LIFEPROOF

Statement (By Lieza)

Ai Weiwei fait l'objet d'une enquête pour pornographie. Des Partisans de l'artiste ont choisi de manifester leur solidarité en posant eux-mêmes nus sur le net. >>> article du monde

 

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Lieza est née et a grandi en Belgique. A la fin des années 90, elle déménage et vient vivre en France. Après avoir décroché un bac littéraire, elle débute un parcours universitaire sans fin (ou presque). Diplômée du DNSEP elle passe avec succès un master en arts plastiques, pour ensuite intégrer une formation de management culturel. En 2009, elle valide son master et après un bref passage par le monde du travail, elle part faire le tour du monde. Lieza traverse 12 pays avec comme seul compagnon son sac de voyage. Elle fait des rencontres improbables, dans des trajets de bus interminables et inoubliables. Dix mois plus tard, elle est de retour à Marseille. Il lui faudra un peu de temps pour réussir à ranger tous ses souvenirs dans une tête qui lui semble tout à coup trop petite.

L'Arte Povera a 44 ans! (by Stefania)

Michelangelo Pistoletto, Venere degli stracci, installation au Castello di Rivoli (Turin), mais aujourd'hui exposée au musée MAXXI à Rome

Après vous l’avoir plusieurs fois annoncé sans tenir ma promesse, voici un petit article non exhaustif qui a pour objet l’Arte Povera, suite à une visite à l’exposition « Arte Povera 1967-2011 », à la Triennale de Milan.

Contrairement aux avantgardes du début du Xxème siècle (le Cubistes, les Expressionnistes, les Futuristes…), les artistes de l’Arte Povera ne se sont pas réunis autour d’un véritable manifeste, d’idées partagées, d’une technique commune, d’un chef reconnu. Le premier à en parler est un jeune critique d’art, Germano Celant, qui invite en 1967 Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Pino Pascali et Emilio Prini à une exposition collective à la galerie La Bertesca de Gênes.

L’adjectif « povera » (pauvre) fait référence à l’emploi de matériaux bruts, tels que le métal, le charbon, la toile, les éléments végétaux, les pierres, le tuyau de construction, sans la « médiation » de la technique, en raison de leur force d’expression. Le terme est aussi une référence au théâtre de Jerzy Grotowsky, qui exaltait un théâtre « pur », sans scène, ni costume, ni effets spéciaux mais concentré sur le rapport entre acteur et public.

Après l’exposition génoise, les mêmes artistes, rejoints par d’autres (Giulio Paolini, Pier Paolo Calzolari, Mario Merz, Giuseppe Penone, Piero Gilardi, Michelangelo Pistoletto…) ont enchainé plusieurs autres expositions et sont aujourd’hui les artistes italiens les plus connus (et les mieux cotés) d’après-guerre. Ils font vraiment partie du panorama de l’art italien comme Lucio Fontana ou Umberto Boccioni. Voilà pourquoi, pour  le 150^ème anniversaire de l’unité italienne, plusieurs expositions ont été organisées dans maints musées en Italie, de Milan à Rome, à Turin à Bari. L’Arte Povera remet l’Italie au centre des questionnements artistiques et en fait un moteur majeur de l’art du XXème siècle.

 

Mario Merz, Le case girano intorno a noi o noi giriamo intorno alle case?, 1994, Strutture metalliche, vetro, pietre, neon, Collezione Merz

Un des protagonistes majeurs du mouvement, décedé en 2005, est Mario Merz, auteur des igloos, comme vous pouvez le voir en photo ci-dessous.

L’igloo, selon Merz, est un condensé de symboles, avant tout  c’est le développement en trois dimensions de la forme de la spirale, qui lui est si chère, et est une forme archétypale de l’habitat humain. Il enrichit cette forme simple de matériaux industriels (verre, pierre, tuyaux en métal) et de néons. Ici la réflexion est axée sur la relation entre l’homme et l’espace qu’il habite: « Les maisons tournent autour de nous ou nous tournons autour des maisons ? »

Michelangelo Pistoletto, Cage, sérigraphie sur acier, 1973

L’implication du visiteur devient plastique dans l’oeuvre de Michelangelo Pistoletto, un des artistes encore actifs sur la scène de l’art grâce à la « Cittadellarte », sa fondation à Biella. Dans ses « tableaux-miroirs », l’artiste propose un jeu de perception à ses spectateurs, qui se trouvent soudain dans l’œuvre à côté des personnages sérigraphiés sur la surface de l’objet. Cela peut nous paraître un peu naïf, mais vous devez imaginer qu’il s’agit d’un des premiers dispositifs d’interaction entre œuvre et spectateurs, si fréquents dans l’art d’aujourd’hui. En plus, Pistoletto propose une réflexion sur le temps, statique quant à l’image sérigraphiée, dynamique quant aux spectateurs et sur l’espace,  l’espace virtuel engendré par la surface reflétante.  

Quand on parle des artistes de l’Arte Povera, on aime bien utiliser des épithètes, pour mieux individualiser les différentes démarches. Pier Paolo Calzolari, un de mes artistes préférés, est le Poète. Ses œuvres sont des installations éphemères en équilibre précaire et qui emploient des matériaux non orthodoxes, riches en énergie, force expressive et poésie, tels que le givre, la cire, le feu, l’eau, l’éléctricité. Même de grandes dimensions, ses œuvres n’agressent jamais le spectateur, au contraire elles l’impliquent délicatement et le questionnent avec discrétion. A Milan, c’est tout particulièrement Auricolari (1968) qui a attiré mon attention.

Vue de l'exposition Pier Paolo Calzolari, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Nice, 26 juin – 16 novembre 200, Photo: Marion Musso & Jean-Luc Simeney, Courtesy: Archivio Fondazione Calzolari, Rome

Au premier plan: Auricolari (Il mio 25 anno di età, Nella mia arte ostinata o mestiere, Impazza angelo artista), 1968, Structure gelée, cuivre, plomb, moteurs frigorifiques, Fondo Calzolari

Au second plan: Rapsodie Inepte (Infinito), 1969, feuilles de tabac, neon bleu et blanc, étain, transformateur, Fondo Calzolari

Sur le fond: Scala (L’agua ...), 1970, échelle, structure gelée, plomb, néons bleus, moteur frigorifique, transformateur, Fondo Calzolari

 

L’Ingénieur du groupe est Giulio Paolini, dont le travail m’a toujours également fascinée, mais dont – je l’avoue – la compréhension est difficile. Dans ses œuvres (à Milan en particulier « Casa di Lucrezio », où se trouvent réunis six moulages en plâtre sur socles et deux cassés au sol) la mémoire est souvent questionnée, ainsi que le rapport entre spectateur et espace en trois dimensions. Ses installations et sculptures, parfaitement polies, étudiées, planifiées et montées (voilà pourquoi l’ingénieur) dialoguent avec la sculpture, l’architecture et la mythologie gréco-romaine. Les sculptures sont souvent des moulages d’œuvres classiques. Elles se présentent comme des fragments, des citations du passé et gardent un coté hiératique en créant une atmosphère mystérieuse et interrogative.

Notre petite balade au pays de l’Arte Povera se termine ici, mais si vous avez programmé un voyage en Italie avant fin janvier, incluez dans votre périple une visite à l’une des expositions de l’Arte Povera, vous ne serez pas déçus et vous découvrirez une des choses qui me rend fière d’être italienne.

 

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Expositions sur l'Arte Povera:

Arte Povera International au Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli (Turin)

Arte Povera alla GNAM, Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea, Rome

Arte Povera in città, GAMeC - Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, à Bergame

Arte Povera più azioni povere 1968, MADRE - Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples

Arte Povera 1968, MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, Bologne

Omaggio all'Arte Povera, MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rome

Arte Povera in teatro, Teatro Margherita, Bari

Arte Povera 1967-2011, Triennale di Milano, Milan

Drive: quand la voie royale ne conduit nulle part (by Nico)

 

Nicolas Winding Refn est un réalisateur, producteur et acteur danois né le 29 septembre 1970 à Copenhague. En 2011, Nicolas Winding Refn à réalisé son seul film à succès, dénommé Drive. Film que nombreux d’entre vous ont probablement vu et apprécié.

Le succès de Drive est essentiellement dû au fait qu’il a obtenu le Prix de la mise en Scène lors du Festival de Cannes 2011. Gage de qualité me direz-vous ? Peut-être. Certainement un film à voir, en tout cas, car ce genre de distinction n’est en général décernée qu’à des œuvres qui méritent un petit coup d’œil.

Quand j’entendais les critiques mais aussi mes amis parler de Drive, il me semblait entendre toujours les mêmes qualificatifs : « génial », « kitsch », « violent », « film haletant ». Un film qui parle de mafia, avec une bande son des années 80. Bref, tout ce qui pouvait ou avait pu, ces dernières années, plaire à des millions de cinéphiles, moi y compris.

Le démarrage de Drive est indiscutablement fidèle à ce portrait. La première scène, sans pour autant bousiller un brushing, met l’eau à la bouche et procure un grand sentiment d’envie d’en voir plus, amplifié par les promesses faites par les critiques officielles et officieuses.

Le problème de Drive, c’est que la mise en image et l’enchaînement des scènes nous fait nous cramponner à notre siège, mais finalement sans jamais décoller. L’aspect violent du film se résume à trois scènes certes surprenantes et bien filmées, mais trop rares pour justifier un tel label de qualité. Et, comme semblant obéir à une mystérieuse règle, la bande son qui nous offre elle aussi trois sursauts - au grand maximum-  dans l’immensité d’une cacophonie angoissante et permanente qui semble nous prévenir d’un évènement imminent qui, malheureusement, n’arrive jamais.

De la même manière, les personnages restent vides de contenu alors que leurs personnalités mystérieuses et décalées nous donnaient l’impression que la boîte de Pandore allait s’ouvrir fatalement… mais non, en fait. Bref, le film se finit de la même manière qu’il a commencé, sans rien révéler de bon ni de mauvais, sans nous donner l’aperçu ni d’un passé explicatif, ni d’une suite hypothétique.

Nicolas Winding Refn semble avoir surfé – à raison d’ailleurs, vu le succès du film – sur les concepts cinématographiques à succès de ces dix dernières années. Mais pour faire un bon film, il ne suffit pas d’additionner la violence, les voitures, la mafia, la musique des années 80 et le kitsch. Et à trop vouloir réunir dans un seul opus les ingrédients à succès des films de Quentin Tarantino, de Martin Scorsese, ou encore de la série des Fast & Furious et des jeux vidéo Grand Theft Auto, il semble s’être perdu dans une espèce de patchwork fade et dénué d’âme. A l’image de son personnage principal qui, avec son accoutrement ridicule, son cure-dent dans la bouche et son air d’abruti pataud et ebêté, explose finalement une gueule, à défaut de nous exploser à la gueule.

Bref, ce n’est pas parce que certains génies arrivent à faire du génie avec rien, qu’on peut prétendre à devenir un génie, en ne faisant rien.

Sebanãdo à la Citerne du Panier et autres découvertes (by Justine)

Sebanado, série "Green zone", tirage numérique contrecollé sur Dibon, courtesy www.sebanado.fr

Ce samedi j'ai fait 3 découvertes intéressantes de lieux artistiques marseillais, en compagnie de mes copines de lifeproof venues me rendre visite pour notre réunion annuelle (nous vous préparons quelques nouveautés dès le mois de janvier 2012, soyez attentifs!). Le matin, petit passage rapide à la Galerie Gourvennec-Ogor. J'ai tout de suite aimé le galeriste, Didier Gourvennec Ogor, sympathique, naturel et accueillant, fait assez rare pour le souligner dans le monde des galeries sélectes.

Vue de l'exposition Dieter Detzner à la Galerie Gourvennec Ogor.

Parfait ambassadeur du lieu et des artistes qu'il représente, Didier m'a donné l'envie de revenir souvent et longtemps pour expérimenter les choix artistiques qu'il nous propose. A ce propos je signale ce soir à 19h30 une conférence organisée à la galerie, avec Pierre Falcon, Hervé Castanet, Richard Skryzak, Renée Adjiman et Véronique Villiers : « En quoi l'art interroge-t-il la psychanalyse? ».

Continuant nos pérégrinations dans la ville, et après avoir fait découvrir le quartier Euroméditerranée à mes hôtes, nous arrivons dans la Rue Saint Antoine du Panier. Une dynamique toute particulière s’est emparée de cette rue qui abritait jadis l’un des plus anciens établissements hospitaliers de Marseille, tenu par les Chevaliers de Saint-Antoine. Dans ces murs étaient soignés au début du XIIème siècle les malades « ardents » ou encore ceux que l’on prenait pour des fous de l’époque, hantés par des démons et autres créatures moyenâgeuses… Les symptômes délirants étaient en fait provoqués par l’ergot, un champignon du seigle que les malheureux avaient contracté en mangeant leur pain quotidien.

 Sebanãdo, série "Green zone", tirage numérique contrecollé sur Dibon, courtesy www.sebanado.fr

La Citerne du panier a investi une petite partie du bâtiment (110m² tout de même), pour y développer des activités culturelles associatives intéressantes. Là encore, l’accueil est chaleureux. Christophe nous présente le lieu et l’artiste avec enthousiasme. Il s’agit d’un jeune photographe Marseillais connu sous le nom de Sebanãdo. L’exposition regroupe 2 séries de photographies de moyens formats contrecollées sur dibon, un travail propre et bien présenté. Le titre « Zone naturelle protégée » fait un double écho aux œuvres : la série Green Zone propose des personnages aux visages masqués par des plantes vertes dans des paysages industriels désertés. L’autre série « Unknowns » met en scène des groupes que l’on peut supposer être des familles ou des amis réunis autour de plages sauvages qui rappellent le Sud-Ouest, ou plus près de chez nous, le littoral Montpelliérain entre Carnon et la Grande Motte. Ces scènes de flânerie dominicale sont toutefois rendues étranges par le fait que les visages des personnages ont été remplacés cette fois par une sorte de ballon noir, que l'on pourrait croire fait d’une matière pneumatique.

Sebanado, série "Unknowns", tirage numérique contrecollé sur Dibon, courtesy www.sebanado.fr

J’ai bien aimé ce travail autour de l’anonymat. Anonymat d’un lieu dans la série Green Zone : rien de moins glamour que ces portes d’entrepôts fermés ou ces façades nues. Anonymat des personnes : un être sans visage est dénué d’identité, nié dans sa personnalité, réduit à un végétal décoratif.

A contre-courant de la tendance qui nous pousse à nous exposer à une rapide et factice notoriété sur les réseaux sociaux, sur notre téléphone portable, partout où il nous est possible d’exprimer « I like this » « I hate that », sous-entendu « I am this » et « I am that »… Sebadano me plait bien avec ses mises en scènes simples et son parti pris efficace. C’est esthétiquement réussi, cela appelle à une réflexion instantanée sur nos propres identités, et active en nous la mécanique du souvenir : car qui n’a pas, au moins une fois dans sa vie, joué dans les dunes face à la mer ?

Je serai bien repartie avec une œuvre sous le bras. Comptez entre 400 et 700 EUR le tirage, un cadeau idéal à la veille des fêtes de fin d’année. Mais dommage pour moi mon anniversaire vient juste de passer.

Vue de l'exposition "Ce qui est perdu, un cycle méditerranéen- Medhi Meddaci" chez HLM.

Quelques numéros plus loin, autre ambiance chez HLM/ Hors-les-murs, nouvelle structure de monstration sous l’égide du réseau des galeries Marseille-expos. Je suis contente de m’attarder sur un projet vidéo qui m’interpelle : « Ce qui est perdu, un cycle méditerranéen » de Mehdi Meddaci capte même l’attention de mon mari qui est pourtant retord face à l’art vidéo. "Ce qui est perdu c'est l'histoire, les êtres chers, le temps". Ce qui reste ce sont les images, la sensation, la mémoire. C'est ce qui fait oeuvre". 

Le mouvement lent de la scène qui se joue sous nos yeux, sur grand écran bigger than life, est d’une poésie hypnotique. Certes il y a une narration (autour du père, d'Alger, de Montpellier, de Beyrouth) à laquelle on peut ou pas adhérer. Mais ce qui m’a surtout plu c’est la grâce qui émane de la gestuelle décomposée par la lenteur du film, de cet entre-deux permanent: entre deux techniques (statique de la photographie/animation vidéo), entre deux rives (Alger /Montpellier),etc.

Etc parce que mon quota temps d’écriture pour Lifeproof est déjà dépassé, mes autres activités m’attendent et c’est avec regret que je vous quitte !  Mais…suivez-le guide, tous les chemins mènent à l’art contemporain…

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Galerie Gourvennec Ogor

7 rue Duverger, 13002 Marseille

Dieter Detzner, jusqu’au 3 décembre 2011.

Du mardi au samedi de 10h à 13h et de 15h à 20h.

http://www.galeriego.com/

Mercredi 23 novembre, 19h30 : Pierre Falcon, Hervé Castanet, Richard Skryzak, Renée Adjiman et Véronique Villiers : « En quoi l'art interroge-t-il la psychanalyse? ».

La Citerne du Panier

17 Rue Saint-Antoine,13002 Marseille

Sebanãdo, « zone naturelle protégée », jusqu’au 17 décembre 2011

Du Mardi au samedi : 14H – 19H ou sur rdv

http://www.laciternedupanier.com/

HLM

20 Rue Saint Antoine, 13002 Marseille

Les Ateliers de l’image : Ce qui est perdu, un cycle méditerranéen- Medhi Meddaci , jusqu’au 3 décembre.

www.marseilleexpos.com

Les curiosités de la Maison Rouge (by Christelle)

Maurizio Cattelan, Untitled (skeleton vase), installation, 2000

Avec un tel titre, vous pourriez croire que je vais vous parler de maisons closes, sujet très à la mode ces derniers mois, hé bien non !

La Maison Rouge est un lieu d’exposition aussi connu sous le vocable: fondation Antoine de Galbert. Régulièrement, des expositions présentant des collections privées nous sont proposées.

Jusqu’au 15 janvier 2012, vous y découvrirez les œuvres émanant de la collection de Thomas Olbricht, un médecin allemand.

Son titre Mémoire du futur est parfaitement en adéquation avec son contenu. En effet, nous zigzaguons dans le temps passant du XVIe au XXIe siècle sans aucun heurt, je dirai même avec un vrai plaisir. Là est certainement le plus grand défi relevé haut la main par cette exposition, savoir mêler les genres et les époques sans se fourvoyer.

Dès l’entrée, vous tombez nez à nez avec une gravure de Dürer, maître de la Renaissance du Nord. Dans la salle suivante vous verrez la Lucrèce de Lucas Cranach se couvrir de tatouages non loin de tortues géantes, rhinocéros et autres scarabées.

Est retrouvée ici, l’essence même de ce que sont les « Wunderkammern » littéralement les « chambres des merveilles » plus connu en France sous le nom de « cabinet de curiosité ». Ces lieux emblématiques  depuis la Renaissance pour l’Homme cultivé, étaient les écrins des chefs-d’œuvre de la peinture tout autant que les réceptacles des éléments les plus incongrus comme les fameuses dents de narval que l’on faisait malicieusement passer pour des cornes de licorne.

Patricia Piccini, Litter, installation, 2010

Ce cabinet de curiosité contemporain laisse poindre le goût de son propriétaire pour l’étrange, le merveilleux et une fascination non dissimulée pour la mort. Friand de vanités hollandaises du XVIIe siècle, Olbricht nous offre également un panel de crânes tous plus réussis les uns que les autres. A noter, la présence d’une tête de mort champêtre du fameux Maurizio Cattelan d’une grande fraicheur et d’un humour toujours aussi décapant!

Les frères Chapman, autres artistes stars du marché de l’art, adeptes du blasphème, nous proposent une œuvre à l’aspect répugnant qui laisse flotter autour d’elle le souvenir des Désastres de la guerre de Goya et contribue ainsi à l’harmonie et la justesse du propos.

Tous ces éléments me font penser qu’il s’agit là d’un petit miracle muséographique et artistique que je vous recommande comme l’une des meilleures expositions parisiennes de cette fin d’année 2011.

 

Maison Rouge

10 bd de la Bastille

72012 Paris

Mercredi-dimanche : 11h-19h

Jeudi : 11h-21h

 

Sweet life (by Cécile)

Alicja KARSKA / Aleksandra WENT "Miastoprojekt", 2008-2009

Aimeriez-vous ajouter un peu de sucre à votre vie ? Un peu de douceur dans un monde de brute ? Ce n’est pas moi qui le dit, c’est l’expression consacrée… Une pâtisserie, une petite viennoiserie, un sucre dans son thé ou son café pour en adoucir l’amertume, une caresse, un mot doux, sucrer sa vie peut prendre diverses formes, n’est-il pas vrai ?

L’an passé, la galerie Apollonia, dans le cadre de son projet e.cité avait mis en avant des artistes de Bucarest, je vous en avais parlé ici. Ils réitèrent le projet mais, cette fois, c’est Gdansk qui est mis à l’honneur. Seul un binôme d'artistes m'a réellement interpelée : il s'agit des photographies d'Alicja Karska et Aleksandra Went.

Alicja KARSKA / Aleksandra WENT "Miastoprojekt", 2008-2009

Ce sucre que l'on utilise très voire trop souvent, elles ont choisi de le mettre en scène dans leur Cityproject (2008-2009). Aux chantiers navals de Gdansk, elles ont recréé une ville avec des morceaux de sucre qu'elles ont ensuite pris en photo. Ces blocs blancs, fantomatiques, émergent d'une terre détrempée, le paysage semble humide, brumeux, triste. On dirait des bâtiments tous semblables, sans identité, sans particularité mais blancs, purs en quelque sorte.

Alicja KARSKA / Aleksandra WENT "Miastoprojekt", 2008-2009

Impression étrange : séduction et tristesse dans ces photos où des quartiers se dessinent ainsi que des rues, des routes, des passages, la silhouette d'une ville qui me semble morte. J'hésite en fait : ville ou cimetière ? Un peu les deux sans doute : cette ville idéale où tout semble n'être « qu'ordre et beauté/ Luxe, calme et volupté* » va forcément disparaître dans cette terre mouillée, sous la pluie, le sucre ne peut que se dissoudre, cette cité utopique ne peut que tomber en ruine et mourir.

Alicja KARSKA / Aleksandra WENT "Miastoprojekt", 2008-2009

Ces photos sont assez belles, elles invitent à la réflexion sur notre monde, ce que nous en faisons et ce vers quoi nous semblons tendre : du sucre, des maisons toutes semblables ? Peut-être. Mais est-ce vraiment souhaitable ? Ça vous dirait qu'on ajoute un peu de sel pour éviter de vivre dans une cité dortoir ?

* L'invitation au voyage, Charles Baudelaire

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Espace apollonia / 12 rue du faubourg de pierre, 67000 Strasbourg / Exposition du 14 octobre au 25 novembre / Du lundi au vendredi : 10h-12h / 15h-18h