LIFEPROOF

À la frontière (by Cécile)

Écrire... Oui, mais sur quoi ? J'ai vu plusieurs expos donc, objectivement, j'ai l'embarras du choix, non ? Mais comment me décider ? Allez, ça fait longtemps, je vais donc vous parler de l'expo qui se déroule actuellement à la galerie Stimultania.

Eduard Ibáñez, série El-rostre-circumscrit. Tirage argentique noir et blanc, 45 x 45 cm © Eduard Ibáñez

Sous le titre La postérité du soleil, que l'on pourrait qualifier d'un peu kitsch, se cache le travail de deux photographes qui se jouent de ce qu'est la photographie à savoir un médium reproductible. En effet, Danilo Sartoni et Eduard Ibáñez, tous les deux, font des photographies qu'ils retouchent de telle façon à ce qu'elles deviennent uniques.

Danilo Sartoni, Paysages. Polaroïds transférés sur support fine-art, 30 x 40 cm © Danilo Sartoni

À la base, Danilo Sartoni, artiste italien, fait des prises de vue à l'aide d'un polaroïd puis, il les retouche avec de la gélatine et y ajoute de la couleur. En fait, pour être tout à fait honnête, sur le coup, je n'ai pas vu l'intérêt de cela ni n'est trouvé que c’était très novateur. Mais, avec l'accumulation d'images, on finit par être happé par l'ambiance et la poésie se dégageant de ces photographies qui, au fond, semblent plutôt être de petites peintures: à la frontière entre deux médiums, j'ai été surprise par ce travail. Ces œuvres sont des paysages, elles ont des couleurs plutôt terreuses et sont empruntes d'une incroyable douceur comme une invitation à la rêverie et au calme. Malgré cela, elles ont un côté quelque peu angoissant aussi, un film semi-transparent vient recouvrir les images et les enferme: on ne sait si il s'enlève pour dévoiler ou si il s'abat dessus pour emprisonner... C'est peut-être pour cela que ces œuvres sont isolées dans un noyau au centre de la galerie : un espace de recueillement et d'observation au cœur de l’espace, au milieu des œuvres d'Eduard Ibáñez.

Eduard Ibáñez, série El-rostre-circumscrit. Tirage argentique noir et blanc, 35 x 45 cm © Eduard Ibáñez

Ainsi, autour, dans le reste de la galerie, vous pourrez découvrir l’univers fantasmagorique d'Eduard Ibáñez, photographe espagnol en complète opposition avec Danilo Sartoni. Ce dernier présente des petites photos, colorisées, des paysages alors qu’Eduard Ibáñez expose des photographies plus grandes, en noir et blanc dans lesquels se mêlent des figures semblant issues de légendes ou contes fantastiques. Des portraits de femmes ayant l’air sorties d’un tableau préraphaélite côtoient insectes, serpents, anguilles, poissons en une atmosphère étrange, inquiétante, mystérieuse. D’un point de vue technique, on n’est perdu : est-ce une mise en scène photographiée ou s’agit-il de photos-collages ? Quoiqu’il en soit, une fois, l’œuvre développée, Eduard Ibáñez intervient sur le papier, le gratte et le rend unique.

Deux univers, que l’on pourrait qualifier d’oniriques, sont à découvrir à la galerie Stimultania jusqu’au 29 juillet, n’hésitez pas à aller vous faire pétrifier par la beauté de la Méduse d'Eduard Ibáñez… Essayez pour voir et laissez-vous surprendre !

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« Postérité du soleil » jusqu'au 29.07.12 / Galerie Stimultania / 33, rue Kageneck / Strasbourg / ouvert du mercredi au dimanche de 15 h 30 à 18 h 30 / entrée libre

Regards croisés: Gerhard Richter (by Christelle, Cécile et Stefania)

  Gerhard Richter, Secretary, 1963, huile sur toile

 

Christelle

Géant de l’art contemporain aussi sacré que respecté, Richter est régulièrement salué par tout le monde pour son indéniable talent. Il est vrai que l’âge aidant, on insiste beaucoup plus sur le génie de nos artistes contemporains. Richter ayant 80 ans, vous pouvez imaginer l’unanimité.

Creusons un peu, les critiques ne sont pas forcément des moutons, il y a donc de bonnes raisons d’aimer l’art de cet artiste. En effet, regardons ces tableaux des années 1960 et 1970 et tombons à la renverse! Le jeu subtil entre photographie et peinture est tout à fait fascinant. Richter a d’abord collectionné des photos d’amateurs constituant même des albums. En s’en inspirant, il va peindre patiemment ce que l’appareil photographique a permis de capter en quelques secondes. Lutte de l’artisanat et de la technique pas seulement, Richter avait ce besoin très physique d’éprouver le sujet, d’aller jusqu’au bout de ce qu’a à dire une image. C’est un point que je trouve tout à fait fascinant et je profite donc de ce regard croisé pour vous le faire partager !

Gerhard Richter, Torso, 1997 Huile sur aluminium

Cécile

« Mes tableaux sont sans objet ; mais comme tout objet, ils sont l’objet d’eux-mêmes. Ils n’ont par conséquent ni contenu, ni signification, ni sens; ils sont comme les choses, les arbres, les animaux, les hommes ou les jours qui, eux aussi n’ont ni raison d’être, ni fin, ni but.» (in Notes, 1984) nous dit Gerhard Richter, c'est étrange non? Ce qu'il crée n'a pas de sens, mais est-ce que c'est insensé? Richter est un peintre allemand qui a la particularité d'avoir su se renouveler tout au long de sa carrière: abstraction, figuration, œuvres présentant son quotidien ou encore le quotidien de la société dans laquelle on vit.

Gerhard Richter fait des photos, en récupère d'autres dans des journaux et a, depuis des années, mis en place un atlas de photographies dans lequel il pioche afin de réaliser ses œuvres picturales. Je crois que les œuvres de Gerhard Richter qui me touchent le plus sont celles qui semblent se perdre dans la toile, où le flou, maîtrisé par l'artiste, donne une impression de passé, imparfait, inconnu. C'est comme si l'image de départ était trouble, le souvenir lointain, le sujet prend alors une toute autre dimension: une invitation à la contemplation, tout simplement beau.

  Gerhard Richter, Vitrail dans la cathédrale de Cologne, 2007

Stefania

Richter se définit lui-même comme un peintre classique, mais, en regardant ses peintures, figuratives ou abstraites, nous n’avons pas vraiment l’impression de nous trouver face à de l’art traditionnel. C’est le rôle de l’image qui est au centre de sa démarche artistique.

J’essaierai de vous le montrer en vous parlant de l’une des nombreuses œuvres conçues pour une commande publique. Il ne s’agit pas d’une peinture, mais je la trouve tout particulièrement adaptée pour vous parler de cet artiste, et en plus elle se trouve à Cologne, sa ville de résidence, et elle investit le symbole de cette ville, la célèbre cathédrale (il paraît que l’artiste y a travaillé gratuitement). La composition en damier de ce vitrail fait référence à une œuvre de 1974, qui a comme titre « 4096 Farben ». Richter a sélectionné 72 couleurs de base en s’inspirant des couleurs des maîtres verriers du Moyen Âge, puis, grâce à un logiciel informatique, il a créé toutes les combinaisons possibles des couleurs de base qu’il a repris 72 fois. En guidant un peu la machine, il a réalisé des symétries et des combinaisons, mais, à la base, les arrangements de couleurs sont aléatoires.

Le résultat est un vitrail composé par 11.263 carreaux colorés, assemblés avec des joints en silicone. La lumière y filtre en créant des effets très proches de ceux des vitraux traditionnels, mais avec une légèreté qui souligne l’élégance des éléments architecturaux. Une œuvre qui se marie parfaitement à son contexte, savant mélange de tradition et de contemporanéité. Qui a dit que Richter était un peintre classique ?

Gerhard Richter, Vitrail dans la cathédrale de Cologne, 2007, détail

Croquant, craquant Crac (by Cécile)

Que faites-vous quand on vous dit : « allez, viens, tu verras cette expo va être super » ? Je crains de ne pas être difficile à persuader parce que, à l’invitation d’une copine, je me suis rendue jeudi dernier au Centre rhénan d’art contemporain (ou Crac) qui se trouve à Altkirch, donc près de Mulhouse, donc loin et pas loin en même temps, donc avec mes légumes, donc en étant fatiguée de la soirée sans titre mais poétique de la veille, donc en sachant que j’allais rentrer tard mais tout cela est-il bien grave ? J’y ai fait de très jolies découvertes artistiques et gustatives et c’est tout ce qui compte…

Luca Francesconi, sans titre, 2012, installation in situ / Courtesy de l'artiste / Photo: C.R.

Le Crac, je vous en ai déjà parlé ici, il se situe dans une ancienne école à Altkirch et a pour mission de sensibiliser à l’art contemporain le public de la région en y organisant des expositions. Jusqu’au 16 septembre vous pourrez y découvrir les diverses façons d’aborder et de renouveler le genre de la sculpture contemporaine avec deux expositions aux titres très surprenants : « I wish blue could be water » de Vanessa Safavi et « Echo of the moon » de Luca Francesconi avec en plus un project room consacré à une jeune artiste : Capucine Vandebrouck, poésie, subtilité, douceur et profondeur réunis en un même lieu.

Luca Francesconi, Tournesols, 2012 / Courtesy de l'artiste. Production Crac Alsace / Photo: C.R.

Luca Francesconi parle de et avec la nature. Au grès de ses balades, il récupère des objets hétéroclites le long d'un fleuve du nord de l'Italie, Pô. À partir de ces petites choses, il compose ses œuvres : des fleurs séchées jonchent le sol et signifient peut-être la mort, d'autres surgissent du sol et oscillent entre fragilité et indestructibilité, elles sont en bronze; un coquillage nacré de ce fleuve, il l'insère dans un mur, qu'est-il alors? Oreille ? Un lieu où murmurer ou entendre un secret ? Poétique, sensible et surprenant quoiqu'il en soit. C'est peut-être mon côté « je cherche des coquillages quand je suis à la mer » mais, parmi les œuvres de Luca Francesconi, ce sont ces œuvres mettant en scène des coquillages qui ont véritablement fait écho en moi, elles parlent de mystère : de la vie, du monde animal qui est capable de créer une coquille alors que l'homme ne l'est pas, d'un ailleurs inconnu vers lequel tendre, monde d'envoûtement et de douceur qui est malgré tout dur et tragique, à la fois mort et vivant, synonyme de rêve et de cauchemar...

Vanessa Safavi, Vital Energy and relaxed Being, 2012, Silicone, bois, plexiglas / Courtesy de l'artiste et galerie Chert, Berlin / production Crac Alsace / Photo: C.R.

Cette expo, je ne vous en parle pas parce qu'on me l'a demandé ni parce que les macarons Pierre Hermé qui étaient servis au vernissage étaient formidables (promis, je n'ai pas eu d'indigestion !). C'est avant tout parce que j'y ai découvert trois artistes qui m'ont touchée et je crois vraiment que ce qui m'a le plus marquée est leur travail avec la lumière, le lieu et le reflet de l'extérieur dans leurs œuvres. C'était le cas avec les nacres de Luca francesconi, ça l'est aussi dans les Vital Energy and Relaxing Being de Vanessa Safavi qui sont d'étonnants tableaux faits de silicone et qui ont la particularité d'être des monochromes invitant à se plonger dedans et contempler l'extérieur dans un même temps grâce à cette surface réfléchissante, il nous faut voir au-delà des apparences afin d'appréhender le monde dans sa globalité : « (…) The real world is in a much darker and deeper place than this, and most of it is occupied by jellyfish and things. We just happen to forget all that. / (…) Le monde réel est dans un endroit beaucoup plus sombre et plus profond que cela, et il est principalement occupé par des méduses et des choses. Nous avons juste oublié tout cela. ». Vanessa Safavi nous invite à observer le monde, ses couleurs, ses subtilités, sa profondeur, ce qu'on ne regarde pas parce qu'on vit peut-être trop vite, prendre le temps et aller au fond des choses, des abysses, beau programme en perspective, non ?

Capucine Vandebrouck, Les mouchoirs, 2012, mouchoirs en papier et résine noire / Courtesy de l'artiste / Photo: C.R.

Dernière artiste et je vais m'arrêter là pour aujourd’hui, Capucine Vandebrouck qui m'a fait craquer avec ses petits mouchoirs pris dans une résine noire qui a, elle aussi, la particularité de refléter la lumière environnante. Ils sont figés. Elle détourne la matière originelle, la perturbe et donne à voir l'objet différemment nous invitant à l'observer et à le remettre en question.

J'ai trouvé étonnant la façon dont les œuvres de ces artistes, si différentes soient-elles, réussissent à cohabiter dans cet espace: très intéressante exposition, à voir pour tout ce que je vous ai dit, parce que même si elle parle de mort, elle parle aussi de la beauté de la vie et nous invite à un moment de contemplation et de poésie.

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Luca Francesconi – Echo of the Moon / Vanessa Safavi – I wish Blue could be Water / Poject Room n°10 – Capucine Vandebrouck. CRAC Alsace / 18, ru du Château - 68130 Altkirch / jusqu'au 16 septembre 2012 / du mardi au vendredi de 10h à 18h, le week-end de 14h30 à 19h. Entrée libre.

Peut-on tout démontrer grâce à la science? (by Stefania)

Guillaume Robert, Contre la méthode, photographie, 2012

La semaine passée je me suis rendue dans un lieu que j’aime déjà beaucoup, bien que je l’aie découvert il y a seulement quelques mois. Il s’agit de la Maison Salvan, un espace d’art contemporain dans le village de Labège, aux portes de Toulouse, qui propose une programmation très intéressante d’expositions d’artistes de la région et nationaux ainsi qu’un programme de résidences d’artistes en association avec des scientifiques, sur une période de trois mois.

La Maison Salvan vue de l'extérieur

La raison de ma visite à Labège est justement l’exposition «Propagande» qui termine la résidence de l’artiste Guillaume Robert avec le géophysicien Nicolas Coltice 

Si vous êtes passionnés de gros tableaux aux couleurs chatoyantes, de photographies documentaires, bref, d’un art “facile à comprendre” et qui captive l’œil, je vous conseille de remettre votre visite à la Maison Salvan. Le projet que le duo a développé relève de l’art conceptuel « pur et dur ». Il s’agit d’un modèle mathématique qui essaye d’expliquer, par le biais d’une méthode et d’outils scientifiques, le processus de propagation des émeutes.

Vue de l'exposition Propagande à la Maison Salvan

Dans la salle, vous trouvez des images pixellisées, une installation sonore, des meubles produits par l’artiste-même. Ils invitent à la lecture du journal où la théorie est illustrée par une abondance de détails, selon le style des revues scientifiques. 

Pourquoi cette exposition m’a enthousiasmée? C’est surtout son ton (volontairement) ironique qui m’a frappée et amusée. Normalement, quand on se retrouve à lire des publications scientifiques (ou des vulgarisations, dans mon cas), on a tendance à croire que toute théorie, si elle est démontrée selon la méthode scientifique, doit forcement être vraie. Mais tout dépend des donnés analysées, du point de départ de la théorisation, de la façon d’interpréter ces données… Je ne suis pas en train de semer le doute sur la recherche scientifique, ne vous inquiétez pas!

Mais croyez-vous vraiment qu’avec l’aide d’une méthode scientifique on puisse bâtir une théorie des émeutes? Que l’on puisse expliquer scientifiquement quel est le moment plus propice au surgissement d’une insurrection? Que l’on puisse “mesurer” la cristallisation de l’Émotion ?

Bien sûr que non! Toutefois, ne sommes-nous pas tous convaincus, grâce au préjugé que la “science n’a pas de couleurs” et à son indiscutable autorité, que les sciences sociales et l’économie sont effectivement des sciences dans le sens classique du terme?

Propagande, exposition personnelle de Guillaume Robert en collaboration avec Nicolas Coltice

jusqu'au 30 juin 2012

Maison SALVAN
1 rue de l'ancien Château
31670 LABEGE
05 62 24 86 55 / 06 71 31 23 11
maison.salvan@ville-labege.fr

Ouverture du mercredi au samedi, de 15h à 19h

Transportée (by Cécile)

Mercredi 13 juin, j'ai plein de choses de prévues et une seule le soir, je ne vais donc pas avoir besoin d'avoir le don d'ubiquité : il s'agissait de me rendre au Hall des chars pour assister à la deuxième soirée du festival « sans titre mais poétique #2 » qui se tient jusqu'à samedi soir...

Dirty Deep au Hall des Chars le 13 juin 2012, photo: C.R.

La soirée a commencé sur quelques notes de musique, un musicien, Dirty Deep chantait et jouait, on aurait dit du blues, de la country, c'était entraînant et donnait envie de danser (ça tombe bien, danser me manque). Ce petit gars tout frêle entonnait ses chansons avec une voix éraillée on ne peut plus sexy qui sortait de ses tripes dans le salon du Hall des chars. Parce que oui, vous trouverez dans cet espace convivial une cuisine, des petits salons, un table à repasser, des linges entrain de sécher et même une chambre à coucher avec des peluches, le tout autour d'un endroit où commander à boire et à manger (un régal, je vous assure !). Mais bon, passons aux choses sérieuses, je suis tout de même sensée vous parler de poésie...

Soirée étrange où je me suis retrouvée entre diverses formes de poésie, ballottée, chahutée, transportée, j'ai abordé la soirée en me disant que j'allais réfléchir à ce que je voyais et entendais, prendre des notes pour vous faire partager tout ce qui s'y était passé. Mais c'était une erreur donc j'ai laissé tomber pour simplement vivre cette soirée et les expériences que nous proposaient ces différents poètes mais est-ce encore de la poésie quand toutes les fibres de nos corps sont sollicitées ?

 
Christophe Boursault au Hall des Chars le 13 juin 2012, photo: C.R.

Donc après la mise en bouche musicale de Dirty Deep, j'ai pu découvrir une conférence poétique de Christophe Boursault ou plutôt de son assistant (c'est ainsi qu'il s'est présenté). Étonnant, assourdissant aussi par moments, il nous a en fait convié à une conférence où l'artiste (lui-même) était aussi en duplex vidéo à Marseille et ailleurs où comment présenter l'artiste comme un être schizophrène qui s'aime et se déteste, se méprise et nous vrille les tympans par moments. La morale de l'histoire ? « Est-ce que cette œuvre a du sens ? » demande-t-il au public, en direct de Marseille (en fait non mais c'est ça qui est drôle), qui dit que non. Il faut une certaine dose de dérision et de second degré pour créer une œuvre dans laquelle on se dit à soi-même que ce que l'on fait ne parle pas au public, non ? L'artiste en fou en colère, ce fut drôle, surprenant, perturbant, mais réussir à exister et vivre de son art ne rend-il pas fou quand on nous dit qu' « être artiste, c'est accepter l'histoire de l'art, c'est savoir faire des courbettes (…), c'est rebirth » ? Merci M. Boursault qui n'est pas M. Boursault pour cette leçon sur l'art...

Joachim Montessuis au Hall des Chars le 13 juin 2012, photo couchée: C.R.

Puis ce fut autour de Joachim Montessuis de prendre le contrôle de l'espace et de nous emmener dans un monde de mots et d'émotions. J'avais beaucoup entendu parler de cet artiste, on m'en avait dit le plus grand bien et j'étais donc assez impatiente de le découvrir autrement que sur internet. Il nous a invité à nous installer au centre de quatre colonnes, de quatre hauts-parleurs qui diffusaient le texte qu'il lisait extrait d'un livre publié récemment : Regen, c'était la première fois qu'il présentait cette pièce. Couchée par terre, je me suis laissée envahir par ce qui était diffusé. Outre le texte dit, un son lancinant et profond était projeté dans l'espace, le texte tournoyait entre les hauts-parleurs. Suivant les moments et le lieu où on se trouvait, on devait vraiment faire l'effort de tendre l'oreille pour percevoir ce qui était dit. Je ne sais comment vous parler de cela, je crois vraiment qu'il faut le vivre (c'est aussi pour ça que je n'ai pas fait de vidéos de cette soirée) pour se rendre compte que Joachim Montessuis imite le ressac, nous emporte par vagues dans un monde de mots et de maux le tout au moyen d'un tourbillon sonore qui invite à la perte de repères, de soi et nous propose d'oublier pendant un temps nos rassurantes habitudes de pensée et de vie. La chute fut brutale, le son s'est arrêté, les mots aussi sans transition aucune, il nous a remercié mais de quoi, d'avoir été là et d'avoir accepté de faire ce voyage avec ses sons ? Voyage à refaire je pense, il fut bon de flotter dans un autre espace-temps.

Pierre Louis Aouston, déjà le 14 juin 2012 au Hall des Chars, photo: C.R.

Ce post commence à être un peu long, aussi vais-je essayer de conclure... Alors que la soirée était loin d'être finie. J'ai donc aussi pu découvrir le travail de deux poétesses : Lucie Rivaillé et Annabelle Galland qui, jouant avec les mots, nous ont emmené dans une rythmique de sons et dans des univers poétiques prenant peut-être moins aux tripes que les précédents mais il est bon aussi d'alterner les types de poésie et donc les plaisirs. Pierre Louis Aouston que j'avais découvert l'an passé au premier « sans titre » intervenait lui aussi, il vit ses textes et nous invite à entrer dans son univers engagé où il est question de peur, de capitalisme et d'une société qui ne semble pas nous appartenir. Pour finir, mention spéciale aux derniers performers (il était vraiment tard), Cécile Fleur Dabo et Stéphane Diskus, qui ont réalisé une performance alliant danse, poésie et vidéo, la poésie était alors une invitation à entrer en état de transe, même s'ils ne furent pas les seuls ce soir-là à nous faire cette proposition.

Le programme est par là, ça se passe encore jeudi 14, vendredi 15, samedi 16 au soir ainsi qu’une table ronde le 16 à 10h à la galerie Stimultania, au plaisir de vous y croiser !

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Sans titre mais poétique #2, du 10 au 16 juin 2012 au Hall des Chars, 10 rue du Hohwald à Strasbourg (Tram B station Laiterie). www.halldeschars.eu

Tous les soirs, en continu : « cuisine vagabonde » douceurs franco-perses avec l’Arc En Miel.

Et en non stop : breuvages pression à base de houblon strisselspalt provenant exclusivement de récoltes régionales (à consommer avec modération).

Tarifs : – 8 € par soir [Membres Hiéro/Stimultania/AHQG/Radio En Construction : 5 € + 1 invit le jour d’après | adhérents Friche Laiterie : 3 € + 1 boisson.]

Jauges réduites, réservation conseillée : 03 88 22 46 71 / contact@lafrichelaiterie.org

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Le samedi 16 juin au matin avait eu lieu une table ronde à la galerie Stimultania, pour écouter les interventions des différents artistes qui s'y trouvaient, c'est sur le site de Radio en construction, par là:

http://www.radioenconstruction.com/index.php?post/2012/06/26/Table-ronde-Sans-Titre-mais-po%C3%A9tique-16-juin-2012

Mystique contemporaine (By Christelle)

Laurent Grasso, On Air, Film 35 mm sur DVD Pro HD, couleur, son, 2009 Courtesy Galerie chez Valentin, Paris & Sean Kelly Gallery, New York. © Laurent Grasso/ADAGP, Paris, 2012

Laurent Grasso est probablement l’artiste français qui va le plus à l’encontre de notre goût pour la rationalité et la raison en général. Il se glisse avec beaucoup de plaisir dans les moindres interstices de notre mental. Ce dernier a une forte tendance à vouloir tout bien ranger, tout ordonner car nous n’aimons pas le désordre, ni le changement d’ailleurs. En fait, nous supportons assez mal tout ce qui pourrait nuire de près ou de loin à un équilibre que nous avons déjà eu du mal à créer.

Si l’envie de perdre vos repères se fait sentir, Laurent Grasso saura vous satisfaire. Ici point de white cube mais un espace cloisonné avec un long couloir sombre communicant sur une multitude de pièces labyrinthiques. Des morceaux de murs ont été découpé pour inciter les visiteurs à tenter de voir, mais pas trop, les étranges objets exposés. Grasso joue sur les temporalités en mettant en scène des peintures ayant d’ancien seulement leur style, créées par l’artiste, et d’autres datées du XVème ou du XVIème siècle. A contrario, de nombreuses vidéos happent le spectateur tout en étant moins sujettes à interrogations quant à leur période de création et leur auteur. La référence première est, bien sûr, celle du cabinet de curiosités, lieu réservé aux lettrés et où l’on pouvait croiser des cornes de licornes, des médailles, des insectes empaillés, des squelettes ou bien encore des œuvres d’art.    

Laurent Grasso, Studies into the past, Colle animale, résine mastic, huile cuite et pigments
sur panneau de bois. Collection de l’artiste. © Laurent Grasso / ADAGP, Paris, 2012

L’étrange, donc, mais aussi la peur particulièrement bien exploitée dans les vidéos de l’artiste, notamment celle où une caméra a été mise sur la tête d’un faucon dont on peut suivre la déambulation si près des arêtes montagneuses. La vidéo sur le parc secret de Bomarzo est également tout à fait fascinante. Situé en Italie, il est aussi appelé parc des monstres, il s’agit d’un lieu rempli de sculptures extravagantes construites au XVIè siècle et inspiré du livre fantasmatico-intello-amoureux Le Songe de Poliphile. Ce livre dans lequel pullulent les références à l’architecture et aux jardins aurait beaucoup inspiré les créateurs du parc de Bomarzo. De fausses grottes aux bouches béantes sont ainsi filmées sous tous les angles accompagnées d’une voix off qui n’explique rien, mais qui au contraire, rajoute du mystère à ses formes déjà irréelles.

Finalement, il me semble que tout cela s’adresse à nos croyances au sens large et non seulement religieuses. Toutes ces choses, ces êtres, auxquels on croit en dépit de toute rationalité. Peur, fantasme, inexplicable qui souhaite le rester, tout simplement car nous en avons grandement besoin.  

 

Laurent Grasso, Uraniborg

Jeu de Paume

Jusqu’au 23 septembre

1 place de la Concorde

75008 Paris