LIFEPROOF

En bref, toilettes publiques poétiques (by Cécile)

Le jeudi, c'est légumes. Pour vous expliquer, le rituel du jeudi est que, le soir après le boulot, je vais récupérer mes légumes avec, toutes les semaines, de nouvelles découvertes. Ce qui fut le cas jeudi dernier aussi, mais cette fois, je n'ai pas uniquement découvert que les courges spaghetti existent, j'ai aussi vu, par hasard, une installation artistique dans un lieu improbable : l'édicule du Faubourg de Pierre à Strasbourg qui servit, à une époque, de toilettes publiques.

Anne Wicky, La forêt du pont, installation, décembre 2011

Le projet d'utilisation de l'édicule est mis en place par le parlement des arts :
« La démarche des LIV : le parlement des arts se propose, à travers la mise en place des LIV (lieux d’intégration visuelle), de redonner une place dans la ville aux éléments urbains en jachère ou non qualifiés. Cette démarche est réalisée par des artistes, des architectes et des sociologues en s’appuyant sur la parole des habitants comme matériaux de l’imaginaire du projet. »

Pour situer le projet:

« L’Association « Le Parlement des arts » travaille depuis une dizaine d’année dans le sens de ce partage, de cet imaginaire collectif où des artistes sensibles à ces problématiques interviennent plus directement avec la population.
C’est le sens même du mot culture qui prend naissance quand l’expression des habitants à travers ces projets d’artistes se façonne, et crée ces liens qui permettent à toute société de ne pas sombrer dans les extrêmes. »

Depuis décembre 2011, on peut voir dans cet édicule La Forêt du pont d'Anne Wicky: troncs, pluie ou larmes de cire et balançoire recouverte de cire sont les éléments qui composent cette installation.

Anne Wicky, La forêt du pont, installation, décembre 2011

 Je ne sais pas grand-chose d'Anne Wicky et j'en suis désolée, c'est une artiste strasbourgeoise ayant déjà exposé dans l'édicule. Elle a, il y a quelques années, effectuée une résidence artistique au Groenland, pays qui l'intéressait depuis longtemps. Elle rêvait des espaces infinis blancs du Grand Nord:

« Je ne dirais pas que le Nord que je me suis représenté est fondateur pour mon travail, mais plus simplement qu’il s’y raccorde. De plus en plus nettement il le rejoint. (...)
Je veux prendre conscience de la glace, la sentir, la respirer comme un état primaire, en mesurer la démesure. Avant qu’elle ne disparaisse, me tenir à côté, la peindre dans son évidente violence. La mettre en boîte en sentant son vrombissement sous mes pieds. »

La cire blanche semble être de la glace, les gouttes de pluie ou les larmes suspendues éparpillées sur les murs et les troncs aussi, cette installation est comme un paysage fantomatique, pris dans la glace, figé dans le temps, tout à la fois fantasmagorique, inquiétant et poétique. Ce projet permet aussi de redécouvrir la ville et s'approprier des lieux qu'on ne regardait plus, à aller voir !

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Infos supplémentaires:

http://parlementdesarts.org/

http://www.netvibes.com/enviedequartier#Edicule

Anne Wicky:

http://www.info-culture.com/public/manifestation/29486/fr

Vous pouvez aussi retrouver ce post sur Rue89 Strasbourg !

Retour aux sources (by Cécile)

Vue de l’exposition « Images d’Algérie de Pierre Bourdieu », galerie Stimultania

Fille et petite fille de pieds-noirs c’est avec un sentiment d’envie étrange que je suis allée à Stimultania. J’attendais beaucoup de l’exposition « Images d’Algérie de Pierre Bourdieu » qui est visible jusqu'au 12 février : voir des paysages rêvés, des gens et une culture racontés et imaginés.

Vue de l’exposition « Images d’Algérie de Pierre Bourdieu », galerie Stimultania

Pierre Bourdieu (1930-2002) je le connais par deux ouvrages : L’Amour de l’art. Les musées et leur public (1966) et Un Art moyen. Essai sur les usages sociaux de la photographie (1965), logique vous me direz pour quelqu'un s'intéressant à la photographie et travaillant dans un musée. Et c'était tout ou quasi ce que je savais: sommité de la sociologie, modèle, grand intellectuel, etc. Mais j'ignorais que son travail de sociologue, il l'avait commencé en Algérie et qu'avant cela il était philosophe. Il a été en Algérie pour faire son service militaire et c'est à cette occasion qu'il a commencé à faire des photos, à observer, à décrire et à rendre compte de ce qu'il voyait : il s'est fait le témoin d'une société qui continuait à vivre alors qu'elle s'émancipait, vivait avec la guerre, se rebellait et essayait de se créer.

Vue de l’exposition « Images d’Algérie de Pierre Bourdieu », galerie Stimultania

Dans l'expo, une chronologie nous rappelle aussi les grandes dates de la guerre d'Algérie, du début d'actions militaires par le FLN (Front de Libération Nationale) en novembre 1954 à la proclamation de l'indépendance de l'Algérie en juillet 1962 en passant par la bataille d'Alger (janvier 1957), le discours de De Gaulle pour l'autodétermination de l'Algérie (16 septembre 1959), etc.  Ce qui est étrange dans les photos de Bourdieu, c'est qu'il était en Algérie pendant la guerre mais qu'on ne la voit presque pas : dans un couloir, on voit le nom de De Gaulle peint sur un mur, des barbelés aussi et ce sont presque les seuls éléments indiquant que le pays est en guerre et qu'il s'agit d'une guerre civile. Mais Bourdieu montre les algériens au travail, les femmes, les enfants, le quotidien de ces individus et dresse ainsi leur portrait.

Vue de l’exposition « Images d’Algérie de Pierre Bourdieu », galerie Stimultania

Bourdieu photographie une société, pas la guerre, et c'est dans ses photographies que l'on voit émerger le sociologue, étonnant. Tout au long du parcours, on peut consulter des extraits de texte de Bourdieu qui nous parle des algériens et les cite, drôle parfois, intéressant et émouvant aussi. Ainsi, on peut lire : « On part chaque matin à la recherche du travail, plus ou moins tôt selon qu'on espère vraiment ou que l'on est déjà résigné ; on va toute la matinée, de chantier en chantier, se fiant aux dires d'un ami, d'un cousin ou d'un voisin. Rentrer à la maison à midi ? On s'arrête au café où l'on consomme en fumant avec les copains. On en vient à faire profession de chercher. ». Anecdotes et observations de Bourdieu se succèdent et permettent de comprendre ce que l'on voit et aussi ce qu'est cette Algérie qui se dévoile.

Oran telle que l'ont connu ma mère et mes grands-parents.

J'ai trouvé cette expo bizarre malgré tout. J'y ai beaucoup appris mais ce que j'ai vu ne correspondait pas aux images que je m'étais fabriquées. Logique, j'ai interprété, imaginé ce que mes parents ou mes grands-parents m'ont raconté, ce qu'ils ont vécu dans ce pays où ils sont nés et qui était le leur à ce moment-là. Et je dis cela alors que je sais pertinemment que l'Algérie était une colonie française (un peu particulière, ok) et que chaque état a le droit de s'autodéterminer. La seule chose que je regrette c'est de ne pas (avoir) poser(é) plus de questions pour comprendre et connaître cette vie qu'était celle de ma famille et donc de mes origines. Je pense que la transmission passe par les photos, les histoires, les recettes de cuisine, etc. Et cette expo m'a donné envie que l'on me raconte tout ce que je n'ai pas demandé jusqu'à présent. N'hésitez pas à aller la voir, entendre et lire sur la guerre d'Algérie c'est bien mais voir d'autres images que celles de la guerre permet de s'attacher et de comprendre ces individus.

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 « Images d’Algérie de Pierre Bourdieu » jusqu'au 12.02.12 / Galerie Stimultania / 33, rue Kageneck / Strasbourg / ouvert du mercredi au dimanche de 15 h 30 à 18 h 30 / entrée libre

 

La forme d'art la plus contemporaine (by Stefania)

Stéphanie Nava, Schläft sie? Encre sur papier, 2011

J’écoutais hier soir une copine qui me racontait, avec une admiration étonnée, avoir côtoyé pendant ses études d’illustration des jeunes qui se baladaient toujours avec leurs calepins, prêts à fixer, noir sur blanc, leurs impressions à travers des dessins.
Cette image a rejoint mes souvenirs: quand j’étais enfant, pendant les vacances d’été, à la fin d’une balade à la montagne, ma mère sortait toujours son petit cahier et commençait à dessiner (ces dernières années, en bonne accro de la technologie, elle a remplacé le cahier par un smartphone).
Le dessin est, dans la tête de tous, l’activité la plus classique pendant laquelle les Artistes transfèrent l’impression d’un paysage, un visage ou un corps et le transcrivent directement sur le papier. C’est la quintessence de l’art, le moment où se concrétise la spontanéité et le talent d’un artiste.
Dans l’histoire de l’art, le dessin est toujours assimilé au moment préparatoire où l’artiste fixe une impression fugace, étudie des œuvres plus grandes ou fait des essais. Sa fonction classique est en effet celle de croquis. Les musées d’art ancien sont remplis de croquis des peintres, et souvent ils sont très utiles pour les spécialistes parce qu’ils montrent la façon de travailler d’un artiste et les étapes de travail avant d’arriver à un chef d’œuvre. Je vous avoue qu’il m’est arrivé d’être dans des salles remplies de dessins et de ne pouvoir m’empêcher de bâiller: pour le public non spécialiste le dessin ancien est très difficile à approcher! 

Diana Cooper, Travelling the Exosphere, encre et acrylique sur papier, 2000-2002

Depuis quelques années (en France surtout), on assiste à une véritable redécouverte de ce médium: les expositions de dessin contemporain augmentent, les artistes actuels qui se consacrent à cette technique sont de plus en plus nombreux (comme vous le remarquez dans les photos qui accompagnent ce post), des foires ou d’autres événements consacrés au dessin apparaissent (par exemple Drawing Now, à Paris)… nous sommes face à un effet de mode mais qui est très intéressant à de nombreux égards.
Pourquoi donc cet engouement pour le dessin?
D’abord, les prix. Un dessin, même d’un artiste très coté, coûte bien moins cher qu’une peinture ou une photo. Donc, dans une période de crise comme celle-ci, vous pouvez imaginer que miser sur des oeuvres qui ne coûtent pas cher, qui se transportent facilement et s’installent encore plus facilement, est fondamental pour continuer à exposer des artistes sans se ruiner. (Tous les galeristes ne sont pas des milliardaires!)

Marcel Dzama, Untitled, aquarelle et encre sur papier, 1999

Ensuite, le dessin est un médium qui, par sa nature éphemère et sa tradition “intimiste” (les dimensions réduites, son caractère d’essai…) est plus libre des schémas de la culture traditionnelle. Proposer un tableau complètement peint en bleu ou déchiré a été un geste revolutionnaire et l’est encore aujourd’hui: dans l’opinion commune, une peinture devrait représenter quelque chose ou être, en tout cas, intègre. Si dans un dessin il manque une partie d’un corps humain, personne ne s’étonne parce que, inconsciemment, on pense toujours se trouver face à un croquis, à un essai, pas à une œuvre complète.
En plus, les artistes qui font du dessin arrivent plus facilement à franchir la frontière entre ce médium et les autres qui, dans le passé, n’ont jamais eu la reconnaissance officielle d’être un médium “artistique”: le graphisme, la BD, les dessins animés… donc une grande partie des dessins contemporains lorgnent du côté de ces domaines moins traditionnels.
On peut également retrouver ce caractère hybride dans les dessins muraux: vous verrez tout de suite que le chemin du dessin au street art est très court. 
En général, les artistes contemporains se sentent plus libres face au papier blanc que face à une toile, ils aiment expérimenter des nouveaux matériaux, des techniques différentes et des procédés inédits. On pourrait dire que le dessin est la forme d’art la plus contemporaine dans l’art contemporain.

Regards croisés: Marlene Dumas (by Christelle, Stefania, Justine, Cécile)

Vue de l'exposition: The Second Coming / Firth Street Gallery, Londres / 12 novembre - 23 décembre 2004

Christelle :

Economie de moyens, les aquarelles presque trop délavées, sont les œuvres les plus connues de Marlene Dumas.
Un peu de crudité dans ce monde de douceur…
Violence, mort, sexe et si les œuvres de Marlene Dumas n’était rien d’autres que des vanités modernes qui, à leur façon, nous rappellent ce que nous sommes et ce que nous serons.
Dans les nombreuses critiques adressées à l’art contemporain, il lui est souvent reproché d’être triste et violent inutilement. C’est en effet ce que l’on pourrait penser à première vue des œuvres de Marlene Dumas. Mais comme toujours, il est bon de prendre un peu de recul pour s’apercevoir que l’art à travers les siècles, n’a jamais été autre chose.
De la célébration du sexe dans la Rome Antique, aux rappels incessants à la mort du moyen âge au XIXè siècle avec les memento mori et autres vanités, l’histoire de l’art n’a jamais été une franche rigolade. J’en oublierai presque les milliers de peintures montrant le Christ souffrant, agonisant voire mort. Nous comprenons donc tout simplement que Marlene Dumas est une artiste dans la plus pure tradition de l’histoire de l’art.

Marlene Dumas, The Painter, 1994 / Huile sur toile / New York, The Museum of Modern Art

Stefania :

En vous parlant de Marlene Dumas, peintre sud-africaine très connue, je ne m’arrêterai pas sur les tableaux à sujet macabre (je trouve la provocation à travers la violence terriblement ennuyeuse, trop dans le cliché de l’artiste maudit) mais plutôt sur ses portraits d’enfants, qui m’intéressent beaucoup plus. Ses tableaux, peints avec une technique presque incertaine, faite de nuances blêmes et d’une palette antinaturaliste, ont inspiré plusieurs artistes plus jeunes, au point que l’on pourrait compter Marlene Dumas parmi les maîtres contemporains les plus “imités”.
Si vous examinez les yeux et les postures de ses portraits enfantins, même les plus anodins, vous y trouverez toujours une petite lueur qui dérange, un regard qui met mal à l’aise. Nous avons presque l’impression d’être en face d’un adulte narquois dans le corps d’un enfant.
Inutile de se scandaliser face à cette représentation dure de l’enfance, dont habituellement nous avons une vision bien hypocrite centrée uniquement sur la gaieté et l’innocence.
Marlene Dumas puise tout simplement son inspiration dans l’actualité. Même si nous sommes loin de certaines attitudes extrêmes d’outre-Atlantique (vous vous souvenez de Little Miss Sunshine ?), il suffit de jeter un coup d’œil aux magazines de mode enfantine pour se rendre compte que la sensibilité de l’artiste pousse un poil plus loin des images de l’enfance qui sont déjà bien présentes dans notre société et dans nos mentalités.

Marlene Dumas, The Invitation, 2001 / Huile sur toile / Tilton Gallery

Justine :

J’ai découvert que j’aimais bien la vulgarité à l’âge de 15 ans, lorsque ma mère m’a dit détester Madonna parce qu’elle l’était, vulgaire. Soudain, la vulgarité m’est apparue comme un moyen efficace de m’opposer à l’ordre établi, en l’occurrence, ma mère. Si la vulgarité est une attitude, elle ne fonctionne qu’en face à face. Que vous soyez vulgaires dans votre chambre, après tout, tout le monde s’en fout. Mais dévoiler son côté choc à la face du monde, cela a d’autres conséquences.
Ainsi les peintures de Marlène Dumas, celles qui parlent de sexualité et d’incarnation, me plaisent beaucoup. Ce volet de son œuvre fait écho à mon goût pour un certain regard sur la réalité, terre à terre oserais-je dire. Car il n’y a rien de plus banal qu’un sexe d’homme ou de femme, et pourtant le voir peint, de la manière dont Marlène Dumas peint, confine à une révélation. C’est sans doute à cela que je ressemble dans mon intimité, ce n’est franchement pas beau à voir, pourtant l’artiste le montre carrément !
Allez savoir pourquoi, je ne supporterais pas ces images si elles retournaient dans leur contexte publicitaire ou marchand des magazines pornographiques. Mais c’est là l’effet charmant que produit la peinture sur moi, la matière peinte me ramène à la chair, tandis que le papier glacé ne m’émeut en rien.

Marlene Dumas, Leather Boots, 2000 / Huile sur toile

Cécile:

Femme fatale, je ne le serais sans doute jamais et ce n'est pas grave. C'est, je crois, ce qui me plaît dans les œuvres de Marlene Dumas, j'y vois cette part de moi-même que je ne laisse pas exprimer. Les femmes qu'elle peint sont fatales, l'artiste montre leur sensualité, celle des hommes aussi, on ne peut peut-être pas parler de cela dans ses portraits d'enfants et encore. Sans doute n'est-il juste question pour cette artiste de montrer cette animalité que nous avons en nous et que nous masquons très souvent.

Dans ses peintures, elle explore les thématiques de la mort, du sexe, de la violence, de l'amour peut-être aussi, elle parle de la vie en gros et nous la montre sans le côté joli, mignon, au fond tellement faux-cul que certains peuvent employer. Les œuvres de Marlene Dumas sont crues, dérangeantes peut-être aussi, alors qu'elle ne nous parle que d'une seule chose : de ce qui est en chacun de nous, notre instinct, notre sexualité, nos colères, notre sensibilité, ce que nous cherchons à contraindre et à affadir. Pour ce faire, elle utilise comme point de départ des photographies, souvent trouvées puis elle s'exprime et nous montre le monde tel qu'il est, en couleurs, en mouvement dans ses peintures avant tout expressionnistes.

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Pour aller plus loin, quelques sites internets:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Marlene_Dumas

http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Communication.nsf/docs/IDCB9F05E0D04B607BC1256AED00494D6C/$File/dpdumas.pdf

http://www.marlenedumas.nl/

http://www.zeno-x.com/artists/marlene_dumas.htm

Bêtes off (By Christelle)

Claire Morgan, Here is the end of all things, 2011, Courtesy Claire Morgan et galerie Karsten Greve, Paris

Mais d’où nous vient donc cette fascination pour le monde animal ?
Evidemment beaucoup de philosophes se sont posés la question et ce n’est pas l’objet de mon post d’aujourd’hui que de répondre à cette immense interrogation.
Néanmoins, parfois, ma passion pour le mélange art et animal me semble presque exagérée.

En bonne groupie, je me suis ruée sur l’exposition « Bêtes off » à la Conciergerie et dont le commissaire n’est autre que le directeur de mon musée chouchou, celui de la Chasse et de la Nature.
J’y suis allée en toute confiance sans la moindre peur d’être déçue et effectivement je fus ravie, enchantée même. Oui c’est cela peut-être, l’addition art et monde animalier donne souvent un résultat magique, comme si on jetait un sortilège sur les visiteurs qui en perdent leur esprit critique.
 
Faites donc l’expérience, rentrez, par exemple, dans la cabane recouverte de plumes aux sublimes reflets et découvrez des murs constitués de livres empilés. L’artiste Markus Hansen la nomme Crisis Cabin.
Vous n’êtes pas convaincus? Hé bien dans ce cas, observez l’œuvre de Claire Morgan, jeune prodige de l’art contemporain, qui m’avait déjà subjuguée à la FIAC en 2009, et qui récidive ici avec encore plus de brio. Des centaines de fils auxquels sont suspendus des plumes formant la trajectoire du vent suite à l’envol d’un hibou. Penchez-vous un peu, le reflet de cette constellation est saisissant dans le miroir noir et brillant posé juste en-dessous de cette installation.

Ghyslain Bertholon, Vanitas 2007-2011, collection de l’artiste

Le tatoo en céramique découpé, les oiseaux joueurs de guitare électrique, tous vous attendent dans ce qui fut le haut lieu du pouvoir parisien qui n’a pas toujours procuré autant de bonheur aux habitués, notamment pendant la Terreur.
L’exposition se termine par une vanité, genre pictural dont raffolaient les hollandais au XVIIe siècle, et dont les fondements chrétiens nous rappellent notre condition de mortel. Ici, c’est un cerf, qui, pour s’imposer et séduire les biches, a voulu avoir les plus grands bois. Bien mal lui en prit car désormais ils sont si imposants qu’ils l’empêchent de se déplacer et le confinent à une mort aussi lente que certaine. Belle transposition de nos vanités modernes et bien humaines.

 

Bêtes off
Jusqu’au 11 mars 2012
Conciergerie
Palais de la Cité
2 bd du Palais, Paris 75001

En bref: On peut rêver avec Vincent Perrotet (by Justine)

© Vincent Perrottet.

Ne serait-ce que pour le titre de cette exposition, je vous recommande d'aller voir les 32 affiches créées par Vincent Perrotet lors de sa prochaine exposition à la Galerie la Traverse, à Marseille. Laissez-vous toucher sans crainte par ce graphiste-artiste au service d'un rêve collectif, il n'y a rien à vendre, l'image est là pour adoucir le quotidien et transcender un certain désespoir. Esthétique de la misère, ou beauté du geste?

« Jʼai été invité fin 2010, à lʼinitiative de lʼartiste Suzanne Hetzel par le Centre Social de la cité de Frais Vallon, sa directrice Andrée Antolini et son équipe, pour produire un travail graphique qui puisse, dʼune façon ou dʼune autre, nous faire réfléchir sur la vie de ce quartier de Marseille.

Pendant une année, à raison de plusieurs voyages, jʼai rencontré, écouté et photographié des habitants de tous âges et des membres associatifs qui se battent pour que la cité vive malgré tout…

Un état des lieux :
Une des cités les plus importantes de lʼhexagone,
14 bâtiments et toujours pas de noms de rue,
6000 habitants, mais pas de bibliothèque, ni de cinéma,
3 écoles maternelles, mais pas de jeux dʼenfants,
2 écoles primaires mais pas de squares aménagés pour les familles,
1 collège de 650 élèves, mais pas dʼéquipements sportifs, culturels pour les jeunes, une ville dans la ville, mais pas de police de proximité, des associations et des services publics qui sʼinscrivent dans la connaissance et la compréhension des populations, leur histoire, leur environnement mais des associations qui ne peuvent plus se satisfaire de budgets au rabais, des associations, pourtant qualifiées dʼ« exemplaires » par les financeurs et les acteurs locaux qui nʼont pas les moyens de leurs projets, une souffrance sociale vécue par des habitants, mais aussi par les associations et intervenants du quotidien en première ligne.

Ghettoïsation, désespoir, impuissance, disparités de traitement entre les territoires prennent le dessus sur énergie, travail en collectif, expertise, savoir faire et compétences des habitants.
Un gouffre se creuse.

Comment dans ces conditions mettre en oeuvre les valeurs qui animent notre projet?

Jʼai fait une série dʼimages-affiches, portrait de Frais Vallon au travers de 24 personnes y vivant ou y intervenant quotidiennement et des textes qui disent les problèmes et les espérances de celles-ci. Un an de travail pour la réalisation de 32 affiches 60×80 cm.

Jʼai la volonté de traduire dans ces portraits la force et la beauté que jʼai trouvé dans la résistance de celles et de ceux qui ne se résignent pas à vivre indéfiniment dans des quartiers dits sensibles ou difficiles, qui croient quʼil est possible de se battre et de changer les conditions de cette vie.

On peut rêver… et puis réaliser ses rêves. »

Vincent Perrottet.

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Vincent Perrottet, On peut rêver

Exposition du 20 janvier au 25 février 2012.

Vernissage le vendredi 20 janvier à 18h30.

Une exposition en partenariat avec le centre social Frais Vallon.

La Traverse

Ateliers de l'image - Grains de Lumière
du mardi au samedi de 15h à 19h
28-38 rue Henri Tasso 13002 Marseille
T : 04 91 90 46 76

www.ateliers-image.fr