LIFEPROOF

Les Sculptures silencieuses de Jean François Coadou (by Justine)

Sculptures silencieuses,acier, dimensions variables, 2000-2010

J'ai rencontré Jean François Coadou pour la 1ère fois il y a 3 ans. Je travaillais alors pour la Galerie Sintitulo. Je me souviens parfaitement de cette rencontre, car elle coïncide avec le jour où je suis littéralement tombée amoureuse de mon mari. C'était un après-midi de Janvier. Nous étions allés faire de l'escalade au déjeuner, sur les parois de Sormiou. Puis j'avais pris la voiture pour me rendre à Perthuis, voir ce grand barbu, qui m'attendait dans son entrepôt-atelier.

Etait-ce mon état éthérique qui me fit ressentir ce trouble à la vue des sculptures silencieuses de l'artiste, ou bien un second coup de foudre dans la même journée? Je ne sais pas, mais je vais pouvoir trés bientôt élucider ce mystère en retrouvant cette série d'acier chez artmandat, à partir du 27 mars prochain.

Sculpture silencieuse n°28 2004
Acier, 62 x 62 x 29 cm
Photographie Jean-François Coadou
Silent sculpture n°28
Steel

Commencée en 2000, la série en cours des sculptures silencieuses, est l'aboutissement provisoire d'une recherche sur le thème de la folie. Elle s'inscrit dans la suite logique d'un travail de Coadou sur le chaos, l'architecture autoritaire, et plus précisément sur le garde-fou.

Horizontales et définitives, aussi lourdes que serait légère la prière, aussi muettes que bavarde la plainte, leur présence est inévitable, et pour moi elle oscille entre une présence agréable et une présence insupportable.

Sculpture silencieuse 71 2006
Acier, 40 x 50 x 50 cm

Chacune de ces oeuvres me fait penser à un individu, enfermé en lui-même. Métaphore de l'autisme, ou plus généralement de la maladie mentale, la sculpture silencieuse me parle d'impuissance, de colère contenue, de négation. Mais aussi d'espérance, de beauté, et d'âme. C'est pour moi toute la force de Coadou : Donner à voir l'extrême violence, inaudible et impalpable, d'une souffrance mentale, transcendée par la douceur d'un espace tout aussi insaisissable, qui serait à la fois contenu et infini. Comme un lieu duquel jaillirait une source d'amour.

Je ne saurais que vous recommander de faire votre propre expérience, chez artmandat.

L'exposition, dont le commissariat revient à Sylvie Pic, présente aussi le travail de Martina Kramer, à découvrir.

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Chez artmandat -19 rue Pierre Curie, 83670 Barjols - info@artmandat.com - 06 72 79 97 54

Jean-François COADOU,  "Le complexe de Vauban" Martina KRAMER, "D'un état l'autre"

Vernissage le samedi 27 Mars 2010 de 18h30 à 20h30 Exposition du 27 mars au 23 avril

Mi-dit: Dimanche 11 avril à 11h11 Rencontre avec les artistes suivie d'une lecture de leurs textes par Jean de Breyne.

Finissage: Vendredi 23 avril de 19h00 à 20h30

Vivre et enseigner la photographie selon Lisette Model (by Christelle)

 

Lisette Model, Broadway Singer, Metropolitan Café, New York, gelatin silver print, 1940s

La presse était unanime et les couloirs du métro me rappelaient tous les 150 mètres l’exposition à ne pas rater ! Victime consentante du marketing culturel, depuis des semaines j'essayais désespérément de placer une visite de la rétrospective de Lisette Model dans mon agenda surchargé.

Je me suis donc rendue au Jeu de Paume, haut lieu de la Révolution qui  s'est progressivement transformé en espace d'exposition, aujourd'hui entièrement consacré à l'image photographique et vidéo graphique.

Déception j’écris ton nom !

Pourtant Lisette Model est une photographe qui connu le succès dès les années 1940 et dont le postulat de travail est des plus intéressants: nous dévoiler ce que notre regard ne voit plus, l’habitude nous rendant aveugle.
Malheureusement notre regard contemporain est depuis longtemps lassé, voire écœuré, par ce type d'images.

De quoi s'agit-il? Du courant de la street photography auquel appartiennent  Henri Cartier-Bresson, Robert Frank, Brassaï, Willy Ronis ou bien encore Robert Doisneau et qui ont envahi les musées, les librairies, les salles d’attente… ad nauseam.

Lisette Model, Woman with Veil, San Francisco, 1947, Gelatin silver print

Je n’ai donc vu dans cette succession de salles blanches que des humains dont la richesse ou la pauvreté devient un signe distinctif trop appuyé, des marginaux en tout genre, présentés telles des bêtes de foire.
En effet, ce courant photographique, vous le savez sûrement, se concentre sur les villes et leurs habitants.

Notons qu’une filiation apparaît très nettement entre Lisette Model et la photographe contemporaine Nan Goldin. Cette dernière s’est aussi beaucoup intéressée aux noctambules habitués des night-club de New-York, la tragédie du sida en plus.

Nan Goldin, James King backstage at the Karl Lagerfeld show, Paris, 1995

Dès 1949, Lisette Model se consacre à l’enseignement et cesse pratiquement toute activité artistique. En très bonne pédagogue, elle dit à ses élèves de photographier avec leurs tripes et qu’ils doivent « capter ce par quoi l’on est passionné au lieu de se demander comment les images seront perçues, vivre au présent et réagir à la fraicheur de l’instant. »
Belle théorie et quelle vie intense si l’on met en pratique ces idées comme le fit Lisette Model. J’aurai donc aimé être dans la peau de cette artiste pour vivre de cette façon car simplement regarder ses images n’est à présent plus suffisant.

Cette fois, cher Hamlet, nous avons la réponse être Lisette Model et non pas voir Lisette Model !

Eat Art (by Stefania)

Ce nom désigne un mouvement artistique des années 1960 – 1970 conduit par l’artiste d’origine rumaine Daniel Spoerri, un véritable globe-trotter d’autrefois. M. Spoerri est né à Galati en 1930, mais émigre en Suisse à cause de l’occupation nazie, puis à Paris, à Düsseldorf et dans le sud de la France. Aujourd’hui il habite en Italie, à Seggiano (Toscane).

Daniel Spoerri, Tableau-Piège, assemblage d'objets 1962

Le nom « Eat Art » a été inventé par Spoerri lui-même, qui avait commencé à produire des tableaux en collant sur les toiles les restes des repas pris avec des amis : dans ces tableaux nous voyons des tranches de pains, des billets d’expositions, des notes sur papier et naturellement des assiettes, des couverts, des bouteilles, des cendriers pleins de mégots. Sachez qu’à l’époque où Spoerri crée ses premiers « Tableaux-pièges » (1959-60) la peinture s’intéresse encore à des thèmes très classiques, comme le réalisme, vous pouvez saisir toute la nouveauté de ce geste qui aujourd’hui n’étonnerait plus personne.

En 1970, l’artiste roumain organise la première exposition Eat Art à Düsseldorf au Restaurant Spoerri, inauguré deux ans auparavant. De nombreux événements, sous forme de festins-performances, auxquels participent tous les artistes de l’avant-garde d’alors, sont organisés dans ce restaurant et dans la Eat Art Gallery, au premier étage du même bâtiment.

Joseph Beuys, Freitagsobjekt: gebratene Fischgräte (objet du vendredi, une arete d'hareng grillée), 1970

L’exposition « Eat the Universe. Food in art », présentée à la Kunsthalle de Dusseldorf a été l’occasion d’effectuer un rattrapage rapide en histoire de l’art : je ne connaissais pas très bien la figure de Daniel Spoerri, ni les origines de ce qu’on appelle aujourd’hui le “Food Art”.

L’exposition rassemblait des œuvres historiques, telles que les tableaux-piège et les sculptures en pâte à pain de Spoerri, ou les harengs de Joseph Beuys, mais voulait aussi faire le point sur les artistes qui aujourd’hui abordent le thème de l’alimentation ou qui utilisent tout simplement des matières alimentaires. Malheureseument, entre les pièce historiques et les créations actuelles, il n’y avait pas grande chose : il y avait comme un vide. A coté des œuvres d’aujourd’hui, les Spoerri, Arman, Beuys avaient l’air d’avoir très mal vielli.

De nos jours,  de nombreux artistes s’intéressent au « Food Art ». Tous soulignent que l’acte de manger n’est pas seulement lié à notre biologie et à notre survie physique, mais est aussi quelque chose qui rélève du domaine de la culture. Il suffit de penser que ce qu’on mange, la façon dont on le mange et les endroits où l’on mange changent selon les époques et les pays. Nous savons que l’alimentation est devenue un facteur social et politique : on peut penser à l’anorexie, mais aussi à certaines réligions ou certains groupes « politiques » qui professent des formes de végétarisme assez radicales. Et ancore, la nourriture est devenue depuis des décennies un objet de marketing et d’identité culturelle et/ou nationale.

Premier plan: Thomas Rentmeister, Untitled, 2007, sucre, caddy

Deuxième plan: Judith Samen, Reibekuchenwand, installation et performance, 2002

Dans cette exposition, j’aurais parlé un peu plus de Rikrit Tiravanija, l’artiste thaïlandais qui invitait son public à des dîners-vernissages pendant lesquels il prépare et sert des plats typiques de son pays. Une expo sur l’art et la nourriture ne peut pas se passer de cet artiste qui a encarné tout un courant de l’art contemporain dans les années 1990, appelé « art relationnel ».

Premier plan: Zeger Reyers, Rotating Kitchen, installation, 2009

Dans ces expériences, l’art se mêle à la vie et ne s’intéresse plus à la production d’objets et à leur exposition mais plutôt aux relations qui s’instaurent parmi les participants, au hasard des événements, au flux de la vie. Ces idées n’ont rien de nouveau dans les années 1990, mais dérivent tout simplement des expériences des mouvements des années 1970 (surtout de Fluxus, dont les artistes proposaient souvent des performances et des happenings sans créer des « objets - œuvres d’art »). Les œuvres récentes présentées à l’exposition « Eat the Universe », au contraire, se lient à la tradition de l’art des années 1960 (vous vous souvenez du Pop Art ?). Des objets tels qu’un caddy de supermarché ou une cuisine entière sont reproposés dans l’espace d’exposition. Ici on peut toucher, admirer, voir. Ce n’est plus un événement qui est sous nos yeux, ce sont des produits de masse qui, après 40 ans, occupent encore une place considerable dans notre société.

Jana Sterbak, Brot Bett (lit en pain), installation

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Kunsthalle Düsseldorf

Grabbeplatz 4
D-40213 Düsseldorf
mail@kunsthalle-duesseldorf.de

Jours d'ouverture: de mardi à dimanche de 11h à 18h.
Visites guidées gratuites en allemand tous les dimanches à 12h30.

L'exposition Eating the Universe sera présentée au Taxipalais d'Innsbruck (autriche) du 24 avril au 4 juillet et au Kunstmuseum de Stuttgart du 18 septembre au 9 janvier 2011.

Caricature contemporaine (by Christelle)

Etonnamment, je ne vous ai jamais parlé d’un espace d’art contemporain très important à Paris : le Palais de Tokyo. Il fut pourtant mon préféré pendant plusieurs années. J’aimais y flâner et y rêvasser. Rare lieu de la Capitale où l’on peut rester des heures sans être forcée de consommer quoi que ce soit, sans même que l’on ne vous indique gentiment la sortie.
Toutefois, depuis le changement de direction en 2006, l’austérité des expositions et des visiteurs a pris le pas sur la fantaisie et l’hétérogénéité.
Ne sombrons pas dans le « c’était mieux avant » car le Palais de Tokyo a toujours été un  endroit très à la mode où le « tout Paris chic et branché » aime se montrer. L’art n’y était pas toujours du meilleur goût mais c’était toujours drôle et bon enfant. L’art n’y est toujours pas du meilleur goût et désormais c’est ennuyeux, voire triste.

Après des mois d’absence, j’y retourne avec optimisme. Les vernissages sont tout sauf l’occasion de vraiment regarder les œuvres mais j’aime le côté expérience sociologique de ce type d’événement pseudo-mondain.
Titre de l’exposition Pergola probablement née d’une séance de brainstorming ratée visant à dénicher un mot un brin désuet et complexe.

Sculpture de Valentin Carron

Critiquer de façon trop appuyée l’art contemporain n’est, pour moi, pas chose facile car nombreux sont ceux qui s’y adonnent en usant d’arguments d’une pertinence proche du néant. Néanmoins cette fois-ci le Palais de Tokyo a eu raison de ma ferveur. Cette exposition thématique repose sur la disparition de la pergola d’une maison construite en Suisse par Le Corbusier et qui se retrouve, par une incroyable ellipse temporelle, accolée à un autre fait : le journaliste irakien Muntazer Al-Zaidi lançant ses chaussures à la tête de Georges W. Bush.

Mais quel peut bien être le rapport entre ces deux faits, sans parler de la comparaison plus que douteuse entre la disparition d’un élément d’architecture et un geste politique ?

Rassurez-vous, le petit dépliant nous indique que cette exposition nous parle « des formes et des vies effacées demandant réparation ». Un visiteur non averti pourrait croire à une blague, il n’en est rien. 

Valentin Carron et son méchant crépi vert amande sale et ses sculptures parodiant les grands thèmes de la sculpture moderne déçoivent ou, pire, laissent totalement indifférent.

Oeuvres de Charlotte Posenenske

Notons tout de même une certaine réflexion sur l’art et l’espace urbain avec le jeune artiste montant Rafael Zarka et, une vraie découverte, l’artiste allemande Charlotte Posenenske dont les œuvres des années 1960 sont tout à fait remarquables.

Boire pour oublier, c’était la seule solution. J’avais, bien sûr, déjà consommé quelques verres avant d’arriver sur les lieux, mais la bière du premier étage n’a pas épongé mes déboires artistiques et même Georges n’en finissait plus de me dire  « but what else, what else ??? » et moi de répondre «unfortunetly nothing, just nothing. »

 

Ambiance bière au premier étage du Palais

La capitale européenne de la culture 2010 c'est ici! (by Stefania)

Je suis heureuse de vous annoncer, avec quelques semaines de retard que…. Non, non je ne suis pas enceinte, je n’ai pas gagné au Loto, je n’ai pas été embauchée au Moma de New York ! Mais j’habite cette année dans une des capitales européennes de la culture !

Vous devez savoir que, chaque année, le Conseil de l'Europe choisit trois villes de l’Union, qui deviennent les capitales européennes de la culture. Quatre ans avant la désignation, les comités de chaque ville candidate présentent un dossier, puis, si elles sont séléctionnées, commencent à préparer cet événement.

Le but est de rapprocher les citoyens d’Europe et de leur faire découvrir des endroits qui ne sont pas forcement très connus. C’est aussi l’occasion de donner de l’élan à des villes qui ont décidé d’investir du temps et de l’argent pour la culture.

Cette année, les capitales européennes sont Istanbul (et tant pis pour tous ceux qui ne considèrent pas la Turquie parmi les pays européens !), Pecs (Hongrie) et Essen.

Comme je vous le disais dans mon article sur la reconversion, toute la zone de la Ruhr connaît depuis une quinzaine d’années une véritable renaissance culturelle : cette région, jadis cœur industriel de l’Allemagne de l’Ouest, se réinvente un avenir comme destination culturelle et y parvient très bien.

L’ouverture du Museum Folkwang (Essen), où je ne me suis pas encore rendue faute de temps, marque le début de cette saison culturelle et artistique. Mais en janvier passé a aussi ouvert le Ruhr Museum, qui se trouve dans la plus grande mine désaffectée d’Europe, la Zeche Zollverein, dont je vous ai déjà parlé ici.

John Armleder, Untitled (Canaletto) FS, 2007, Courtesy Galerie Anselm Dreher Foto: Sabine Schirdewahn (dans le cadre de la Biennale Lichtkunst)

A coté de ces musées (et de bien d’autres, comme vous pouvez bien le remarquer ici), on compte une grande quantité de manifestations culturelles, dans tous les domaines.

Pour ce qui concerne l’art contemporain : la Biennale de l’Art lumineux, qui commence en mars et, contrairement à toutes les biennales du monde, a lieu dans des habitations privées qui, pour l’occasion, abritent des œuvres d’art lumineux et restent ouvertes pour les visiteurs (je ne sais pas qu’en pensez-vous, mais moi je trouve cette idée absolument géniale); le projet Ruhr Atoll, une installation temporaire réalisée par 25 artistes (parmi lesquels Ilya Kabakov), qui se compose de plusieurs îles artificielles flottantes sur les eaux du lac Baldeney (au sud de la ville d’Essen) ; le projet Seven European Gardens, une série de « sculptures sociales » qui seront mises en place dans la région de la Ruhr et qui oscille entre l’écologie et  « Art » avec le A majuscule ; le projet 2-3 Strassen, une œuvre d’art public réalisée par l’artiste allemand Jochen Gerz dans les villes de Dortmund, Muhleim und Duisburg (je vous en parlerai).

Ruhr Atoll, un projet artistique en collaboration avec RWE

Chaque semaine de l’année, une ville de cette région devient « Local hero », c’est-à-dire protagoniste des manifestations culturelles : une bonne occasion pour découvrir tous les endroits, aux noms imprononçables, qui entourent Essen. Bien sûr, il y a des expositions qui ne donnent pas forcement à voir des choses formidables, mais ce qui est louable est la richesse et la variété des initiatives.

Hans-Böckler-Platz 7, Mülheim an der Ruhr dans le cadre du projet "2-3 Strassen"

Ce qui me frappe chez les Allemands, depuis un an et demi que j’habite en terre germanique, c’est le absence absolue de clichés et d’idées préconçues dans l’art et la culture. Je m’explique : en Italie (mais je dirais en France aussi), on sent très bien encore le poids de la tradition. Ici, dans cette terre qui jusqu’à maintenant n’a connu que des mines, des usines et du charbon, l’art contemporain est quelque chose de presque nouveau. Il faut former un public, des collectionneurs, des artistes ! On est libres ! On n’a pas desmaîtres encombrants à imiter, on n’a pas de modes à suivre, ni de galeries qui influencent le travail des artistes !

On n’est pas à Berlin (Dieu merci), ni à Paris, ni à Milan, ni non plus à Cologne (que j’adore quand-même).

On peux tout inventer !

Vive la Ruhrgebiet !

Projet Schacht Zeichen

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Il n'y a pas que l'art contemporain....

...Le 18 juillet 2010, l'autoroute A40, qui traverse toute la zone de la Ruhr, sera fermée pendant un jour pour un pique-nique général! Plus d'infos sur le projet Still-Leben Ruhrschnellweg ici.

... au mois de mai commence aussi le projet Schacht Zeichen: sur chaque mine de cette région sera hissé un ballon jaune: pour en savoir plus rendez-vous sur le site du projet.

Boltanski, au lit! (by justine)

Personnes, Installation, Boltanski au Grand Palais

Pour ceux qui suivent, je me faisais l'autre jour une réflexion sur l'anecdotique et l'universel en art contemporain. Je me cite moi-même: "Je me fais d'ailleurs une réflexion: en art contemporain, dire d'une oeuvre qu'elle est "anecdotique" est une vacherie, cela sous-entend que tout le monde se fout de ce qu'a voulu dire l'artiste, son propos n'est pas "universel"."

Admettons. Sur le piédestal de l'art contemporain universel, que trouve-t-on? Vous avez deviné, un art qui a du sens, qui fait par exemple référence à la mémoire collective, à l'histoire des peuples, ce genre de trucs.

Donc, nous avons Boltanski au Grand Palais. Grande campagne de pub pour une trés grande escroquerie. (Si je dis des conneries vous avez le droit de m'arrêter tout de suite). Avant d'y aller, n'oubliez pas de faire un petit rot après avoir gobé ce que l'on vous aura prémaché: Le défi de l'artiste est d'utiliser les caractéristiques du lieu (pour ceux qui ne connaissent pas, c'est une immense verrière magnifique mais glaciale en hiver), pour jouer sur les émotions du spectateur et lui faire vivre une expérience "monumentale" face à une oeuvre.

Il y a la démarche artistique de Boltanski, qui depuis toujours traite de la mort, de la Shoa, des individus anonymes devenus icônes de ses installations. Il y a ce que dit Boltanski du grand Palais: à l'époque de ses souvenirs d'enfance parisienne, c'était un peu "le Disneyland du pauvre" (je vous renvoie à l'interview intégrale que vous pouvez écouter ici).

Et il y a le résultat. Une queue de plus de 2 heures (que nous avons resquillé dare-dare), des gens un peu abasourdis à l'intérieur, des nippes (alors ça, il y en a en veux-tu en-voilà), une montagne de nippes au dessus de laquelle se trouve une main mécanique (certains y verraient la "main de Dieu"), qui inlassablement soulève quelques vêtements, les monte au sommet de l'édifice puis les relâche cruellement. Gravité oblige, ils tombent. Cette partie là, (la chute) est assez belle à voir. Et dans l'œil du photographe, on pourrait croire que des spectres hantent le lieu.

Au sol, encore des fringues. On dirait des stands de puces, illuminés au néon. Je ferais bien mon marché. Ah oui, et il y a le son: des battements de cœur diffusés en stéréo. Le pouls de l'humanité, mes amis! (rien que ça, mais c'est une interprétation personnelle, je m'en excuse platement);)

Une médiatrice nous explique que l'artiste est un peu menteur, que les journalistes sont des cons, qu'il fallait leur donner une explication de texte de l'oeuvre sinon on courait à la catastrophe (l'artiste a peur à la fois d'être incompris, mais aussi des amalgames, c'est assez classique). Mais en réalité, Boltanski ne traite ni de Dieu, ni du Diable, il laisse au spectateur le soin de se faire son interprétation personnelle. Tiens, par exemple, l'œuvre intitulée "Personnes" pourrait bien être...une critique de la société de consommation!

Résumons donc: 26 articles de presse, 3 bandes-annonces au cinéma, 2 heures de queue, 4 Euros d'entrée, pour 1 critique de la société de consommation, qui a coûté au bas mot...combien déjà?? Ça me parait un peu ledge.

Bon point: tout cela est éphémère, tout cela sera recyclé. En 2010, si l'universel est synonyme de pognon, alors on est en plein dedans!

Trêve de plaisanterie, je me demande si nous ne pourrions pas changer de disque. Si finalement, Boltanski ne serait pas un peu has been. Maintenant il y a Haïti, les bidons villes du monde entier, et même Emmaeus. On pourrait dire que toutes ces images font partie de la mémoire collective, participent d'une même vision du monde, passé et présent. Ce n'est pas qu'il faille oublier, mais que fait-t-on du droit à l'espoir? Quel intérêt de rajouter un point de vue de plus (lamentablement noir) à celui que nous côtoyons  passivement, tous les jours dans les médias? Boltanski, Qu'avez-vous à nous dire de si grand que cela ne puisse s'exprimer autrement qu'en redite infinie de la même histoire disséquée?

Pour le souvenir, nous avons les vrais camps de concentration, qui se visitent, nous avons internet et les livres d'histoire. Pour Disneyland nous avons le RER.

Boltanski, changez de disque, ou au lit!

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Un dvd est disponible! Courrez l'acheter! LA VIE POSSIBLE DE CHRISTIAN BOLTANSKI, Portrait fantôme de l'artiste, écrit et réalisé par Heinz Peter Schwerfel, produit par Schuch Conseils et Productions propose, avec la participation du Cnap, un bonus dédié au montage de l’œuvre Personnes pour MONUMENTA 2010 dans la Nef du Grand Palais.

Informations pratiques:

MONUMENTA 2010 / Christian Boltanski« Personnes »

Manifestation ouverte au public du 13 janvier au 21 février 2010

Nef du Grand Palais - Porte principale

Avenue Winston Churchill 75008 PARIS
Horaires
Tous les jours sauf le mardi
De 10h à 19h le lundi et le mercredi

De 10h à 22h, du jeudi au dimanche

Accès

Métro : lignes 1, 9, 13 / stations : Franklin Roosevelt, Champs-Elysées-Clemenceau

Bus : lignes 28, 32, 42, 72, 73, 80, 83, 93