LIFEPROOF

Christer Strömholm

Au mois de mars dernier, je suis allé voir l’exposition Post Scriptum présentant les travaux photographiques en noir et blanc de Christer Strömholm, au sein du C/O Berlin. C’était le dernier jour et aussi la dernière fois que je voyais des photos au sein de ce musée renommé et ô combien apprécié de tous les amateurs de photographie moderne et contemporaine. Effectivement, le C/O déménage et rouvrira à la rentrée prochaine, ici : Amerika Haus, Hardenbergstr. 22-24, 10623 Berlin. Après quasiment 7 ans d’activité dans cette vieille poste gardée en l’état, en plein centre de Berlin, il a été décidé que le bâtiment serait vendu à quelque promoteur immobilier. Je ne m’attarderai pas sur le sujet et résumerai la chose comme suis : c’est du GRAND n’importe quoi !

Christer Strömholm "Arles" 1949

Bref, j’en reviens à notre suédois et les présentations s’imposent : Christer Strömholm naquit en 1918 à Stockholm et étudia la peinture à l’académie des arts de Dresden. En 1938, il quitta l’Allemagne pour travailler en tant que coursier au service des Républicains en Espagne et sympathisa avec les anarchistes. Entre 1939 et 1940, il participa à la guerre entre la Finlande et l’Union Soviétique, puis intégra la résistance norvégienne jusqu’à la fin de la Deuxième Guerre mondiale. En 1946, Christer Strömholm étudia aux Beaux-arts de Paris où la photographie devient son médium de prédilection. Plus tard, il fonda la Fotoskolan avec Tor-Ivan Odulf, une école de photographie dont il fût le directeur durant dix ans (1962-1972). En 1981, il participa au Festival d’Arles et gagna la médaille d’or, il obtint le prix Haseblad en 1997 et nous quitta en 2002 à Stockholm.

Voici comment Christer Strömholm envisageait son rapport à la photo : "Working with the photographic image is my way of living. When I think about it and look at my pictures more closely, they are all - each in its own way - nothing but self-portraits, a part of my life."

Lorsque l’on voit la façon qu’il avait d’être proche de son sujet, de le respecter, de gagner sa confiance, d’entrer en empathie, en résonance avec lui, tout en évitant l’intrusion, l’indiscrétion, le voyeurisme, cette définition devient plus claire. Le "Je est un autre" de Rimbaud prend ici tout son sens. Qu’il photographie des enfants qui jouent, l’intimité des couples, des transsexuels, des artistes connus, des personnes défigurées par la guerre, l’idée est que l’on se voit toujours dans le portrait d’autrui. Nous pouvons y reconnaître nos forces et nos faiblesses. Photographie existentialiste ? Peut-être… Subjective ? C’est certain. Ces clichés granuleux, contrastés, graphiques, pris seulement avec la lumière disponible, regorgent d’instantanés tour à tour mélancoliques, heureux, poétiques … qui sonnent familiers malgré l’éloignement. Autrement dit le non-familier contient tout de même une part de familiarité suffisamment grande pour susciter le rapprochement, l’empathie. De la photographie qui rend son contenu sensible, accessible directement, sans concept élaboré à lire pour mieux embrasser ce qui est donné à voir. De la photographie à vivre en prise direct, si l’opportunité vous en est donnée, car en petit, à travers un écran, les sentiments décrits tout au long de cet article passent nettement moins bien. 

Christer Strömholm "Puta de Mallorca" 1959

Ce fût de nouveau une très belle exposition au C/O Berlin, sans trop de monde (bizarrement pour un dernier jour) et où planait une atmosphère tranquille. Sans doute due à la combinaison des multiples  impressions délivrées par le travail de Christer Strömholm, du lieu lui-même et de sa fermeture inéluctable. 

Cyril

Apocalypse à Colomiers!

© Baptiste Debombourg,

Au début du XXème siècle toutes les traditions de l’art commencent à être mises en cause par les artistes des Avant-gardes. Dans chaque discipline (bien que l’interdisciplinarité fût l’une des grandes révolutions de cette période), des artistes pionniers explorent des formes d’expression parfois délibérément provocatrices (Marcel Duchamp et ses ready-made, dont le premier est un urinoir, Mondrian et ses tableaux abstraits aux formes géométriques, Brancusi et ses sculptures minimalistes…).

Un siècle après, ces artistes (et bien d’autres), véritables maîtres de l’expérimentation, avec leur œuvres, entrées dans l’histoire, sont devenus des vrais classiques. Voir un artiste employer un objet tiré de la vie quotidienne, peindre ou sculpter une forme qui n’a aucune attache à la réalité, peindre un tableau en n'utilisant qu’une seule couleur est devenu courant, nous ne sommes plus surpris.

Dans la sculpture, la disparition du socle fut l’une des plus grandes révolutions qui marquèrent, au début du XXème siècle, le début de la sculpture contemporaine. L’avènement de l’installation, une nouvelle forme de sculpture qui implique des nouveaux matériaux et un rapport différent à l’espace et au contexte, bouscula les codes traditionnels, il suffit de se nommer le mouvement Fluxus, par exemple, qui employa massivement l’installation, en complément aux happenings et aux performances.

« Fondre, battre, briser », exposition en cours jusqu’au 20 avril au Pavillon Blanc de Colomiers, centre d’art aux portes de Toulouse, questionne toute une série de problématiques liées à l’histoire de la sculpture et à l’installation contemporaine. Au centre de l’exposition, comme le titre l'indique, on trouve les trois procédés de création des artistes invités : Baptiste Debombourg, Florian Pugnaire et David Raffini, Anita Molinero.  

Les œuvres exposées, face auxquelles il est difficile de rester indifférents, sont parcourues par une grande violence matérielle.  

Anita Molinero, L'irremplaçable expérience de l'explosion Smoby, installation, 2010

De l’excroissance composée de tasseaux et pare-brises qui accueille le visiteur à l’entrée de l’espace d’exposition, à la cellule au centre de la salle, qui porte à l’intérieur (l’extérieur est immaculé comme il se doit dans un lieu d’art contemporain) les signes évidents de la main des artistes et de la transformation physique des matériaux, jusqu’à la sculpture d’Anita Molinero qui déborde de l’espace d’exposition pour s’insinuer dans celui de la médiathèque, les formes, l’expérimentation des matériaux est au centre des questionnements.

Florian Pugnaire et David Raffini, Amnésia/Paramnésis, installation et vidéo, 2013

Les œuvres portent dans leurs formes une énergie potentielle évidente, qui est le résultat des processus de transformation qu’elles ont subit et qui ne sont pas des moindres : déformation thermique à l’aide d’un lance-flamme sur le module de jardin d'enfants de la sculpture à moitié fondue d'Anita Molinero; coups de marteau sur les pare-brises qui recouvrent la structure en tasseaux de Baptiste Debombourg; compression sur la cellule au milieu de la salle, ainsi que corrosion par le biais d'une substance noir similaire à la poix qui entraine la disparition et la destruction de la pièce dans l'installation de Florian Pugnaire et David Raffini.

On se croirait presque sur un lieu de destruction post-atomique, où les objets que nous avons l’habitude de voir tous les jours ont survécu mais au prix d’incroyables tortures. Si le monde s'était fini en décembre passé, voici une bonne représentation de ce qu’on aurait trouvé au lendemain d’une apocalypse.

Stefania

_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

« Fondre, battre, briser : avec Baptiste Debombourg, Florian Pugnaire et David Raffini, Anita Molinero »
du 26 Janvier au 20 Avril 2013

PAVILLON BLANC
1 place Alex Raymond
31770 Colomiers
05 61 63 50 00

Avant-première : FRAC en fête !

Thibaut Chapotot / MCC Le 1er février, Aurélie Filippetti a présenté Les Pléiades

On se croirait en vacances, tout cela sent l’été à plein nez. Imaginez-vous, au mois d’août sur les routes de France, le curieux que vous êtes laisse la chaleur le guider vers des expositions à découvrir.

Vous savez celles qu’on ne prend le temps d’aller voir que pendant la période estivale. Hé bien l’été de l’année 2013 regorgera d’expositions d’art contemporain par le biais des FRAC qui célèbrent cette année leurs 30 ans ! L’annonce de cet événement a été faite en grandes pompes dans les salons du ministère de la culture et de la communication par la ministre en personne. Entre les rideaux type château de Versailles et les dorures on en oublierait presque la République qui vacille sous les coupes budgétaires. Mais festoyons donc sur les vestiges de la seule politique vraiment culturelle menée en France, celles des années 1980. D’ailleurs Jacques Lang était présent et personne ne manqua de le remercier. Ne boudons pas pour autant notre plaisir pour autant car ces lieux sont bel et bien vivants et constituent notre patrimoine contemporain. Grâce aux FRAC, le drame du legs Caillebotte n’aura cette fois pas lieu, les chefs d’œuvres du présent ne devraient pas nous passer sous le nez.

À partir du mois d’avril, les FRAC nous proposent tout un panel d’expositions et d’initiatives nommées Les pléiades. L’idée de départ est très bonne, inviter des artistes à fouiller dans les réserves de chaque FRAC pour en tirer la quintessence de l’art contemporain des trente dernières années. Pour avoir visitée quelques réserves de FRAC, je pense que cela n’a pas toujours dû être une partie de plaisir et dans le même temps je crois que l’on doit aussi se sentir tel un enfant ayant trouvé une malle de costumes anciens dans un grenier. Un trésor, voilà ce qui a été mis entre les mains de cette vingtaine d’artistes.

L’ouverture de ces différentes expositions étant prévue pour avril, je ne peux donc pas vous en parler mais il me semblait nécessaire de vous informer de l’existence d’un tel anniversaire qui aura l’avantage de ne pas être cantonné à la capitale. J’espère avoir la chance, et le temps, de visiter certaines de ces expositions et de vous en faire mon petit commentaire ! Notez également qu’à partir de septembre aux Abattoirs de Toulouse, autre nom du FRAC Midi-Pyrénées, sera présentée une sorte de synthèse des expositions de tous les FRAC. Quel défi !

_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

23 Invitations à des créateurs en région

Avril-Décembre 2013 dans tous les FRAC

Expositions collective aux Abattoirs – FRAC Midi-Pyrénées

28 septembre- 5 janvier 2014

Christelle.

Thibaut Chapotot / MCC Le 1er février, Aurélie Filippetti a présenté Les Pléiades

Ici, ailleurs, grosse déception

Fatmi Mounir-Voyage de Claude Lévi-Strauss, 2012, capture d'écran production Marseille Provence 2013 ©Mounir Fatmi, Courtesy de l'artiste et gallerie Hussenot Paris, Paradise Row Londres, ADAGP 2012_0

Suffit-il d'inviter des artistes d'envergure et les exposer les uns à coté des autres pour réussir une exposition ?

C'est peut-être ce que Juliette Laffon, commissaire d’exposition, a cru en organisant l'exposition “Ici, Ailleurs” à la Friche Belle de Mai de Marseille (mais je ne la crois pas si naïve que ça). Il ne suffit pas non plus de le faire pendant l'année où Marseille est capitale européenne de la culture, au contraire, je trouve que c'est encore une occasion ratée d’approcher le grand public à l’art contemporain.

Dans la tour Jobin, qui s'est refait une beauté pour cette année spéciale, trente-neuf artistes originaires des pays de la Méditerranée ont été invités à exposer leurs œuvres sans une thématique précise, dans le but de montrer la situation de l’art contemporain dans ces pays.

L'intention – à mon humble avis – est très naïve, pour deux raisons : d’abord la plupart de ces artistes sont nés et travaillent ailleurs qu’en Méditerranée. Il faudrait en fait justifier la présence d'artistes tels que Gloria Friedman, née en Allemagne et vivant à Paris, ou Orlan, née à Saint-Étienne et vivant entre Paris et New-York. On pourrait parler plutôt de “miroirs aux alouettes” que de vrais choix artistiques. Et puis, les artistes renommés sont souvent assez loin de la créativité et de l'expérimentation des jeunes qui, souvent, vivent encore dans leurs pays d'origine.

Gloria Friedman, installation

Attention, je ne veux pas ici défendre le jeunisme qui est très tendance depuis des années dans toutes les manifestations internationales d'art contemporain. Je me demande si vraiment un Jannis Kounnellis (qui est un des grands maîtres de l’art du XXème siècle) ne nous dit pas plus sur les recherches qui se font à Rome, Paris, Londres, New York (bref, dans les grandes capitales de l’art) plutôt que de la situation artistique à Athènes ou Alger. Il ne suffit pas d'être né en Grèce ou au Liban pour parler de la Méditerranée.

Venons-en aux œuvres exposées: en parcourant l’exposition, qui ne se veut pas “illustratrice”, mais qui l’est pour la plupart et de façon assez superficielle, on se cogne tout le temps, automatiquement, aux thématiques de l'immigration, de l'identité culturelle, du voyage... bien sûr très intéressantes et actuelles, mais truffées d’une attitude simpliste, d’un regard indulgent  et intimiste (ou nombriliste ?), riches en récits personnels faussement élevés au rang de récits collectifs (exemple: la vidéo Hand-me downs d'Yto Barrada, qui propose un montage de séquences de films de famille des années 1960) ou encore d’une façon simpliste de regarder la Méditerranée (la vidéo d'Ange Leccia est très belle, mais combien de clichés ressassés !) ou alors du manque d'intérêt artistique (les socles photographiés par Ymane Fakhir).

Ce serait beaucoup plus intéressant d'appeler à travailler sur cette thématique des artistes peut-être moins connus ou glamour, mais un peu plus impliqués dans le débat culturel et artistique de leur pays. Adrian Paci, par exemple, a présenté une vidéo-projection fort intéressante sur les mariages en Albanie et, si on connaît un petit peu sa démarche, on apprécie ce choix (et en plus, si on veut vraiment se limiter aux données géo-biographiques : il a quitté son pays pour s'installer à Milan).

 Annette Messager, La mer échevelée, 2012, installation, détail

Je termine en vous parlant d'une œuvre qui résume toutes les critiques faites jusqu'à maintenant et qui m'a bouleversé et énervé à cause de ça. Il s'agit de La mer échevelée d'Annette Messager, artiste française très connue et aimée des musées et conservateurs de l’Hexagone que l'on trouve presque partout et qui ne s'est jamais confrontée à la thématique de la Méditerranée (on se demande pourquoi elle a été appelée à participer à cette exposition). Sa recherche est très intéressante, ne me comprenez pas mal, mais sa présence dans cette exposition a très peu à voir avec les autres invités (celle de Lara Favaretto aussi, et en fait l'œuvre ici exposée - As if a ruin, un cube de confettis marrons qui s’effondre peu à peu au fil des jours et des expositions dans lesquelles il a été présenté, dans les pays intéressés par les récentes révolutions – est d'une superficialité épouvantable). Bref, dans la pièce d’Annette Messager on voit une masse de cheveux qui flotte sur une bâche en plastique à même le sol, bougée par des ventilateurs. Parmi les cheveux, un bateau jouet devrait évoquer l'idée de voyage et l'étendue marine.

Des expositions comme “Ici, ailleurs” on en voit un peu partout, en France et à l'étranger. Ce qui m'indigne n'est pas la médiocrité des œuvres exposées ou l'omniprésence de certains artistes. Je trouve que ces expositions, surtout dans le cadre d'une manifestation grand public comme celle de la capitale européenne de la culture, desservent l'art contemporain, faisant passer chez le public le message que l'art contemporain est du “foutage de gueule” et que les artistes, les commissaires d'expositions, le système en entier se moque de nous.

Je suis sûre que les autres manifestations d’art contemporain pendant cette année spéciale pour Marseille seront à la hauteur des attentes. Pour commencer, je vous invite plutôt à visiter l'exposition “Méditerranées” dont quelqu'un que vous connaissez certainement m'a parlé en très bons termes.

Stefania

 

Ici, ailleurs

jusqu'au 31 mars

Friche la Belle de Mai, Tour Panorama, Marseille

 

 

 

Lille3000, la place du spectaculaire dans l'art contemporain

Jean-François Fourtou, La maison tombée du ciel, 2012

C'est une réalité, le relation entre art contemporain et (grand) public est un mariage tourmenté. La multiplication d'initiatives en médiation culturelle, la place toujours plus importante que prend ce domaine dans les structures de l'art et la discussion autour de son inefficacité témoignent de l'actualité du débat et de sa dimensione quelque peu "politique".

La question, actuelle, que conservateurs, directeurs et présidents des insitutions d'art contemporain se posent est: qu'est-ce qui peut être fait pour attirer plus de monde au musée? Les tentatives sont multiples, différentes, plus ou moins réussies et sous les yeux de tout le monde.

Lille3000, pour la dernière édition que j'ai pu visiter en partie il y a quelques semaines, a choisi l'option du spectaculaire. Les installations parsemées dans la ville misent sur l'effet surprise, souvent en opérant un changement de perspective ou de perception pour le visiteur: maisons sens dessous-dessus, nuages de brouillard, paysages artificiels, terrains de foot bossus... Des interventions fort divertissants, je ne le nie pas, mais entraînant plus le sourire qu'une véritable refléxion.

Nick Cave, Triple Ondulations, installation, 2012

Phantasia, l'exposition au Tripostal, montre très bien cette volonté de spectacularisation. Elle foisonne d'installations surdimensionnées, voire monumentales: les mannequins criards de Nick Cave, auxquels une très grande partie du 2ème étage est consacrée; l'énorme sculpture de Folkert de Jong en Styrofoam, devant laquelle on a envie de s'arrêter plus pour son coté kitsch que pour son intérêt artistique (comme si le kitsch ne nous avait pas un peu lassés après la multiplication d'expositions consacrées à Jeff Koons ou à Damien Hirst, qui d'ailleurs le font très bien); ou encore l'installation de Marnie Weber, face à laquelle on a l'impression d'assister à un délire simili-gothique d'une adolescente dépressive ou à un remake en plastoc de Virgin Suicides à la sauce goth.

Marnie Weber, La chambre des murmures, installation, vue partielle (2012)

Certes, l'effort de médiation, la riche offre d'activités pour tous les publics, la mise en place de supports de communication n'est pas à négliger, au contraire, elle est à saluer. Combien de municipalités ou d'institutions mettent autant de ressources pour une grande manifestation d'art contemporain?

Toutefois, mon opinion est que les bonnes intentions ne suffisent pas à produire un grand événement qui tienne la route. Inciter le grand public à l'art contemporain ne signifie pas baisser le niveau intellectuel des œuvres proposées ou façonner un programme "facile et plaisant". Le public a besoin de se nourrir et les grandes thématiques actuelles de la critique contemporaine (des exemples? La "mort de la peinture", l'art politique ou engagé, l'art conceptuel...) sont à la portée de tous, accompagnées d'actions de médiation de qualité. Les thèmes plus sexy, comme à Lille le "fantastique", peuvent etre abordés d'une façon plus approfondie, plus pointue, sans perdre leur aura séduisante, sans qu'ils se transforment en petites querelles poussiéreuses entre intellectuels dans une tour d'ivoire.

Trop souvent - il me semble - par peur de soutenir ce qu'elles stigmatisent comme un art élitiste, les institutions tombent dans l'illusion démagogique de promouvoir artistes, projets et évenements de moindre qualité au lieu d'entamer un dialogue avec les professionnels et proposer finalement une offre de qualité.

Stefania

L’art expliqué aux enfants: sans force de gravité, la bulle de Tomas Saraceno (by Stefania)

Tomas Saraceno, On space time foam, installation à l'Hangar Bicocca, Milan

Je parie que vous avez toujours rêvé de pouvoir voler, n’est-ce pas? Moi, j’y pense à chaque fois que je fais de la randonnée à la montagne!

La semaine passée j’ai visité une exposition où, pour la première fois, j’ai eu l’impression de m’être approchée de l’idée de vol, au même sentiment de fluctuer dans un espace vide. C’était grâce à l’artiste Tomas Saraceno, qui a conçu et réalisé une installation pour un espace d’art à Milan, le Hangar Bicocca (qui est un véritable hangar, un bâtiment de l’usine Breda, où autrefois on faisait des essais sur des énormes machines électriques).

Tomas Saraceno, On space time foam, installation à l'Hangar Bicocca, Milan

Il s’agit d’une bulle transparente, en plastique, sur trois niveaux différents, sur laquelle et dans laquelle les visiteurs peuvent bouger, marcher (s’ils y arrivent), se coucher… comme s’ils étaient suspendus entre les nuages. Les mouvements des autres visiteurs ont une influence sur les nôtres, parce qu’il modifient la structure, qui n’est pas rigide. Si on se trouve au centre de la bulle, par exemple, ceux qui sont sur les cotés seront attirés par notre poids et auront donc plus de difficulté à bouger. Tomas Saraceno a voulu, avec cette œuvre d’art, créer une métaphore de la vie quotidienne, où les relations entre les individus façonnent l’espace qui les entoure.

Ce qui est encore plus intéressant, dans cette œuvre que l’artiste a réalisé pour le Cube, un espace monumental de 20 m de côté, est qu’elle n’a pas d’intérêt s’il n’y a aucun visiteur. En regardant en haut depuis la base de la pièce, on voit des couches transparentes de PVC, rien d’autre. Intéressante, mais pas particulièrement fascinante. Dès que les visiteurs commencent à affluer, on se rend compte des niveaux différents, des difficultés de déplacement, de leurs mouvements… et quand on y pénètre c’est encore plus prenant, on aurait presque envie de ne plus partir.

Tomas Saraceno, On space time foam, installation à l'Hangar Bicocca, Milan

Mais qui est Tomas Saraceno ? C’est un artiste est originaire d’Argentine qui travaille souvent avec des scientifiques (comme dans ce cas) à des œuvres qui questionnent l’art, mais aussi la science (la biologie, la physique…). Il est particulièrement intéressé par l’architecture et il est en train de concevoir des villes-nuage: villes volantes, habitables par l’homme, pourvues d’énergie (notamment d’énergie solaire), auto-suffisantes. La bulle du Hangar Bicocca est une étape du parcours artistique et utopique de Tomas Saraceno.

Et si on commençait  à penser aux scientifiques (physiciens, mathématiciens, informaticiens, ingénieurs…) comme à des artistes ?