LIFEPROOF

Montréal Connection au Passage de l'art (by Justine)

Christiane Ainsley, Around the colours, 2009, Acrylique sur porte, 95x95 cm

Arriver jusqu'au Passage de l'art en poussette est un exploit. Située dans l'enceinte du Lycée des Remparts dans le 7ème (inaccessible pour les handicapés du fait de ses nombreux escaliers sans rampe), cette petite galerie abrite jusqu'au 25 novembre prochain une collective réunissant les travaux de 4 artistes Canadiens immigrés. Montréal Connection, pas banal!

Au premier coup d'oeil l'espace est un peu sombre, mal éclairé. Je suis contente d'être arrivée tôt car il n'y a que peu de monde encore avant la conférence d'Emmanuel Loi. Mes yeux peuvent se balader à leur guise d'une cimaise à l'autre. A gauche, 2 météorites picturales ultra contemporaines de Christiane Ainsley s'accordent avec ma vitesse de bolide urbain (NDLR : je passe mon temps à courir). On dit souvent de ces acryliques sur panneaux de bois qu'elles sont exubérantes. Débordantes de couleur et de matière, elles font l'effet d'un vaste espace de vie, en construction. Cela tient un peu du manga, de par l'exagération et les couleurs pop fluo utilisées. Les gestes jaillissent, rebondissent, explosent, stoppent net. Les pérégrinations de l'oeil sont fatiguantes tant il y a à regarder. Mais l'esprit en éveil est pourtant satisfait, car ce travail est abouti. C'est ce que j'aime: une grande liberté dans un cadre structuré. Jolie métaphore de l'indépendance et de l'autonomie.

John Francis 2010, Rectangle Sink 2, found white ceramic,Paint, 120X60X28

Les céramiques blanches de John Francis, à même le sol, m’obligent à l’arrêt. Je ne suis pas sûre que l’on puisse saisir la délicatesse de ce travail dans un espace si exigu. Armé d'un marteau et de clous, le sculpteur entaille ces objets (éviers, wc) assimilés au quotidien froid des hôpitaux, des chantiers de construction, voire des décharges municipales. Puis, avec patience et en relation étroite avec le hasard (qui fait bien les choses), il "répare" patiemment les cassures, les fissures. On se surprend soudain à regarder un chiotte avec délicatesse et à lui trouver une part d'élégance, car l'oeil aime ces petites stries discrètes qui dessinent des motifs abstraits, délicats, totalement inattendus dans un tel chaos.

Sylvie Guimont, Carmen, 2009 Acrylique, toile, plastique, 118x140 cm ( crédit photo Marta Rosenquist)

J’avance. Je retrouve avec plaisir les compositions-millefeuilles de Sylvie Guimont. Chaque peinture est constituée de multiples toiles posées les unes sur les autres. Un peu comme un catalogue de tissu composé d’échantillon, on a envie de soulever une a une les couches qui forment le tableau, pour y découvrir matière, brillance, et motif. Sous le vocable de l’histoire de l’art, l’assemblage devient savant et nous questionne sur les traces des peintures passées, de la peinture. Et de son support même. Quelqu’un se rappelle-t-il de Support Surface ? ("Supports/Surfaces se caractérise par une démarche qui accorde une importance égale aux matériaux, aux gestes créatifs et à l'œuvre finale. Le sujet passe au second plan." source wikipédia).

Jean Lambert, vue d'ensemble de l'exposition ( crédit photo Marta Rosenquist)

Ca y est, mon fils en a marre. Je vous laisse découvrir les sculptures et dessins de Jean Noël Lambert que je n'ai pas vraiment eu le temps d'apprécier. Vite vite, je dis au revoir. Vite vite, j'installe Jean dans sa petite voiture de course et le sangle bien, vite vite je monte les escaliers, et me voilà partie vers de nouvelles aventures. C'est l'heure du bain.

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Montréal Conection au Passage de l'art

Christiane Ainsley, John Francis, Sylvie Guimont, Ross Heward, Jean Noël

jusqu'au 25 novembre 2011

Attention fermé pendant les vacances du 23/10 au 4/11

1, rue du rempart, 13007 Marseille/ 04 91 31 04 08

L'art expliqué aux enfants: des sculptures ou des voitures? (by Stefania)

Aujourd’hui nous allons parler d’un artiste français mort en 1998, qui s’appelle César Baldaccini, mais plus simplement ses amis l’appellent César. Il a dessiné la maquette de la statuette que l’on remet aux acteurs ou aux metteurs en scène pour les récompenser, lors de la cérémonie des Césars (voilà pourquoi cette statuette a son nom).

César, Compression, 1960

Regardez bien cette photo: Arrivez-vous à reconnaître le sujet de cette sculpture?

Il s’agit d’une voiture, une vrai voiture, que César a écrasé comme de la purée en utilisant une presse. Il lui a ensuite donné une forme géometrique, mais la voiture a gardé néanmoins sa couleur originelle.

César s’est amusé à comprimer des voitures en tous genres à partir des années 1960 : voitures de rally, voitures anciennes, Ferrari… Il a appliqué cette technique à d’autres objets , tels que des livres, des tissus et même à des bijoux en or ! Les femmes riches lui offraient leur voitures pour recevoir en échange une « œuvre d’art » !

Tout comme la voiture de Damian Ortega dont je vous ai parlé dans cet article, celle de César est inutilisable. Essayez d’entrer dans ce tas de ferraille ! Il faut être vraiment un lilliputien !

César, Compressions, 1970

Pourquoi notre artiste aimait-il écraser les voitures ? Etaient-elles à mettre à la casse ?

Non, puisqu’il a aussi utilisé des voitures neuves, par exemple des FIAT qu’il a fait peindre avec des couleurs à la mode après leur compression…

Saviez-vous qu’avoir une voiture dans les années 1960-1970 n’était pas chose courante ? Demandez à vos grand-parents : avaient-ils une voiture quand ils étaient jeunes ? cela coutait-il cher ? Mes parents ont eu leur première voiture quand ils se sont mariés, elle était toute petite et bleu. Aujourd’hui, ils en ont deux !

Même si elle coûtait plus cher qu’aujourd’hui, la voiture était l’objet à la mode par excellence ! Tout le monde en voulait une, pour partir en vacances, la montrer aux copains, sortir le soir, aller travailler…

Un portrait de César dans son atelier

César a donc décidé de travailler avec un objet quotidien de son époque, un véritable objet de désir, un peu comme si aujourd’hui on pressait des Iphone ou des Ipad.

Et pourquoi donc les détruire ? Ce n’était pas un geste violent, César n’était pas fâché contre la technologie de l’époque.

Il voulait rendre inutilisable un objet utilitaire pour cibler la société de consommation. Dans les années soixante les jeunes gens commençaient à avoir plus d’argent que leurs parents (qui avaient vécu pendant la guerre) et ils pouvaient le dépenser en achetant tout un tas d’objets (éléctroménager, vêtements, déco pour la maison, produits alimentaires…).  C’est cela, la société de consommation : il suffit de rentrer dans un hypermarché et la voilà. Nous avons une quantité innombrable d’objets que nous pouvons acheter avec notre carte, même si nous n’en avons pas besoin. Aujourd’hui, comme je vous le disais, ce n’est plus seulement une voiture, mais aussi un ordinateur puissant, un appareil photo à la mode, un meuble design, une tablette pour lire les journaux, un portable qui fait des photos/vidéos…

Et César, avec ses compressions, voulait justement nous provoquer en nous disant : « Regarde un peu, cet objet que tu as tellement désiré, à travers un simple geste, est transformé en un objet d’art. Je lui donne une nouvelle forme, des couleurs différentes, je le mets dans une galerie ou un musée et puis je le vends à un collectionneur. Il est encore une voiture, ou il devient quelque chose d’autre ? »

César nous enseigne qu'on peut faire de l'art avec des peintures et du marbre, oui, mais aussi avec les objets qui nous entourent. Ce qui est important dans le processus de création est la pensée que l’artiste met derrière son œuvre et le message qu’il veut nous faire passer.

Fight Club : ça fait du bien là où ça fait mal (by Nico)

 

L’œuvre de David Fincher aurait mérité un article à elle toute seule tant le réalisateur a réussi, depuis presque 20 ans maintenant, à placer l’un de ses films dans le top 10 des films préférés de chacun d’entre nous, avec à son actif des œuvres comme Alien 3 (1992), Se7en (1995), The Game (1997), Panic Room (2002) ou encore Benjamin Button (2008) et The Social Network (2010).

Mais dans cette série de bons, voire de très bon films, David Fincher a, et c’est le cas de le dire, frappé un grand coup en réalisant Fight Club. Sorti en 1999, le film a été l'un des plus controversés de ces dernières années, ce qui a largement contribué à le hisser au rang de film culte pour nombreux d’entre nous, profanes et critiques.

Adaptation cinématographique du roman Fight Club de Chuck Palahniuk et (encore, me direz vous) remise en cause forte de la société moderne, Fight Club est un film étonnant, très masculin mais plaisant aux femmes, éminemment politique et pourtant si grand public, bref, un OVNI percutant. Et dérangeant, car nombreux d’entre nous n’osent avouer les instincts viscéraux qu’il réveille au fond de nos êtres non violents à grands coups de poings dans la gueule.

Film subliminal donc, et à plusieurs titres, puisqu’à la manière des images furtives que Tyler Durden distille dans les coins de ses pellicules cinématographiques, le film semble nous envoyer des flashs de conscience, des reflets de nous-mêmes et de notre pathétisme, comme s’il réveillait en nous le sentiment de vivre dans une société à la dérive et en perdition.

Film politique donc, mais sans pour autant prendre parti, en distillant des concepts à la croisée des chemins entre communisme, anarchisme, voire pire pour les plus critiques. Comme s’il allait puiser dans la violence, la crasse et le non respect des règles établies ce qui manquait aux systèmes politiques actuels et passés, qui trouvent et trouvaient leurs fondations dans le respect si hypocrite de ces mêmes règles.

En bref, Fight Club nous livre une représentation exacerbée et révélatrice des symboles forts de notre société capitaliste de consommation, société moralisatrice qui nous rend schizophrène en nous distendant entre notre volonté de rentrer dans le rang pour prétendre à un bonheur formaté, et notre envie de suivre nos instincts animaux et nos velléités révolutionnaires.

Drôle, violent, intelligent, jouissif et utopique, mais aussi techniquement impressionnant, Fight Club est un concentré de tout ce qui a fait des films et des réalisateurs à succès du 20^ème et du 21^ème siècle. Deux siècles déjà. Ça fait un peu mal par où ça passe. Mais bon sang qu’est ce que c’est bon…

L’Homme Baselitz (by Christelle)

Ceux qui connaissent l’artiste allemand Georg Baselitz en retiennent surtout ses personnages peints la tête en bas. L’exposition qui se tient en ce moment au Musée d’art moderne de la ville de Paris, met en avant le travail de sculpteur de Baselitz où nous retrouvons beaucoup de gros bonhommes, les pieds, cette fois, bien ancrés dans le sol. Ces corps dressés s’apparentent à des arbres que les vents les plus forts ne parviendraient pas à déraciner.

Sa peinture, qualifiée d’expressionniste, n’est finalement pas si différente de sa sculpture. L’aspect brut et non achevé domine. Lors de la conférence de presse, en écoutant d’une oreille distraite la traduction en français des paroles allemandes de l’artiste, je me suis profondément interrogée sur la rusticité de ces œuvres.

Je vois, je dirai même que je sens, les traces des différents outils qui ont creusé le bois. Encoches et autres entailles retracent le chemin qui a mené à la création de ces billots à silhouette humaine.  L’expression « tailler à la hache » prend ici tout son sens car Baselitz manie en effet la hache et la tronçonneuse comme peu d’artistes. Une énergie primitive se diffuse, quelque chose de presque animal. Je pense qu’il est assez difficile d’imaginer qu’une telle puissance puisse exister entre les murs immaculés du musée d’art moderne et pourtant elle est là !

Entre l’envie de toucher et la peur des échardes, finalement je me raccroche aux paroles du maître.

  Peuple Chose Zéro, 2009, cèdre, peinture à l'huile, clous, 308 x 120 x 125 cm, collection particulière.

Pas de fioriture non plus dans l’usage de la couleur, justes les primaires, surtout le bleu et le jaune et un peu de rouge. Vers la fin de l’exposition des bouts de tissus emballent, plus qu’ils n’habillent, des sculptures monumentales, des géants qui nous toisent du haut de leur socle. Le refus de l’élégance et de l’harmonie domine.

L’ensemble de ces statues évoque immanquablement l’art populaire, pourtant Baselitz, lucide, sait bien que « dans le fond toutes ces sculptures sont empruntes d’une haute culture. Elles sont très loin de la forme naturelle, ce sont des inventions. » Nous retombons donc dans cette vieille opposition entre Nature et Culture. Peut-on, et veut-on, échapper à cette dernière lorsque l’on est artiste ?

 

Baselitz Sculpteur

jusqu’au 29 janvier 2012

Musée d'art Moderne de la Ville de Paris

“Mais comment taire mes commentaires”* (by Cécile)

Vendredi soir à Strasbourg a eu lieu la nuit de l'art contemporain ou Opening night. En gros, les différentes structures d'art contemporain de la ville ont ouvert leurs portes jusqu'à minuit dans une atmosphère festive : vernissages, ouvertures exceptionnelles, performances, mix/ dj, dégustations étaient au programme ! Je pourrais vous parler des diverses expos que j'ai vues mais j'ai eu un coup de cœur pour deux : Lorena Morin à Stimultania et Charles Dreyfus au Syndicat Potentiel. C'est de cette dernière dont je vais vous parler aujourd'hui !

Performance de Charles Dreyfus/ Mamcs/ 14 octobre 2011

J'ai commencé ma ballade nocturne au Mamcs avec une performance de Charles Dreyfus. Intéressante et drôle cela va sans dire mais la sauce n'a pas pris et c'est dommage. Le dispositif scénique de l'auditorium du Mamcs n'invite pas à participer,  juste à nous poser et à observer. On était invité à concourir pour voler à l'artiste sa place de champion du monde dans un jeu de mains ou encore chanter avec lui «Quand je perds le goût de la vie/ Je lis» et «Quand je m'ennuie seul dans mon lit/ je lis» en une chanson revisitée de Johnny Halliday. Mais je crains que nous n'ayons été un public peu enclin à coopérer.

Vue de l'exposition « Voilà, Vois-là, entre le son, sort le sens - Charles Dreyfus » au Syndicat potentiel

Je crois que ce que j'ai préféré, ce sont ces jeux de mots dans lesquels les sens nous perdent et sont multiples ou encore ces définitions de plusieurs mots : «dans parlement, il y a parle et il y a ment», ou mon préféré et tellement vrai: «dans jugement, il y a juge et il y a ment».

Vue de l'exposition « Voilà, Vois-là, entre le son, sort le sens - Charles Dreyfus »

Vue de l'exposition « Voilà, Vois-là, entre le son, sort le sens - Charles Dreyfus »

L'expo au Syndicat potentiel est assez géniale en fait, des objets sont disséminés dans l'espace et, sur chacun, des mots sont écrits, gravés. Ces mots jouent sur les sonorités, il faut se les dire pour percevoir les différents jeux de mots qui sont à l’œuvre ici. De l'« allégresse » proposée par la seringue à la pompe « pour amante honorable » en passant par « le statut sexuel » que l'on atteint par une spirale, Charles Dreyfus, artiste fluxus et multiple, historien de l'art, distille dans ses anagrammes, homophones ou calembours une bonne dose d'humour tout bonnement jouissive. Poète à la langue et au vocabulaire plastique acérés, c'est un plaisir de découvrir ses mots toujours pertinents. L'exposition « Voilà, Vois-là, entre le son, sort le sens - Charles Dreyfus » au Syndicat potentiel est à voir jusqu'au 12 novembre, n'hésitez pas, c'est critique et drôle à la fois !

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« Voilà, Vois-là, entre le son, sort le sens - Charles Dreyfus » jusqu'au 12 novembre 2011. De 15h à 19h, sauf dim et lun - Entrée libre / Syndicat Potentiel / 13 rue des couples, Strasbourg / Tél. 03 88 37 08 72

*Titre éponyme d'un livre de François Morellet

L'art du racolage (by Lieza)

Quand il faut vendre du papier mieux vaut avoir le sens de la formule >>> http://ajustetitre.tumblr.com/

 

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Lieza est née et a grandi en Belgique. A la fin des années 90, elle déménage et vient vivre en France. Après avoir décroché un bac littéraire, elle débute un parcours universitaire sans fin (ou presque). Diplômée du DNSEP elle passe avec succès un master en arts plastiques, pour ensuite intégrer une formation de management culturel. En 2009, elle valide son master et après un bref passage par le monde du travail, elle part faire le tour du monde. Lieza traverse 12 pays avec comme seul compagnon son sac de voyage. Elle fait des rencontres improbables, dans des trajets de bus interminables et inoubliables. Dix mois plus tard, elle est de retour à Marseille. Il lui faudra un peu de temps pour réussir à ranger tous ses souvenirs dans une tête qui lui semble tout à coup trop petite.