise que je suis) mais sans doute aussi du Marseillais de souche, s'il n'est pas né dans ces parages.

Au premier abord, difficile de trouver un quelconque charme à ces rues bruyantes et sales, certes on aperçoit quelques canards qui s'ébrouent dans l'Huveaune dont les berges sont jonchées de déchets, mais cela ne suffit pas à rendre la marche bucolique.

Cependant c'est la rencontre avec un habitant du quartier de 83 ans (dont j'ai oublié le nom), qui redonne les couleurs au passé et appelle une écoute attentive.

Un brouhaha incessant accompagne la marche le long de la vallée de l'Huveaune: l'autoroute n'est pas loin. Elle a radicalement changé le paysage (et dirais-je la qualité de vie) de ces quartiers jadis populaire et ouvriers. L'usine Rivoire & Carret, aujourd'hui propriété de la CUM (Communauté Urbaine de Marseille), a compté jusqu'à 680 salariés dans les années 70, ils n'étaient plus que 120 à sa fermeture en 2004. Ce monsieur nous raconte avec fierté la bonne ambiance qui régnait dans cette usine modèle d'où sortaient chaque jour 130 tonnes de pâtes, directement acheminées aux revendeurs grâce à la SNCF (dont on aperçoit encore aujourd'hui les vestiges des rails sur le site).

Le quotidien des habitants a été rythmé pendant plusieurs décennies par les sirènes des usines, grandes pourvoyeuses d’emploi, mais aussi de logements. Panzani, Danone, Rivoire et Carret, Prior, Provalis, Tuyaux BONA, Coder ont fermé leurs portes une à une.

A l'entrée des jardins CODER

Joseph CODER fabriquait des charrettes et des brouettes à Aubagne. En 1924 avec son frère Louis, il crée l’entreprise de construction et de réparation de tramways et de wagons. Durant la guerre, soucieux de ses ouvriers, Coder offre 1.5 hectares de terre, lesquelles divisés en 100 parcelles deviendront des jardins ouvriers qui perdurent aujourd'hui: chacun y fait son petit potager et le barbecue n'est pas loin. Mais depuis que la Veuve Coder a légué ces terrains à la ville, un loyer est demandé chaque année à l'association qui s'occupe de la gestion des parcelles...

Mais où est donc le chemin qui mène à l'art contemporain me direz-vous? Et bien le voici: ce territoire sinistré aspire à un futur plus convivial qui passe par l'accés à l'art et à la culture: Lucy et Jorge Orta travaillent actuellement sur un projet artistique d'aménagement du Lavoir au Parc du Vieux Moulins. Les habitants du quartier se battent pour ériger une médiathèque dans le site de Rivoire & Carret qui est actuellement inutilisé aux 2/3. (28 000 m²!!!). Des sculptures contemporaines inspirées des fées de l'huveaune devraient agrémenter des berges rénovées et propices aux balades du dimanche.

De quoi rêver en toute tranquillité, mais n'oubliez pas vos boules-quiès!