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Le Land Art: feuilles, bois, pierres... faire de l'art avec la nature (l'Art expliqué aux enfants)

Robert Smithson, Spiral Jetty, jetée de pierres et gravier dans la Grand Lac Salé du Utah, aux Etats-Unis

Nous le savons bien, les artistes aiment bien expérimenter avec les matériaux et, depuis le début du XXème siècle, élargissent de plus en plus la palette de leurs moyens d'expression, avec le but de surprendre, provoquer et de bouleverser la tradition de l'art.

Les années 1960 et 1970 furent une période de renouveau et subversion de l'art (et en général de la culture): c'est à ce moment que plusieurs “courants” de l'art d'aujourd'hui ou certaines tendances toujours actuelles remontent.

Le Land Art en fait justement partie, cet art qui montre une nouvelle façon de se relationner à la nature. Vous devez savoir que jusque dans les années 1960 la nature était bien sûr une source d'inspiration pour les artistes, qu'ils se limitaient toutefois à représenter dans des tableaux selon des critères bien précis établis par la tradition académique.

Walter De Maria, Lightning field, installation dans le désert du Nevada

Les artistes américains furent les premiers à concevoir des œuvres qui avaient leur place dans la nature et qui étaient réalisées (la plupart des fois) avec des matériaux naturels: ils partirent au milieux des déserts américains ou dans les étendues de leur pays et créerent des installations (non plus des sculptures, mais des “objets” qui trouvaient leur sens dans le contexte dans lequel ils se trouvaient). Robert Smithson créa l'énorme spirale de pierres et gravier au milieu du Grand Lac Salé dans le Utah que vous pouvez voir dans la première photo, Walter de Maria planta 400 poteaux sur une surface de 1 mile x 1 kilomètre au milieu du désert du Nouveau Mexique (les poteaux attirent les éclairs en période d'orages et le spectacle est vraiment impressionant), Michael Heizer déplaça 240.000 tonnes de roches dans le désert du Nevada en créant une sculpture “negative” (c'est-à-dire une double entaille dans la roche).

Vous n'avez pas un peu l'impression que ces artistes se moquent de nous, les visiteurs? Pourquoi? D'abord ces installations ne sont pas très facilement visibles. Pour se rendre au milieu du désert, ou pour les voir en entier, on a souvent besoin de se déplacer, de monter sur un avion, bref, ce n'est pas à la portée de tous. Et puis, si on pense que la spirale de Robert Smithson a été engloutie dans les eaux du lac et qu'aujourd'hui elle est que partiellement visible, on se pose la question de leur durée de vie. Ces sculptures ne sont pas faites pour durer longtemps, et ça, c'est exactement ce que ces artistes voulaient: s'opposer à l'art que l'on voit dans les galeries, qu'on peut tranquillement acheter, installer dans notre salle à manger, montrer à nos amis ou conserver dans un musée avec un cartel et parfois une vitrine... Les œuvres du Land Art ne peuvent pas se vendre! À la limite, on peut penser d'exposer et vendre des maquettes faits par les artistes ou encore des photos ou des vidéos de documentation (et d'ailleurs c'est ce que les galeristes font).

Richard Long, A line made by walking, 1968

En Europe aussi, dans les années 1970, il y a des artistes qui travaillent avec et dans la nature. Mais vous pouvez imaginer que, compte tenu de l'énorme différence entre les paysages en Europe et ceux des Etats-Unis, leurs œuvres diffèrent considérablement de celles de leurs collègues américains.

Un des plus célèbres “land-artistes” européens s'appelle Richard Long et est né en Angleterre. A line made by walking est son œuvre la plus connue et il s'agit exactement de ce qu'elle dit dans le titre: une ligne laissée dans l'herbe par les allées-retours repétées de l'artiste. Un peu comme quand on fait un pique-nique et, quand on part, on s'aperçoit d'avoir écrasé l'herbe en laissant notre trace. Richard Long est connu aussi pour ses installations dans des musées ou galeries, souvent dans des formes simples comme des spirales ou des cercles en pierres ou tracées avec la boue sur les murs ou les sols des lieux d'exposition.

Richard Long, Wood circle, installation en bois au Van Abbemuseum de Eindhoven (2004)

La différence fondamentale réside dans le fait que cet artiste, comme d'autres collègues européens, fait son “retour” dans les musées et les galeries. Ses pièces peuvent etre exposées, vendues, achetées... Et puis, ses interventions dans la nature restent toujours très délicates, discrètes, encore plus éphémères que celles des américains. L'herbe, une fois pietinée, se relève. Par contre, pour faire disparaître une jetée de 460 mètres de long au milieu d'un lac il faut une grande crue.

Souvent, Richard Long lie son activité de marche dans la nature à la refléxion et à la méditation et cela n'est pas que sa spécificité, car on retrouve cette attitude dans d'autres artistes, par exemple dans Nils Udo (qui crée des sculptures dans la nature avec des matériaux comme des feuilles, du bois et les photographie) ou Andy Goldsworthy (dont les sculptures éphémères sont composées d'éléments cueillis au hasard dans la nature) ou encore Giuseppe Penone (artiste italien faisant partie d'un courant qu'on nomme “Arte Povera” et qui travaille souvent avec et sur les arbres).

Andy Goldsworthy, Wood line, installation de branches d'eucalyptus dans la foret de Presidio, San Francisco

De plus, les contextes dans lesquels ces artistes travaillent sont très différents: pas de paysages spectaculaires, surdimensionnés, où les forces de la nature peuvent être très violentes ou les conditions très dures, souvent c'est des espaces ruraux, où la nature se fait beaucoup plus timide et où, pour les découvrir, il faut s'approcher en douce.

Aujourd'hui encore des artistes travaillent dans la nature et avec la nature, le Land Art n'est pas mort. Et comme les grandes problèmes de l'écologie et du développement durable sont très présents, souvent ces artistes s'en servent pour attirer l'attention du public sur ces thématiques. Parfois cette attitude est devenue un peu trop courante, malgré le travail de certains artistes très intéressants, très souvent on a l'impression que le Land Art actuel est plutôt un effet de mode.

 (Stefania)

L’art expliqué aux enfants: sans force de gravité, la bulle de Tomas Saraceno (by Stefania)

Tomas Saraceno, On space time foam, installation à l'Hangar Bicocca, Milan

Je parie que vous avez toujours rêvé de pouvoir voler, n’est-ce pas? Moi, j’y pense à chaque fois que je fais de la randonnée à la montagne!

La semaine passée j’ai visité une exposition où, pour la première fois, j’ai eu l’impression de m’être approchée de l’idée de vol, au même sentiment de fluctuer dans un espace vide. C’était grâce à l’artiste Tomas Saraceno, qui a conçu et réalisé une installation pour un espace d’art à Milan, le Hangar Bicocca (qui est un véritable hangar, un bâtiment de l’usine Breda, où autrefois on faisait des essais sur des énormes machines électriques).

Tomas Saraceno, On space time foam, installation à l'Hangar Bicocca, Milan

Il s’agit d’une bulle transparente, en plastique, sur trois niveaux différents, sur laquelle et dans laquelle les visiteurs peuvent bouger, marcher (s’ils y arrivent), se coucher… comme s’ils étaient suspendus entre les nuages. Les mouvements des autres visiteurs ont une influence sur les nôtres, parce qu’il modifient la structure, qui n’est pas rigide. Si on se trouve au centre de la bulle, par exemple, ceux qui sont sur les cotés seront attirés par notre poids et auront donc plus de difficulté à bouger. Tomas Saraceno a voulu, avec cette œuvre d’art, créer une métaphore de la vie quotidienne, où les relations entre les individus façonnent l’espace qui les entoure.

Ce qui est encore plus intéressant, dans cette œuvre que l’artiste a réalisé pour le Cube, un espace monumental de 20 m de côté, est qu’elle n’a pas d’intérêt s’il n’y a aucun visiteur. En regardant en haut depuis la base de la pièce, on voit des couches transparentes de PVC, rien d’autre. Intéressante, mais pas particulièrement fascinante. Dès que les visiteurs commencent à affluer, on se rend compte des niveaux différents, des difficultés de déplacement, de leurs mouvements… et quand on y pénètre c’est encore plus prenant, on aurait presque envie de ne plus partir.

Tomas Saraceno, On space time foam, installation à l'Hangar Bicocca, Milan

Mais qui est Tomas Saraceno ? C’est un artiste est originaire d’Argentine qui travaille souvent avec des scientifiques (comme dans ce cas) à des œuvres qui questionnent l’art, mais aussi la science (la biologie, la physique…). Il est particulièrement intéressé par l’architecture et il est en train de concevoir des villes-nuage: villes volantes, habitables par l’homme, pourvues d’énergie (notamment d’énergie solaire), auto-suffisantes. La bulle du Hangar Bicocca est une étape du parcours artistique et utopique de Tomas Saraceno.

Et si on commençait  à penser aux scientifiques (physiciens, mathématiciens, informaticiens, ingénieurs…) comme à des artistes ?

L'art expliqué aux enfants: découverte dans le métro toulousain (by Stefania)

L'installation lumineuse de Roman Opalka à la station de métro Université Paul Sabatier, Toulouse

Avez vous déjà remarqué l’installation lumineuse dans le hall d’entrée du métro toulousain station Université Paul Sabatier?

Je parie que non, et moi non plus, cela ne fait que quelques semaines que je l’ai découverte. C’est bien dommage, parce que cette installation est l’œuvre de Roman Opalka, artiste polonais très connu, mort l’année passée, à la démarche très particulière.

Cette œuvre est l’occasion pour vous parler de l’art contemporain dans l’espace public et notamment dans celui très singulier du métro. Dans d’autres villes aussi les artistes ont été invités par les mairies à décorer les stations du métro, Toulouse n’est pas une exception!

Mais que veut dire concevoir et réaliser une œuvre d’art dans le métro?

D’abord, imaginez combien de personnes passent tous les jours par ces halls, quelles questions se posent-elles, quelles critiques peuvent être formulées par rapport à elles. Parfois les installations dans l’espace public sont des simples décorations, elles sont là “pour faire joli”: dans ces cas, elles ne sont pas vraiment des œuvres d’art (à mon avis), mais plutôt des embellissements, comme les jolis clichés de nos vacances sur les murs de nos appartements.

Mais si elles posent des questions, voilà qu’elles deviennent plus riches et attendent une réponse de notre part. L’installation de Roman Opalka le fait d’une façon très délicate, sans aggresser le spectateur (voilà pourquoi elle n’accroche pas tout de suite l’œil).

Il s’agit donc d’une pyramide de chiffres dont le 1 se trouve au sommet et le 8 à la base. Au niveau du chiffre 7 un rayon de lumière dessine une ligne droite blanche.

Oui, je vous l’accorde, il ne s’agit pas d’une œuvre des plus faciles dont on n'a jamais parlé sur ces pages!

Mais vous pouvez sûrement répondre à cette question: pourquoi Opalka a utilisé ici des nombres? La réponse est en partie liée à la station de métro où nous nous trouvons. Si vous sortez d’ici, vous tombez nez-à-nez avec le (très moche) bâtiment de l’Université Paul Sabatier, fréquenté par les étudiants des matières scientifiques, notamment de mathématiques. Et quoi de mieux que des nombres pour nous faire penser aux maths?

Une des toiles de la série Opalka 1965/1-∞

Mais Roman Opalka a toujours travaillé avec les chiffres. Si vous observez les images ci-dessus et ci-dessous, vous pouvez voir son œuvre la plus connue, OPALKA 1965/1-∞, un ensemble de toiles noires où il écrit des nombres en noir qui se succèdent, depuis 1965. Arrivé à 1000000, à chaque nouvelle toile qu’il entame, il ajoute un peu de blanc dans la peinture noire servant au fond, et c’est ainsi que les fonds s’éclairicissent petit à petit, marquant eux aussi une évolution chronologique. Opalka a travaillé à cette seule œuvre, pendant 45 ans, jusqu’à sa mort.

Les nombres qui ne cessent pas de progresser, la peinture qui devient peu à peu plus grise, puis blanche, et finalement les photos de soi qu’il prend dès qu’il termine une toile…. Tout cela marque le temps qui passe, sans qu’on puisse l’arrêter. Le travail de Roman Opalka nous fait donc penser à la fuite du temps. Les chiffres ne sont rien d’autre que la mesure “scientifique” (mais symbolique) du temps qui s’écoule, ainsi que la matérialisation du temps qui, par sa propre nature, est invisible.

Voilà une série d'autoportraits photographiques qui marquent la fin de chaque toile, où on peut remarquer le temps qui passe

Si vous passez devant cette installation tous les jours, ce sera comme croiser un horloge qui montre les minutes, les jours, les ans qui passent. Pour vous, les jeunes, ce n’est pas trop dur de le voir, mais pour nous, les moins jeunes, c’est absolument effrayant!

Pour une fois, on ira lire les cartels (L’art expliqué aux enfants, by Stefania)

Michel Blazy, Fontaine de mousse, 2007, Poubelles, bain moussant, compresseur, tuyaux

Normalement, pendant qu’on visite une exposition, nous négligeons les cartels, ces petits bouts de papier qui accompagnent les oeuvres d’art d’où on tire tout un tas d’informations, n’est-ce pas?

On se concentre sur ce qu’on voit, on n’a pas trop envie de se pencher sur les dates ou les matériaux, au maximum on lit le titres, en espérant qu’ils puissent nous aider à comprendre un peu plus.

Mais les oeuvres de Michel Blazy, pour qu’elles suscitent l’émerveillement et la curiosité, demandent une petite pause devant les cartels et notamment devant la liste des matériaux.

  Michel Blazy, Paysage avec oiseaux, 2009, détail, crème dessert au chocolat et à la vanille, oeufs, lait concentré sucré, chapelure sur bois grignoté par des souris

Prenez cette image, qui représente le détail d’un mur. Le titre, Paysage avec oiseaux, est très clair. Mais si on poursuit la lecture, on tombe sur une liste bien intéressante: crème dessert au chocolat et à la vanille, oeufs, lait concentré sucré, chapelure sur bois grignoté par des souris. Bref, ce n’est pas du tout de la peinture.

Michel Blazy ne fréquente pas ces merveilleux magasins de Beaux Arts, pleins de tubes de couleurs et d’autres matériaux “pour artistes”. Il fait plutôt ses courses au supermarché. Il crée avec des matériaux vivants, qui continuent à évoluer pendant la période de l’exposition, voir plus.

Ses oeuvres, on peut les admirer, mais surtout les sentir, ce qui malheureusement n’est pas possible à travers l’écran de l’ordinateur. C’est pourquoi je vous conseille très vivement de visiter ses expositions, c’est une véritable expérience plurisensorielle.

  Michel Blazy, Patman II, 2006, Vermicelles de soja, colorant alimentaire, Collection Guillaume Houzé, Paris, vue de l'exposition au Palais de Tokyo en 2007

Regardez ce visuel, qui montre un détail de son exposition récente au Palais de Tokyo en 2007: au milieu de la salle se dresse un curieux personnage: regardez de plus près et puis essayez de comprendre de quel matériaux il est composé. Il s’agit de nouilles de soja, vous l’avez bien compris, et le personnage s’appelle Patman.

  Michel Blazy, Sans titre (au choix du propriétaire), 2005, mousse à raser et mousse polyuréthane, dimensions variables

Michel Blazy aime bien se marrer en faisant de l’art, pour lui l’art n’est pas sérieux comme on pourrait le croire en lisant les critiques et parfois en visitant certains musées. Il aime créer des oeuvres qui n’ont aucune possibilité d’être conservées dans des musées dans des vitrines à l’abri de toute transformation : des énormes caniches presque monstrueux en mousse, des fontaines de mousse dans des bacs à poubelle, des sculptures faites avec des écorces d’orange… Quelques unes ont même disparu (les chiens en mousse par exemple), d’autres continuent à exister mais elles ont changé de couleur, d’odeur et de forme (la sculpture d’oranges par exemple ou les murs).

Michel Blazy, Sculptcure, 2003-2007, écorces d’oranges

C’est une attitude très ironique, vous ne trouvez pas? La plupart des artistes est très soucieux de conserver ses oeuvres, pour les vendre, les admirer de temps à autre, ou tout simplement parce qu’il les considère comme très précieuses.

Dans le cas de Michel Blazy, c’est le geste de l’artiste, accompagné par celui du temps et celui de la nature des matériaux spéciaux qu’il emploie, qui font une oeuvre. L’artiste n’y participe qu’en partie, en choisissant la forme initiale d’une installation, ou les matériaux qu’il veut utiliser. Ensuite, ce sera l’imprévu qui travaillera à sa place.

Petit conseil pour les prochaines expositions: consacrez une petite minute pour lire les légendes!

L’art expliqué aux enfants: Pistoletto nous fait voyager dans le temps (by Stefania)!

Un portrait récent de Michelangelo Pistoletto

 

Nous aurons vus tous les médiums de l’art contemporain! Des artistes qui travaillent avec des voitures, des animaux vivants, des BDs, des machines ou des peluches…
Les œuvres dont nous parlons aujourd’hui n’échappent pas à la règle et nous montrent, encore plus, qu’on peut créer de l’art avec n’importe quel matériau, pourvu qu’il y ait derrière l’objet une pensée et un processus.
Quelle était au fait l’idée de Michelangelo Pistoletto, artiste italien des plus célèbres et connu même en dehors de l’Italie?
Observez les tableaux ci-dessous : il s’agit de miroirs sur lesquels l’artiste a collé des éléments fabriqués avec une technique appelée “sérigraphie” qui consiste en une impression sur tissu. Elle permet, comme une véritable photocopie, d’obtenir plusieurs copies d’une même image. Ici, Pistoletto a choisi de représenter surtout des figures humaines, mais on peut trouver toute sorte de représentation dans ses tableaux, des animaux jusqu’aux objets quotidiens.
Même sans lire la date à côté du titre, nous sommes capables de comprendre tout de suite dans quelle époque certains de ces tableaux ont été créés. Faisons un essai: regardez cette fille, assise au sol.

Michelangelo Pistoletto, Ragazza seduta per terra (Fille assise au sol), 1962-1967

Comment est-elle habillée? C’est surtout la jupe qui peut vous renseigner: une jupe très courte (mini-jupe) un peu translucide, d’une couleur  très vive. Ce type de pièce était très à la mode dans les années 1960 et 1970, ma mère en avait une qu’elle a malheureusement jetée (sinon je l’aurai portée sans doute!). Et si vous observez ce tableau, vous verrez, même si ce n’est pas très évident, que les vestes des hommes sont un peu étriquées, comme on les portait dans les années 1970. Seulement on ne peut pas voir les pieds des personnages sinon on aurait bien sûr vu des jeans patte d’éléphant, très en vogue dans ces années-là.

Michelangelo Pistoletto, Sacra conversazione (conversation sacrée), 1974

Les premiers “tableaux-miroirs” datent, en fait, du début des années 1960 et les derniers sont très récents.
Quelle est donc l’idée qui se cache derrière ces oeuvres?
La première est très évidente, si vous essayez, dans une exposition, d’en prendre une en photo. A moins de choisir un cadrage très en biais, vous resortirez toujours, avec votre appareil photo et votre grimace, sur la photo au beau milieu du tableau. Impossible de prendre une belle photo, je vous l’assure, j’ai essayé plusieurs fois! Les visuels que vous voyez dans cet article ont été pris par des photographes professionnels.

Michelangelo Pistoletto, Deposizione (deposition), 1962-1973

Pistoletto se moque, en quelque sorte, de nous. Il veut que le spectateur qui admire le tableau soit inclu dans l’oeuvre, en fasse partie sans même le vouloir, par le seul fait qu’il passe devant. Il appelle ce processus d’”inclusion” l’”autoportrait du monde”, parce que nous tous, nous y sommes représentés comme si un peintre ancien faisait notre portrait.
A nos côtés, en plus des autres spectateurs présents dans la salle d’exposition au même moment, il y a les personnages que Pistoletto a choisi de représenter: la plupart des fois des inconnus, choisis au hasard, mais parfois quelqu’un de bien connu. Lui-même, par exemple, comme ici:

Michelangelo Pistoletto, Autoritratto (autoportrait), 1970

ou parfois ses amis artistes, comme dans le tableau que nous venons de voir avec les trois hommes. Il s’agit des artistes Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio et Giuseppe Penone qui se trouvaient à ce moment-là chez Pistoletto et étaient en train de discuter de quelque chose de très important (ils sont très concentrés), je suppose d’art.
Nous nous trouvons donc, avec nos vêtements modernes, à côté de personnages immobiles dont l’artiste a fait le portrait. C’est comme si le temps entre nous, donc le présent, et celui des figures portraiturées, le passé, était supprimé. Imaginez si Giuseppe Penone pouvait se refléter dans le tableau où Pistoletto l’a représenté avec ses amis: il pourrait voir son portrait en plus jeune (à cette époque il avait 27 ans) et, à côté, se voir lui-même aujourd’hui, à 65 ans. Le but que l’artiste voulait obtenir était d’effacer le temps et de faire cohabiter sur le même support (la surface du tableau) deux époques différentes, sans avoir une machine à remonter dans le temps!
Pour y parvenir, il a utilisé un stratagème génial parce que très simple, presque élémentaire, un petit truc qui pourrait presque nous faire dire “J’aurais pu y penser moi aussi!”. C’est ça, être un artiste: créer avec des moyens plus ou moins raffinés des oeuvres qui nous fassent penser, refléchir, rêver, réagir.

L'art expliqué aux enfants: l'artiste et le coyote (by Stefania)

Joseph Beuys, I like America and America likes me, performance, 1974

Chers lecteurs, cette fois je vais vous parler d’une oeuvre que j’adore et que je considère comme l’une des pièces les plus importantes dans l’histoire de l’art des cinquante dernières années!
Mais ce ne sera pas facile: il ne s’agit pas vraiment d’un objet (statue, tableau…), mais d’une performance. Pour vos parents, je vous renvoie à un ancien post de Christelle qui raconte l’histoire de ce médium, pour vous, mes chers petits lecteurs, j’essaierai de vous donner une explication pendant notre lecture.

Les images que vous voyez ci-dessus ont été prises en 1974 (voilà pourquoi elles sont en noir et blanc) dans une galerie de New York, pendant une action qui avait mis en scène l’artiste allemand Joseph Beuys. L’artiste était arrivé aux Etats-Unis par avion, enroulé dans une couche épaisse de feutre (le même tissu chaud avec lequel on fabrique les chapeaux des papis…) et avait été transporté directement à la galerie, où l’attendait un coyote (une espèce de loup sauvage originaire des Amériques).
Puis, il avait passé trois jours enfermé dans cette galerie en compagnie du coyote, la plupart du temps enroulé dans le feutre, mais parfois sans, comme vous pouvez le voir dans les photos.

Est-ce cette “action” une œuvre d’art? Peut-on la revoir aujourd’hui dans un musée?
Cette action, et toutes les actions que les artistes mettent en scène comme une pièce de théâtre, auxquelles est parfois convié le public (le public de cette œuvre restait en dehors de la galerie et pouvait voir l’intérieur à travers des vitres) s’appellent “performances”.
La plupart des fois, pendant une performance, on prend des photos de l’événement ou on tourne un film qui sert à documenter ce qui s’est passé, pour tous ceux qui ne peuvent pas être présents et qui pourront revoir l’œuvre même des années plus tard. Joseph Beuys n’a pas souhaité tourner un film “officiel” de sa performance, mais les photos de l’événement ne manquent pas.

Pourquoi Joseph Beuys a produit cette performance? Que voulait-il nous communiquer?
D’abord qu’une œuvre d’art n’est pas un objet à fixer à un mur ou à admirer pendant des siècles dans des églises ou des palais. Elle peut être aussi un geste fait par quelqu’un, une action qui ne survit pas à l’histoire autrement qu’à travers des clichés.
Heureusement pour les directeurs de musées ou les galeristes, l’avis de Joseph Beuys n’est pas celui de la plupart des artistes! Sa position était très radicale, c’était une vraie critique du marché de l’art, des galeristes et des collectionneurs qui voulaient posséder un objet d’art.

Venons maintenant à notre oeuvre. Pourquoi un coyote? Cet animal est le véritable symbole de l’Amérique  et nous fait penser aux immenses étendues désertiques du centre des Etats-Unis (vous vous souvenez des paysages des dessins animés de Bip bip le Coyote?). Il ne peut pas être apprivoisé, comme le loup. L’enfermer dans une galerie à Manhattan au beau milieu des grands bâtiments et du béton peut être aperçu comme un geste cruel, vous ne trouvez pas?

Mais l’artiste s’enferme lui aussi dans la même galerie, en partageant le même sort du coyote. Au début, l’animal ne l’aime pas, lui déchire le feutre, il gronde et ne l’approche pas. A la fin, après s’être reciproquement habitués, les deux s’approchent de la vitre et commencent à regarder ensemble le monde à l’extérieur. 
L’artiste (un européen) a réussi à apprivoiser le coté le plus sauvage de l’Amérique (le coyote), en ne le domptant pas avec cruauté ou superiorité, mais en partageant le même espace et le même air.
Joseph Beuys aimait la nature et pour lui les Etats-Unis étaient le symbole de l’opposition entre homme et nature et de la supériorité présumée de l’homme sur cette dernière. La cohabitation avec la nature dans une forme dangereuse (le coyote n’est pas forcement le plus gentil des animaux!) démontre qu’un rapport basé sur le respect et sur la communication est celui qui ouvre la voie à une nouvelle façon de voir la place de l’homme dans le monde. Et cette façon est résolument moderne, bien que Beuys nous la proposât il y a 40 ans!

Le titre de cette performance, “J’aime l’Amerique et l’Amerique m’aime” condense cette dernière signification en éclairant un petit peu cette oeuvre dense de contenus pas toujours faciles à approcher.

Et pour l’explication sur l’emploi du feutre et sur l’amour de Beuys pour les animaux rendez-vous au prochain post!