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L'art expliqué aux enfants: l'artiste et le coyote (by Stefania)

Joseph Beuys, I like America and America likes me, performance, 1974

Chers lecteurs, cette fois je vais vous parler d’une oeuvre que j’adore et que je considère comme l’une des pièces les plus importantes dans l’histoire de l’art des cinquante dernières années!
Mais ce ne sera pas facile: il ne s’agit pas vraiment d’un objet (statue, tableau…), mais d’une performance. Pour vos parents, je vous renvoie à un ancien post de Christelle qui raconte l’histoire de ce médium, pour vous, mes chers petits lecteurs, j’essaierai de vous donner une explication pendant notre lecture.

Les images que vous voyez ci-dessus ont été prises en 1974 (voilà pourquoi elles sont en noir et blanc) dans une galerie de New York, pendant une action qui avait mis en scène l’artiste allemand Joseph Beuys. L’artiste était arrivé aux Etats-Unis par avion, enroulé dans une couche épaisse de feutre (le même tissu chaud avec lequel on fabrique les chapeaux des papis…) et avait été transporté directement à la galerie, où l’attendait un coyote (une espèce de loup sauvage originaire des Amériques).
Puis, il avait passé trois jours enfermé dans cette galerie en compagnie du coyote, la plupart du temps enroulé dans le feutre, mais parfois sans, comme vous pouvez le voir dans les photos.

Est-ce cette “action” une œuvre d’art? Peut-on la revoir aujourd’hui dans un musée?
Cette action, et toutes les actions que les artistes mettent en scène comme une pièce de théâtre, auxquelles est parfois convié le public (le public de cette œuvre restait en dehors de la galerie et pouvait voir l’intérieur à travers des vitres) s’appellent “performances”.
La plupart des fois, pendant une performance, on prend des photos de l’événement ou on tourne un film qui sert à documenter ce qui s’est passé, pour tous ceux qui ne peuvent pas être présents et qui pourront revoir l’œuvre même des années plus tard. Joseph Beuys n’a pas souhaité tourner un film “officiel” de sa performance, mais les photos de l’événement ne manquent pas.

Pourquoi Joseph Beuys a produit cette performance? Que voulait-il nous communiquer?
D’abord qu’une œuvre d’art n’est pas un objet à fixer à un mur ou à admirer pendant des siècles dans des églises ou des palais. Elle peut être aussi un geste fait par quelqu’un, une action qui ne survit pas à l’histoire autrement qu’à travers des clichés.
Heureusement pour les directeurs de musées ou les galeristes, l’avis de Joseph Beuys n’est pas celui de la plupart des artistes! Sa position était très radicale, c’était une vraie critique du marché de l’art, des galeristes et des collectionneurs qui voulaient posséder un objet d’art.

Venons maintenant à notre oeuvre. Pourquoi un coyote? Cet animal est le véritable symbole de l’Amérique  et nous fait penser aux immenses étendues désertiques du centre des Etats-Unis (vous vous souvenez des paysages des dessins animés de Bip bip le Coyote?). Il ne peut pas être apprivoisé, comme le loup. L’enfermer dans une galerie à Manhattan au beau milieu des grands bâtiments et du béton peut être aperçu comme un geste cruel, vous ne trouvez pas?

Mais l’artiste s’enferme lui aussi dans la même galerie, en partageant le même sort du coyote. Au début, l’animal ne l’aime pas, lui déchire le feutre, il gronde et ne l’approche pas. A la fin, après s’être reciproquement habitués, les deux s’approchent de la vitre et commencent à regarder ensemble le monde à l’extérieur. 
L’artiste (un européen) a réussi à apprivoiser le coté le plus sauvage de l’Amérique (le coyote), en ne le domptant pas avec cruauté ou superiorité, mais en partageant le même espace et le même air.
Joseph Beuys aimait la nature et pour lui les Etats-Unis étaient le symbole de l’opposition entre homme et nature et de la supériorité présumée de l’homme sur cette dernière. La cohabitation avec la nature dans une forme dangereuse (le coyote n’est pas forcement le plus gentil des animaux!) démontre qu’un rapport basé sur le respect et sur la communication est celui qui ouvre la voie à une nouvelle façon de voir la place de l’homme dans le monde. Et cette façon est résolument moderne, bien que Beuys nous la proposât il y a 40 ans!

Le titre de cette performance, “J’aime l’Amerique et l’Amerique m’aime” condense cette dernière signification en éclairant un petit peu cette oeuvre dense de contenus pas toujours faciles à approcher.

Et pour l’explication sur l’emploi du feutre et sur l’amour de Beuys pour les animaux rendez-vous au prochain post!

L'art expliqué aux enfants: des sculptures ou des voitures? (by Stefania)

Aujourd’hui nous allons parler d’un artiste français mort en 1998, qui s’appelle César Baldaccini, mais plus simplement ses amis l’appellent César. Il a dessiné la maquette de la statuette que l’on remet aux acteurs ou aux metteurs en scène pour les récompenser, lors de la cérémonie des Césars (voilà pourquoi cette statuette a son nom).

César, Compression, 1960

Regardez bien cette photo: Arrivez-vous à reconnaître le sujet de cette sculpture?

Il s’agit d’une voiture, une vrai voiture, que César a écrasé comme de la purée en utilisant une presse. Il lui a ensuite donné une forme géometrique, mais la voiture a gardé néanmoins sa couleur originelle.

César s’est amusé à comprimer des voitures en tous genres à partir des années 1960 : voitures de rally, voitures anciennes, Ferrari… Il a appliqué cette technique à d’autres objets , tels que des livres, des tissus et même à des bijoux en or ! Les femmes riches lui offraient leur voitures pour recevoir en échange une « œuvre d’art » !

Tout comme la voiture de Damian Ortega dont je vous ai parlé dans cet article, celle de César est inutilisable. Essayez d’entrer dans ce tas de ferraille ! Il faut être vraiment un lilliputien !

César, Compressions, 1970

Pourquoi notre artiste aimait-il écraser les voitures ? Etaient-elles à mettre à la casse ?

Non, puisqu’il a aussi utilisé des voitures neuves, par exemple des FIAT qu’il a fait peindre avec des couleurs à la mode après leur compression…

Saviez-vous qu’avoir une voiture dans les années 1960-1970 n’était pas chose courante ? Demandez à vos grand-parents : avaient-ils une voiture quand ils étaient jeunes ? cela coutait-il cher ? Mes parents ont eu leur première voiture quand ils se sont mariés, elle était toute petite et bleu. Aujourd’hui, ils en ont deux !

Même si elle coûtait plus cher qu’aujourd’hui, la voiture était l’objet à la mode par excellence ! Tout le monde en voulait une, pour partir en vacances, la montrer aux copains, sortir le soir, aller travailler…

Un portrait de César dans son atelier

César a donc décidé de travailler avec un objet quotidien de son époque, un véritable objet de désir, un peu comme si aujourd’hui on pressait des Iphone ou des Ipad.

Et pourquoi donc les détruire ? Ce n’était pas un geste violent, César n’était pas fâché contre la technologie de l’époque.

Il voulait rendre inutilisable un objet utilitaire pour cibler la société de consommation. Dans les années soixante les jeunes gens commençaient à avoir plus d’argent que leurs parents (qui avaient vécu pendant la guerre) et ils pouvaient le dépenser en achetant tout un tas d’objets (éléctroménager, vêtements, déco pour la maison, produits alimentaires…).  C’est cela, la société de consommation : il suffit de rentrer dans un hypermarché et la voilà. Nous avons une quantité innombrable d’objets que nous pouvons acheter avec notre carte, même si nous n’en avons pas besoin. Aujourd’hui, comme je vous le disais, ce n’est plus seulement une voiture, mais aussi un ordinateur puissant, un appareil photo à la mode, un meuble design, une tablette pour lire les journaux, un portable qui fait des photos/vidéos…

Et César, avec ses compressions, voulait justement nous provoquer en nous disant : « Regarde un peu, cet objet que tu as tellement désiré, à travers un simple geste, est transformé en un objet d’art. Je lui donne une nouvelle forme, des couleurs différentes, je le mets dans une galerie ou un musée et puis je le vends à un collectionneur. Il est encore une voiture, ou il devient quelque chose d’autre ? »

César nous enseigne qu'on peut faire de l'art avec des peintures et du marbre, oui, mais aussi avec les objets qui nous entourent. Ce qui est important dans le processus de création est la pensée que l’artiste met derrière son œuvre et le message qu’il veut nous faire passer.

L'art expliqué aux enfants: Takashi Murakami, la star du XXIème siècle (By Stefania)

Takashi Murakami, Planet 66 summer vacation, 2004

Dans ce post, j'avais parlé de Takashi Murakami et de l'importance de son travail dans l'histoire de l'art contemporain. Dans cet article, je vous montrerai, jeunes lecteurs, à travers des exemples, pourquoi cet artiste est très connu par les “grands” et ses oeuvres toujours présentes dans les collections des musées d'art contemporain du monde entier.

D'abord c'est qui Takashi Murakami?

C’est un gentil bonhomme de 49 ans, originaire de Tokyo et l'un des artistes les plus célèbres du monde. Quand il était jeune, il a fait ses études aux Beaux Arts de Tokyo, où il a appris la peinture traditionnelle japonaise. Pendant ses soirées et ses weekend, notre cher Takashi adorait se ressourcer en regardant des dessins animés japonais, ceux qu'on appelle “mangas”. Il en lisait aussi plein, comme la plupart des japonais, jeunes et adultes, femmes ou hommes, le font au Japon aujourd'hui encore.

Takashi Murakami,That I may time transcend, that a universe my heart may unfold (2007), acryliques et feuille d'argent sur toile (Courtesy Gagosian Gallery, New York. © 2007 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved)

Quand il a commencé à faire de l'art, Takashi Murakami a décidé donc d'unir, dans le même tableau, les enseignements qu'il avait appris à l'école et ses personnages préférés des bandes dessinées.

Sur ses toiles, on peut voir plein de petites figurines qui ressemblent aux protagonistes des BD et des dessins animés japonais, bariolés, tous mignons, à mi-chemin entre jolis bébé-animaux et petits monstres extraterrestres.

Takashi Murakami, Jellyfish eyes black, 2006

Si vous regardez bien les images de ce post, vous verrez surtout plein d'yeux: les yeux sont la “signature” de Murakami, c'est-à-dire que quand nous voyons un tableau avec des yeux peints avec ce style, nous reconnaissons tout de suite le pinceau de Murakami. Vous devez savoir que les japonais, surtout les japonaises, adorent la forme des yeux des occidentaux, parce que nous avons des yeux grands et pourvus de cils touffus pas, comme eux, des yeux petits en forme d'amande. Quand vous regardez un dessin animé japonais, par exemple Serge et Jeanne (c'était mon préféré, oui, je suis vieille!), remarquez les yeux des personnages, ils sont énormes, bariolés (violet, vert, bleu clair...) et ronds. Moi, quand j'étais petite, je me démandais pourquoi les touristes japonais que je voyais au centre ville avaient des yeux si différents de Serge, Jeanne, Olive ou Tom...

Revenons aux tableaux de Takashi Murakami.

Takashi Murakami, Flower ball, acrylique sur toile, 2002 (Collection privée, courtesy of Galerie Emmanuel Perrotin, Paris et Miami ©2002 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved)

Vous avez déjà vu dans un tableau des personnages des dessins animés? D'habitude sur les peintures, dans les musées, on voit des femmes (souvent nues), des paysages avec des dames ou des animaux, ou encore des fleurs ou des natures mortes.

Le fait de mélanger peinture traditionnelle et petits êtres imaginaires est la vraie révolution de Takashi Murakami. Voilà pourquoi il est si célèbre: il met dans le même tableau ce qu'on appelle dans les livres d'histoire “la culture haute” (celle des livres de l'université, des écoles d'art, des critiques) avec la “culture basse” (celle des dessins animés, des BD, de la télé...). Notre ami Murakami ce n'est pas le premier à avoir eu cette idée révolutionnaire. Avant lui, dans les années 1960, un autre artiste avait fait la même chose (avec des images prises dans les journaux, ou des images de publicité) et il était devenu très célèbre pour cela. Il s'appelait Andy Warhol et je parie que vous avez déjà entendu ce nom.

Takashi Murakami, Flowers, 2006

Mais Takashi Murakami fait cela au Japon et vous devez savoir que le Japon est un pays où les gens sont très traditionnels. Ils adorent la culture ancienne de leur pays, les peintures japonaises avec des paysages très précisement peints et avec des couleurs nuancées, les architectures des temples bouddhistes en bois, les kimonos bariolés des jeunes femmes de Kyoto. Ils adorent aussi les mangas, je vous le disais, mais ils ne pensent pas que la BD est une forme d'art. Nous non plus d'ailleurs, mais chez nous parfois on en trouve dans les galeries d'art contemporain. Pour les japonais, par contre, c'est une idée complètement nouvelle.

C'est pourquoi, en 2050, quand on ira visiter un musée d'histoire de l'art, nous pourrons admirer les tableaux de Murakami et expliquer à nos fils ou petits-fils pourquoi cet artiste était si connu et coté quand nous étions petits.

 

L'art expliqué aux enfants: les sculptures bizarres d'Erwin Wurm (by Stefania)

Erwin Wurm, House Attack, installation au MUMOK, Vienne, 2003

Regardez bien cette image : y-voyez-vous quelque chose de bizarre?

On dirait une maison qui est tombée du ciel et s’est coincée dans le toit d’un bâtiment. On pourrait aussi se démander d’où vient cette maison (de Mars ?) et surtout où sont ses habitants, j’éspère pas à l’intérieur.

Vous avez bien deviné, il s’agit vraiment d’une maison, mais heureusement, bien qu’absolument identique à une maison familiale normale, elle n’a jamais été habitée.
C’est une sculpture, une des plus bizarres et originales que j’aie jamais vu (dans ma vie).

L’artiste qui l’a conçue et réalisée (avec l’aide d’un maçon et de toutes les personnes dont le travail consiste à construire des maisons) est autrichien et s’appelle Erwin Wurm. Il a décidé de présenter cette sculpture à l’occasion de l’ouverture de son exposition personnelle au musée d’art contemporain de Vienne, le bâtiment gris sur lequel la maison est coincée.

Erwin Wurm, One minute sculpture, 1999

Erwin Wurm, The idiot, performance, 2003

Et pourquoi ça ? Erwin Wurm est fou ou quoi ?
Je dirais que cet artiste n’est pas tout-à-fait fou, mais disons étrange. D’abord, il a commencé à créer des « sculptures » plus petites, en utilisant des objets quotidiens (stylos, légumes, balais, fruits…) et en démandant à ses copains et aux visiteurs de ses expositions de les utiliser selon des instructions qu’il écrivait à coté, puis de poser pour des photos. Lui-même posait parfois pour ces clichés. Ci-dessus vous pouvez voir des visuels de ces sculptures que l’artiste a appelé « Sculpture d’une minute », c’est-a-dire des sculptures très rapides à faire. Elles vous font rire ?

Puis, il a commencé à réaliser des sculptures plus grandes (maisons, voitures, bateaux) parfois déformées, parfois tout simplement « grossies ». Regardez les images ci-dessous, elles vous plaîsent ? Les couleurs des voitures, en particulier, me font penser aux guimauves, n’est-ce-pas ?

Erwin Wurm, Fat house et Boat, sculptures, 2001

Erwin Wurm, Fat Car, sculpture, 2001

Pourquoi Erwin Wurm s’amuse à faire ça ?
Cette question est très importante : il faudrait se la poser à chaque fois qu’on voit des expositions ou des œuvres d’art (il y a une autre question qu’on se devrait poser aussi : « J’aime ça ? »).
Hé bien, Erwin Wurm utilise des objets « normaux », qu’on peut tous trouver chez soi et les « détourne », ça veut dire qu’il change la fonction de ces objets en les employant pour faire de l’art. Un stylo d’habitude sert à écrire, mais pas ici, dans les oreilles de ce bonhomme ! Une chaise sert à s’asseoir, pas comme ici. Et puis, les bateaux et les camions d’habitude sont droits, sinon comme ils feraient pour rouler sur les routes ou pour flotter sur l’eau ?

Erwin Wurm, Truck,sculpture, 2003

Et les maisons « grossies », comment fait-on pour y rentrer ? Et si elles grossissent encore plus jusqu’à ce que les portes et les fenêtres disparaissent ?

Erwin Wurm, deux photographies de la série "Instructions pour être politically incorrect": à droite "Inspection" et à gauche "Looking for a bomb", 2003

Erwin Wurm, Spit into someone’s soup, photographie, 2003

Erwin Wurm s’amuse non seulement à détourner les objets, mais aussi les gestes. Regardez ses images. Il s’agit de photos que l’artiste montre dans ses expositions et qu’il appelle « Instructions pour être politically incorrect » (cette expression anglaise indique des comportements qu’on n’adopte pas dans un lieu publique, parce qu’ils sont considérés déplacés ou malpolis, par exemple mettre les doigts dans le nez) : il y a un monsieur qui met son bras dans le pantalon d’un autre pour voir s’il cache une bombe, une femme qui crache dans la soupe de sa voisine, un monsieur qui regarde, la tête entière, dans le décolleté d’une femme. Des gestes qu’on ne fait pas !

Notre cher Erwin veut en quelque sorte se moquer de nous et notamment des critiques d’art et des artistes qui croient que l’art est quelque chose de sérieux. Il veut montrer qu’on peut et qu’on doit s’amuser, rire, sourire, en visitant une exposition d’art, parce que l’art reflète notre monde et heureusement dans le monde il n’y a pas que des choses chiantes à faire (les devoirs, le travail, ranger sa chambre, bien se conduire, être obéissant…), mais aussi les autres choses qui sont un peu plus « incorrectes » (se salir le pantalon, sauter sur le lit, dire toujours ce qu’on pense, rentrer tard le soir…). A condition que les deux soient bien équilibrées !

L'art expliqué aux enfants: Piet Mondrian, l'artiste qui aimait peindre des arbres (by Stefania)

Les sujets préferés des artistes, depuis toujours, ont été les portraits, les paysages et les évènements historiques.
Les premiers tableaux de Piet Mondrian, peintre né il y a très longtemps (140 ans) aux Pays-Bas, représentaient surtout des arbres. Et si vous observez cette série de tableaux ci-dessous, que remarquez-vous? Quelle différence y a-t-il entre le premier et le dernier?

L'arbre rouge, huile sur toile, 1909, Gemeentenmuseum, Den Haag

  L'arbre argenté, huile sur toile, 1911, Gemeentenmuseum, Den Haag

Pommier en fleur, huile sur toile, 1912, Gemeentenmuseum, Den Haag

 D’abord les couleurs: regardez le premier tableau, on reconnaît très bien la forme d’un arbre, et les couleurs utilisées sont seulement au nombre de deux: rouge et bleu.
 
Dans le deuxième tableau, il n’y a plus de couleurs: il ne reste que le noir, le blanc et le gris. Reconnaissez-vous encore la forme d’un arbre? Mondrian adorait peindre des éléments de la nature et notamment des arbres, parce qu’à travers ce sujet il pouvait vraiment simplifier les formes et proposer différents tableaux sans jamais se répéter. Avez-vous déjà vu un arbre pareil à un autre? Même dans une forêt de sapins, ils sont tous différents les uns des autres.
 
Dans le troisième tableau, on a du mal à reconnaître l’arbre, mais il s’agit d’un pommier. Le peintre a eliminé la plupart des lignes verticales (en gardant seulement celles du tronc) et rajouté des lignes horizontales et courbes sur toute la surface de la toile. Il a aussi changé les couleurs: pour la première fois on voit du vert.
Composition en rouge, jaune, bleu et noir, huile sur toile, 1926, Gemeentenmuseum, Den Haag

Regardez maintenant le tableau ci-dessus, il est très célèbre. Ici Mondrian a arrêté de peindre des arbres. Une dizaine d’années s’est ecoulée depuis les tableaux précedents.
Reconnaissez-vous une forme ici? Est-ce que le titre peut nous aider? «Composition», non, ce mot n’indique rien d’autre que ce qu’on voit: un ensemble de formes, lignes et couleurs qui n’a rien à voir avec des objets réels.
L’artiste a cessé de s’intéresser à la nature et il a commencé à peindre des tableaux qu’on appelle dans les livres d’histoire de l’art «abstraits», c’est-à-dire qui n’ont aucune référence à des objets réels.
 
Si vous regardez maintenant le dernier arbre, vous comprendrez que l’idée du peintre était de montrer une évolution à partir d’une forme existente naturelle (l’arbre) jusqu’à un objet méconnaissable, qui pourrait être un bois, une maison, des livres… Il a enlevé plein de lignes horizontales et rajouté une ou deux lignes verticales. Il a abandonné le vert et adopté des couleurs «primaires» (c’est-à-dire les couleurs qui nous permettent de former les autres): rouge, bleu, jaune.
 
Mondrian n’a pas peint ce tableau en cinq minutes. C’est une œuvre très difficile à concevoir: il faut étudier la composition (c’est-à-dire décider où faire passer la grille de lignes noires), choisir où peindre en bleu, rouge ou jaune, puis exécuter le projet très précisement. Essayez de changer la composition, de mettre le rouge au lieu du bleu ou du jaune, le tableau est moins beau et intéressant. Mondrian était un artiste très réfléchi, il pensait beaucoup avant de produire un tableau.
 
Ses œuvres sont, à partir de ce moment, des compositions qui se rassemblent un peu toutes, mais très différentes les unes des autres, comme les arbres dans une forêt. Les lignes sont toujours verticales et horizontales. Savez-vous que Mondrian a decidé de quitter le groupe d’artistes avec qui il travaillait parce que son ami Theo Van Doesburg avait proposé d’introduire une ligne oblique dans l’un de ses tableaux?
Parfois les artistes sont des personnages très bizarres…

L'art expliqué aux enfants: qu'est-ce qu'une nature morte? (2) (by Stefania)

Vous vous souvenez de ce qu’on a dit sur les natures mortes ?
On poursuit donc notre voyage à travers ce genre en admirant ce tableau du peintre italien Giorgio Morandi.

Giorgio Morandi, Natura Morta, huile sur toile (1956), Mart Rovereto (Italie)

Regardez bien : cette peinture a un style (c'est-à-dire une façon de représenter les objets à travers le choix de la technique, des couleurs et de la composition) qu’on qualifie habituellement de « classique ». Les objets choisis pour la nature morte sont très « réguliers » dans les formes (des bouteilles, une carafe), la palette des couleurs est très reduite: gris, blanc, beige, vert pâle. Il devait utiliser plein de peinture blanche notre ami Morandi pour obtenir des nuances si tamisées !

Fernand Léger, Nature Morte avec bocal de bière, huile et pastels sur bois, 1920, Philadelphia Museum Of Modern Art

Et maintenant regardez ce tableau, il a été peint par un autre artiste, cette fois un français, qui s’appelle Fernand Léger. Cette fois, comment est le style? Oui, c’est sûr, il a changé, il est plus « bizarre », « original ». D’abord les couleurs : ici pas de beige ou de gris, la couleur ocre/orange et le bleu sont prédominants. Les aplats de couleur sont très nets, les nuances très fortes. Léger est tout le contraire de Morandi : son style est dit « style d’avant-garde ». Et pourtant, il s’agit toujours d’une nature morte: une peinture qui représente une petite table, avec une carafe, des assiettes avec des fruits, d’autres objets et derrière, au fond de la pièce, une tapisserie noire et blanche.
Savez-vous que le tableau de Morandi a été peint 30 ans après celui de Léger ?
Ce n’est pas parce qu’un artiste ou un tableau est plus récent qu’il aura un style plus « bizarre » ou plus « original ». Quand les gens disent « c’est un style très contemporain » ça ne veut strictement rien dire et souvent cette phrase signifie « ce tableau est mal fait, moi aussi j’aurai pu le peindre ». Le style de Léger serait très contemporain pour ce gens-là, mais notre ami Fernand est mort il y a 55 ans, vous voyez bien qu’il peut être tout sauf « contemporain » (qui signifie seulement actuel, pas plus).
Revenons à nos natures mortes.

Roy Lichtenstein, Nature Morte avec coupe de crystal, 1973, impression sur toile, Whitney Museum of American Art, New York


Ici vous pouvez voir un autre tableau très original. On voit très bien qu’il s’agit d’un pot avec des fruits dedans, comme j’en voyais souvent chez mes grands-parents. Qu’est ce qui a changé ici ? D’abord regardez les couleurs, il s’agit de couleurs primaires, c’est-à-dire des teintes qu’on ne peut pas obtenir en mélangeant d’autres teintes, comme ici le jaune, le rouge ou le bleu. Et comment sont représentés les fruits ? Sans ombre, la lumière est très nette, c’est comme s’il s’agissait d’une publicité ou d’une bande dessinée pourtant tout cela n’est pas imprimé mais simplement peint. Lichtenstein, l’artiste américain qui a realisé ce tableau, aimait imiter dans ses peintures, la texture des bandes dessinées : ces œuvres ressemblent vraiment à des dessins agrandis dix fois. Sa nature morte, malgré tout, est très originale, quoique, en la voyant pour la première fois, on l’aurait cru très classique. Lichtenstein était très moderne car dans les années 1950 les bandes dessinées étaient bien sûr très repandues, mais elles n’étaient pas prises pour modèle par les peintres. Elles faisaient partie de cette culture qu’on appelle « basse ». Aujourd’hui, il y a plusieurs artistes qui s’inspirent des bandes dessinées, de la publicité et de plein d’autres produits de la culture « basse ». C’est devenu un « classique ».

Craigie Horsfield, Peony, dry print 2003 courtesy Galleria Monica De Cardeanas, Milan

Et nous voilà enfin à notre époque, avec des œuvres qu’on peut qualifier de « contemporaines » (l’une, ci-dessus, à été réalisé en 2003 et l’autre, ci-dessous, en 2006).

Jeroen De Rijke, Willem De Rooij, Bouquet II, vue d'exposition à La Station (NIce), courtesy Galerie Daniel Buchholz, Koeln

Ici tout change, on n’a plus de tableau, mais une photo (dans le premier cas) ou tout simplement des objets. La photo représente une fleur sur fond blanc, sans pot, sans table, sans livre ni fruit. Mais moi, je pense que cette œuvre est vraiment une nature morte. Pourquoi ? D’abord il s’agit d’un objet inanimé et l’homme n’est pas présent dans la scène et si vous vous souvenez bien, toutes les natures mortes classiques et anciennes représentent des objets sans vie. En plus, l’objet en question est une fleur, qui est un des objets préferés des peintres de natures mortes.

 
Et dans cette deuxième image ?
Ici on n’a plus de tableau, on a directement composé une nature morte en vrai ! On a pris un gros pot de fleurs, on a confectionné un joli bouquet et voilà ! C’est terminé ! Au lieu de représenter des objets différents sur une toile ou une photo, les artistes (qui sont des hollandais, comme notre cher Brueguel) montrent dans leurs expositions l’objet réel. Avec cette idée, ils nous font réfléchir sur ce qui est réel dans l’art et ce qui n’est qu’une imitation du réel. Brueguel fait une imitation du réel, tout comme Giorgio Morandi et Craigie Horsfield. Eux, ils proposent directement le réel dans une salle d’exposition. C’est une réflexion qui ne naît pas avec Jeroen De Rijke et Willem De Rooij, mais bien avant, mais elle est encore très « contemporaine ».

Imaginez si Brueghel ou Matisse voyaient cette sculpture, qu’est-ce qu’ils pourraient penser ?

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L'art expliqué aux enfants! c'est une nouvelle rubrique sur Lifeproof. A travers des articles brefs et ludiques, nous essayons de sensibiliser les enfants aux oeuvres d'art modernes et contemporaines. Parce qu'on apprivoise le language et les techniques artistiques et l'on sait apprécier et aimer les oeuvres d'artistes contemporains à toute âge!

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