LIFEPROOF

Un autre regard: L’art du néon rouge a sa Maison (pas close), véritable feu d’artifice! (by notre special guest Jess)

Ceryth Wyn Evans, Eclipse, installation, 2005

Que se passe-t-il avant, juste après l’idée, l’envie de l’artiste, porté par mon regard « technique » au sens noble du terme.
Le métier de néoniste est très majoritairement à destination commerciale et urbaine, ensuite vient le plaisir, la difficulté et la création, un mot, un texte, une ligne, donner une forme, une couleur et pour finir donner la vie à ce puzzle.
Tout commence par un dessin…Ensuite, l’imagination de l’artisan, de l’apprenti sorcier, interprète en trois dimensions les esquisses de l’artiste, précédée de discussions parfois âpres mais toujours constructives et fructueuses.
Il existe une gamme de différents diamètres de tubes (appelé aussi cannes) et de plus de 40 couleurs : dont pas moins de 15 blancs et même de la lumière noire ;  du verre transparent aux verres poudrés intérieurs, en passant par les verres peints.

Ça y est, nous y sommes, mais où ? Dans l’atelier où l’électricité voltige, le gaz s’échappe et les flammes virevoltent, le souffle de l’homme métamorphose la matière en jonglant avec elle, en l’apprivoisant. Notre artisan doit maintenant passer à l’action pour plier et former les tubes choisis : pas de secret, il faut chauffer le verre, selon l’épaisseur et le diamètre. Savoir souffler, juste ce qu’il faut, et là, la magie opère, le verre se transforme en un spaghetti  géant et docile pendant quelques secondes seulement. Vite il faut agir, anticiper le refroidissement, véritable gymnastique de l’étirement et de la torsion.
Maîtrise et habileté du geste pour faire épouser la forme au dessin, pas le droit à l’erreur. Les doigts sont les outils vivants, habitués comme pour le cuisinier ou le pâtissier, à la chaleur et à la flamme.

Claude Lévêque, Rêvez ! néon, 2008

Ensuite le tube va recevoir aux extrémités ses deux électrodes, après refroidissement on y fera le vide (pompage) pour aussitôt injecter le gaz (rare) voulu : néon pour le rouge, argon (bleu), sodium (jaune) krypton (jaune vert)….
Lorsque le tube est mis sous haute tension grâce à un transformateur adapté, un flux d’électrons traverse le tube d’une électrode à l’autre. Les électrons se déchargent de leur énergie sur les atomes de gaz qu’ils rencontrent, et ceux-ci dégagent alors un rayonnement ultraviolet, devenant une lumière visible pour l’œil.

Certains néoniste se sont spécialisés dans la réalisation d’éléments pour les artistes qui eux-mêmes restent très fidèles à leurs artisans. Le respect du modèle est aussi très important.
Lorsque Claude Levêque fournit un dessin, grandeur nature, tous ses petits mouvements et tremblements de l’écriture doivent être reproduits, et en volume ! Des essais, des recommencements sont souvent nécessaires avant d’arriver à finaliser l’objet de lumière.
Rares sont les artisans ayant obtenus la reconnaissance de MOF (Meilleurs Ouvriers de France), fameux sésame, encore plus rares sont ceux capables de réaliser un nœud avec un tube, étonnante prouesse technique.

Alors ensuite vient l’emballage et le transport, incroyable gageure, tellement fragiles. Certaines pièces ont un âge avancé, il faut procéder au démontage des différents composants, et réaliser un emballage hyper soigné, plein de douceur, dans des chips de polystyrène, du papier bulle et aussi de la bonne vieille paille de nos campagnes.

La mise en scène, autre complication, autre réussite, en dehors même de la thématique, des contraintes des espaces d’exposition et des œuvres en haute tension. L’interférence lumineuse des pièces entre elles aurait pu faire tout rater, il n’en est rien. Encore un beau coup de chapeau aux équipes techniques, artisans et contrôleurs de nous permettre une telle proximité aux œuvres, grâce aussi aux équipes d’accueils et de surveillance permettant la quasi absence de mise à  distance.

N’oubliez pas de vous approcher, encore un peu, allez, pas trop quand même et défense de toucher : danger. Vous observerez les différents tubes, couleurs, transparences, opacités, les petits accessoires, supports, pattes, entretoises, inserts et autres fil métalliques torsadés, ainsi que les modes de fixations (dans toutes les directions). Vous y découvrirez les nombreuses facettes et techniques des installateurs. Toujours intéressant de ressentir la manière de faire pour atteindre le résultat qui s’offre à nous.

Merci aux souffleurs de verre, plieurs de tube, sculpteurs de lumière.
Alors laissez-vous vous éblouir, troubler et REVEZ ! à votre tour : tout est bon dans le néon !

Maison Rouge – Fondation Antoine de Galbert
10 Bd de la Bastille
Paris 75012
Néon, who’s afraid of red, yellow and blue ?
Jusqu’au 20 mai 2012

Néon, Mon Amour (By Christelle)

Jason Rhoades, Sans titre, 2004, Courtesy Collection Frank Cohen

Le néon, si vous vous intéressez un peu à l’art contemporain vous en avez surement déjà vu, c’est lumineux et ça fait même un peu mal aux yeux si on le regarde trop longtemps.
Bon mais à part ça ?

Depuis les années 1960, le néon est devenu un médium à part entière des arts plastiques. Pour bien vous en rendre compte, je vous conseille d’aller visiter l’exposition qui se tient en ce moment à la Maison Rouge, Fondation Antoine de Galbert, à Bastille. Une vaste palette des possibilités offertes par le néon vous attend, j’avoue que je n’avais jamais vu autant d’œuvres néon réunies dans une même exposition, d’ailleurs y-a-t-il eu une exposition auparavant sur le thème du néon ? J’en doute mais il faudrait faire une recherche approfondie.

Techniquement comment ça marche ? Il s’agit d’un tube de verre soufflé en fonction des formes souhaitées par l’artiste dans lequel on introduit du gaz. Chaque couleur coïncide avec un gaz rare différent et le néon qui, par extension donne son nom à l’objet, correspond à la lumière rouge. Mais pour obtenir une telle luminosité, le gaz doit être excité (c’est le terme officiel!) par deux électrodes portées à très haute tension.
Le gaz dans le tube est donc perpétuellement en mouvement et je vous invite à faire l’expérience: regardez une œuvre de près et vous verrez la circulation, le flux du gaz car le verre est souvent translucide.

Maurizio Nannucci, Who's afraid of red yellow and blue, 1970

Une fois que l’on a compris ce principe de fonctionnement, on peut d’autant plus admirer les enchevêtrements des différents néons tout au long du parcours. Notamment la prouesse technique que représentent les dizaines de néons peints et pendants dans l’œuvre de Jason Rhoades auxquels sont attachés des bouts de tissus et des centaines de fils donnant à l’œuvre un aspect de joyeux bazar.

Ce médium se prête bien volontiers aux jeux de mots, de reflets, de miroirs comme dans l’œuvre de Miri Segal qui nous propose une phrase écrite à l’envers donc illisible de prime abord mais qui révèle un « sous les pavés la plage » grâce à la table miroir placée juste en-dessous du néon.
Peut-être plus qu’avec les médiums classiques comme la peinture, le néon est utilisé très librement par les artistes, avec beaucoup d’humour et de dérision. Ainsi l’artiste Stephen Antonakos donne à ses néons la forme d’un cadre de tableau. Il en va de même pour les œuvres de François Morellet dont nous avons déjà parlé ici.

Au tournant d’une cimaise vous verrez une œuvre datant de 1979 d’un certain Jeff Koons qui est bien plus pertinente que ses œuvres actuelles. En effet, au-dessus de deux tubes fluorescents parallèles est disposé un objet de consommation courante comme les aime l’artiste, une casserole, la lumière chauffe !

 

 

Maison Rouge – Fondation Antoine de Galbert
10 Bd de la Bastille
Paris 75012
Néon, who’s afraid of red, yellow and blue ?
Jusqu’au 20 mai 2012

Qu’est-ce qu’un mécène? (by Stefania)

Huang Yong Ping, Ombre blanche, peaux de buffles, structure en acier et résine, 2002

Quand on parle d’art, de musées ou d’artistes contemporains, on tombe souvent sur le mot “mécenat”. Mais qu’est-ce, au juste, qu’un mécène?
Cette figure existait déjà auparavant et des personnages tels que Lorenzo de’ Medici ou Peggy Guggenheim en sont des bons exemples, bien que tirés d’époques très différentes. Les mécènes soutiennent les artistes, en leur confiant des commandes publiques ou privés ou tout simplement en finançant leurs oeuvres d’un point de vue matériel. Le mot « mécène » vient du nom d’un homme politique romain proche à l’empereur Auguste qui avait destiné son patrimoine à la protection et à la promotion de l’art et de la littérature.
Aujourd’hui, on parle souvent de “mécénat d’entreprise” dans la mesure où des entreprises décident de soutenir des artistes par le biais de concours, d’initiatives culturelles ou de financements de projets. Les fondations aussi sont des outils pour pratiquer le mécénat. Nous vous avons parlé sur nos pages, par exemple, de la Fondation de Galbert et Cartier à Paris, Cittadellarte à Biella (Italie), ou encore Beyeler à Bâle. Etant donné qu’en France le système de subventions des associations est très développé et était, jusqu’à cette crise financière, plutôt généreux (heureusement!), la diffusion du mécenat, des fondations et en général du sponsoring des entreprises privées est un peu en retard par rapport à d’autres pays où le secteur privé semble plus actif dans le soutien à la culture, notamment en Belgique, en Allemagne et en Italie.
Pour encourager les entreprises, on met en avant des avantages fiscaux. La loi de 2003, prévoit une déduction de 60% de l’impôt sur les sociétés pour les dons liés au mécénat. Cela signifie que faire du mécénat, en plus d’assurer un retour d’image sur une entreprise ou un individu, permet d’économiser sur les impôts.
Ce que j’ai toutefois pu remarquer dans mon expérience personnelle, c’est que les grands mécènes pratiquent ce choix de soutien surtout pour des raisons purement personnelles, même parfois, à mon sens, par narcissisme.

Institut Culturel Bernard Magrez à Bordeaux

J’ai visité il y a quelques semaines l’Institut Culturel Bernard Magrez à Bordeaux. Je vous assure, ce fut une visite époustouflante! L’Institut a ouvert l’année passée et a son siège central dans le Château Labottière, magnifique hôtel particulier du XVIIIème siècle, parfaitement réaménagé pour y accueillir des expositions d’art contemporain de grande envergure, curatées par le directeur Ashok Adicéam. En plus des expositions et des rencontres avec des artistes, l’Institut attribue des Grands Prix d’art et organise des résidences d’artistes d’une durée de 12 mois (avec atelier et bourse de création), sur le modèle de la Villa Médicis.

Institut Culturel Bernard Magrez à Bordeaux

Voilà un très bon exemple de mécénat, comme il en faudrait plus pour permettre aux artistes de se concentrer sur leur oeuvre, plutôt que de devoir chercher des espaces de travail, des moyens pour se financer (la plupart des artistes est obligée d’avoir une activité rémunératrice en plus de leur travail d’artiste) et des dispositifs de diffusion professionnels et puissants.
Loin de moi l’idée, bien évidemment, de prêcher pour l’implication des privés ou de la société civile au détriment de l’aide de l’Etat à la culture et notamment à l’art. Je suis persuadée que chaque Etat doit une partie de son budget aux musées, expositions, manifestations artistiques et culturelles. Il devrait en plus assurer l’accès gratuit et libre à la culture et prendre soin de son patrimoine historique et artistique. (C’est malheureusement ce qui ne se passe pas depuis quelques années en Italie, je vous en parlerai la prochaine fois)
Mais là où l’Etat ne peut pas intervenir, le soutien des privés est le bienvenu!

Choix (by Cécile)

Parfois, il y a des expos pour lesquelles on se dit : « zut, j'ai raté le vernissage ! ». Dans mon cas, ça arrive rarement, je n'aime pas cela, il y a toujours plein de monde et c'est parfois difficile de profiter tranquillement des œuvres... Mais, là, je crois que je regrette un peu de ne pas avoir été au Syndicat potentiel le 9 février dernier. L'expo "(c)rêve", quelques jours après, avait comme un goût de lendemain de fête...

(c)rêve : vue de l'exposition au Syndicat Potentiel / février 2012

Des ballons colorés sont éparpillés sur le sol. A priori, le soir du vernissage, ils étaient gonflés à l'hélium et « volaient » au plafond du syndicat potentiel. Des mots, des phrases y sont accrochés, ils étaient soit proposés par le public, des gens par mail ou encore par Pierre Fraenkel, l'auteur de cette installation-performance. Ce que j'avais précédemment vu de lui, c'était ses panneaux d'affichage : à la peinture noire, il écrit des mots avec, la plupart du temps, des fautes qui donnent lieu à des jeux de mots on ne peut plus savoureux tels « tu cash bien ton je », « tout le monde sang fou », « les mots menthe » et bien d'autres encore, tous porteurs de messages invitant à la réflexion ou coup de gueule de l'artiste. Il nous en donne un aperçu au moyen de photographies de ces panneaux, peut-être en avons-nous déjà croisé ou à l'avenir, j'aimerai assez !

Urne de Nicolas Zimny lors de l'exposition (c)rêve au Syndicat potentiel / février 2012

Nul, rien, blanc, prenez une décision. Une urne se trouve dans l'une des pièces de l'espace. J'ai voté, je ne vous dirai pas quoi mais entre « nul », « rien » et « blanc » que pensez-vous de ces choix potentiels ? Excitants, non ? Entre le pire et le pire, que faire, que choisir, que dire ? Je me demande quels seront les résultats de ce vote qui fait penser à ce qui nous attend dans quelques semaines... En outre, cette installation de Nicolas Zimny nous rappelle que le vote blanc n'est pas comptabilisé et est considéré comme de l'abstentionnisme alors que ne pas aller voter (il y a beaucoup de raisons à cela : le désintérêt, la démotivation, l'apolitisme, la fainéantise et d'autres encore) est totalement différente que voter blanc. Dans ce cas, il y a volonté de faire son devoir civique et de s'exprimer même si c'est en disant : « rien de ce que vous proposez ne me convient. »

Vue d'une des oeuvres de Vincent Schueller lors de l'expo (c)rêve au Syndicat potentiel / février 2012

Plage de sable blanc, mer, ciel bleu, palmiers, ça donne envie de partir en vacances, de se détendre et de changer d'air, dis comme cela, non ? Des ombres d'avion viennent polluer ce ciel idyllique, ils ont été collés par le public et l'artiste le soir du vernissage... Encore un truc de raté ! Ne vous êtes-vous pas déjà dit que vous aimeriez vous retrouver sur une île déserte paradisiaque, loin de la civilisation, jouer les Robinson Crusoé pendant un temps. Mais pensez-vous que cela soit possible dans ce monde où ce type de lieu est souvent rapidement envahi par les touristes ? Je dis ça mais je ne vaux pas mieux : ça me donne envie d'aller plonger dans cette mer ! Vincent Schueller nous montre ce que sont les vacances proposées par les agences de voyage : il n'y a pas que la plage de sable blanc, il y a aussi toute l'industrie autour, tous les abus, l'exploitation, l'hypocrisie.

Le déserteur, Vincent Schueller / expo (c)rêve au Syndicat potentiel / février 2012

Alors, que fait-on, on rêve ou on crève ?  On vit ou on subit ? On avance ou on stagne ? On joue à la vie ou on vit pour jouer ? Il faut faire des choix, baiser ou se faire baiser si on résume, non ? Merveilleuse vision de la vie, heureusement qu'il reste l'humour qui permet d'avaler l'ironie de devoir choisir entre « off » et « off » quoiqu'il se passe... Le rêve, n'est-ce pas ?

_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

« (c)rêve » jusqu'au 3 mars 2012. De 15h à 19h, sauf dim et lun - Entrée libre / Syndicat Potentiel / 13 rue des couples, Strasbourg / Tél. 03 88 37 08 72 / http://syndicatpotentiel.free.fr/yacs/

Pour soutenir le Syndicat potentiel: http://syndicatpotentiel.free.fr/yacs/articles/view.php/546/soutenez-le-syndicat-potentiel-faites-un-don

Vous pouvez aussi retrouver ce post sur Rue89 Strasbourg !

Sisyphe moderne (by Stefania)

Claude Cattelain, Armature variable, performance, novembre 2010, Nevers, photo Mélanie Berger

Jeudi passé, défiant le vent glacial, le gel et le froid sibérien qui s’est installé jusque dans le sud-ouest, je me suis rendue au vernissage de l’exposition “Strategies des espaces” au centre d’art BBB. Mon courage a été récompensé, l’exposition est excellente (et composée de très peu d’oeuvres, comme j’aime) et j’ai pu en profiter pour assister à la performance de Claude Cattelain.
Quand je me rends aux expositions sans avoir été présente au vernissage, j’ai toujours l’impression d’avoir raté quelque chose. Les objets ayant servi à la performance et l’éventuelle vidéo tournée ne suffisent pas, malheureusement, à remplacer les sensations que l’on éprouve au moment où l’action se fait.
La performance au BBB se déroulait tout au long de la soirée et le protagoniste était l’artiste lui-même, au milieu des poutres en bois et lattes en métal, ainsi qu’à quelques néons. Le titre de la performance, Armature Variable, explique très bien le concept à la base de l’oeuvre: il s’agit d’une véritable charpente de bois et de métal que l’artiste bâtit au hasard au milieu de l’espace d’exposition. Les éléments forment une architecture éphémère, tenant les uns sur les autres en équilibre instable. Parfois la structure s’écroule, comme au jeu des dominos, mais l’artiste recommence, opiniâtre, son œuvre.
Le public était ravi par cette performance et parfois intervenait en attirant l’attention de l’artiste sur un élément qui basculait et qui était sur le point de tomber. Je me suis retrouvée, moi-même, à marcher tout doucement pour éviter d’émettre une vibration dangereuse sur le sol! 

             Claude Cattelain, From sand to dust, vidéo HD pour téléviseur ou projection vertical - 2011

Ce qui m’a aussi fascinée était l’attitude de l’artiste, qui, au milieu des éléments de construction, paraîssait petit, fatigué, obstiné. En effet, le coeur de cette performance est là, l’effort physique de l’artiste et son imperturbabilité. Comme dans “From sand to dust”, vidéo également présente dans l’exposition, Claude Cattelain se retrouve à accomplir une action fatigante et inutile, en attirant l’attention sur le processus et non pas sur l’oeuvre accomplie.
Tout comme un Sisyphe moderne qui réalise sa vaine entreprise et, chaque fois, réitère la punition divine qu’il a reçu pour son arrogance vis-à-vis des dieux.

 

Stratégies des espaces

Séquence #1

jusqu'au 7 avril 2012

bbb, centre d'art | centre régional d'initiatives pour l'art contemporain
96 rue Michel-Ange  31200 Toulouse
05 61 13 37 14   bbb@lebbb.org

 

Hymne à la vie (by Christelle)

Jérôme Bel, The show must go on (2001)

En plein cœur d’un hiver que l’on croyait plus sympa que les autres mais qui finalement devient de plus en plus froid, faites-vous du bien en allant visiter Danser sa vie au dernier étage du centre Pompidou.
Vous découvrirez les liens intenses qui ont toujours existé entre les arts plastiques et la danse. Le Futurisme, l’art Abstrait, les performances dans années 1960-1970, tous ces courants s’enrichissent des recherches chorégraphiques les plus poussées et inversement. La danse, de Loïe Fuller à Trisha Brown, se nourrit elle aussi des recherches des plasticiens de son temps.

Le mouvement, voilà ce qui fascine tout ce beau monde. Peut-être connaissez-vous les chronophotographies d’Étienne-Jules Marey qui tente de décomposer un mouvement en photographiant en rafale un cheval au galop par exemple.
Quelques années plus tard, Giacomo Balla décomposera à son tour et en peinture, la course d’une jeune fille sur un balcon.
C’est bien l’impression dominante qui nous habite lorsque l’on évolue dans les salles d’exposition, tout semble en mouvement même les dessins encadrés et accrochés aux cimaises.
Les nombreuses vidéos, en parfaite harmonie avec les œuvres statiques, y contribuent grandement.

Les collaborations entre les beaux-arts et les chorégraphes se matérialisent souvent lors de la réalisation des décors de ballets et autres spectacles de danse. Ainsi, vous découvrirez le fruit de la collaboration de Picasso avec les ballets russes : le fameux rideau de scène du ballet Parade qu’il créa à la demande de Serge de Diaghilev. Plus récemment, l’artiste Claude Lévêque a réalisé les magnifiques décors de l’opéra Siddharta mis en scène par Angelin Preljocaj.
Mais il ne faudrait pas réduire la danse à une pratique d’intellos d’avant-garde, de nombreux artistes ont travaillé sur une danse beaucoup plus populaire qui s’apparente plus à ce que chacun d’entre nous est capable de faire en boîte de nuit. La plus belle réussite dans ce domaine émane de Jérôme Bel avec The show must go on, dont la dernière vidéo de l’exposition donne un aperçu de quelques minutes.  Les interprètes y dansent « comme nous » c'est-à-dire sans technique sur une musique constituée de tubes connus de tous, souvent avec une vraie bonne volonté et parfois même en rythme.

Pour finir, je voudrais rendre hommage à la grande libératrice de la danse que fut Isadora Duncan. En effet, cette dernière a su s’affranchir du carcan du ballet classique, d’ailleurs c’est une de ses célèbres phrases de 1928 qui donne son nom à l’exposition : « Mon art est précisément un effort pour exprimer en gestes et en mouvements la vérité de mon être. Dès le début je n’ai fait que danser ma vie. »

Pina Bausch, Le Sacre du printemps, création en 1975
Opéra national de Paris, Palais Garnier, décembre 2010

Grande amatrice de danse et ayant pris moi-même quelques cours, je suis sortie de cette exposition en pensant que je devais vite m’y remettre, et surtout, en constatant que la danse est éminemment liée à la vie, elle en est même l’un des signes les plus probants.
Alors « dansez, dansez, sinon nous sommes perdus » comme disait Pina Bausch.

Danser sa vie

Centre Pompidou
Place Georges Pompidou
Paris 75004
Jusqu’au 2 avril 2012