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Guggenheim: l’art en franchise

Vue extérieure du Guggenheim de Bilbao

Guggenheim : il suffit de prononcer le fatidique nom et dans la tête de chacun, amateur éclairé, touriste de masse, intellectuel chevronné, passionné d’art, une seule image surgit : le musée qu’il faut absolument visiter !

Tous les jours, des foules de visiteurs se pressent dans les salles des 5 musées Guggenheim parsemés dans le monde, sachant qu’ils y trouveront des chefs d’œuvres, principalement des artistes d’avant-garde, aujourd’hui devenus des classiques, au même titre que Léonard de Vinci ou Théodore Géricault : Picasso, Braque, Chagall, Kandinsky, Duchamp, Dalì…

Le premier musée Guggenheim fut ouvert en 1937 à New York, afin d’exposer les artistes d’avant-garde de ces années-là, principalement l’art « non-objectif » (c'est-à-dire abstrait). À l’origine de cette entreprise, il y a Solomon Guggenheim, riche industriel américain, enrichi grâce à l’extraction de l’or en Alaska, qui commença à collectionner des œuvres à la fin des années 1920.

Le deuxième musée, la Peggy Guggenheim Collection, se trouve à Venise, dans un bâtiment historique qui fut aussi la résidence de la collectionneuse, petite-fille de Solomon et – entre autres – femme de l’artiste Max Ernst.

Richard Serra, The matter of time, installation au Guggenheim de Bilbao

Nous voilà donc au Guggenheim de Bilbao, qui, comme son grand-père new-yorkais, peut se vanter d’un bâtiment signé par un grand nom de l’architecture contemporaine, Frank Gehry (le Guggenheim de New York est de l’architecte Frank Lloyd Wright). Son ouverture remonte à 1997 et s’inscrit dans la période de reconversion de Bilbao, de ville industrielle à centre culturel et artistique du Pays Basque. Le musée attire encore aujourd’hui, après presque 20 ans d'existence, une foule incroyable de visiteurs, dans une ville qui, autrement, demeure presque inconnue et en dehors des flux touristiques (et qui pourtant mérite d'être visitée !).

Les expositions que l’on peut visiter sont toujours d’envergure, comme il se doit dans des musées de carrure internationale, composées d’œuvres principalement provenant des collections Guggenheim et d’autres issues de musées célèbres. La plupart des expositions sont historiques, mais parfois on peut voir des œuvres d’artistes contemporains (en ce moment à Bilbao, L’architecture habitée, avec des pièces de Liam Gillick, Mona Hatoum, Cristina Iglesias, Doris Salcedo, Pello Iratzu).

Jeff Koons, Puppy, installation sur le parvis du Guggenheim de Bilbao

Tous les musées Guggenheim (il en existe aussi au Mexique, en Allemagne, à Las Vegas et deux nouveaux sont prévus à Vilnius, Lituanie et à Abu Dhabi) sont gérés par la Solomon Guggenheim Foundation, fondée en 1937 au moment de la création du premier musée, ayant comme mission la promotion de l’art et son lien avec l‘architecture.

Cette petite explication se veut toutefois un peu polémique (je suis en train de lire un petit livre très intéressant et éclairant écrit par Paul Werner, qui a travaillé pendant neuf ans au Guggenheim de New York). Cette course endiablée des plus importants musées occidentaux (n’oublions pas le projet du Louvre à Abu Dhabi) à s’assurer une place dans de riches contrées lointaines, sous un air de promotion désintéressé et philanthropique, ne serait-ce pas plutôt une opération de globalisation de l’art, avec les mêmes modalités qu’on adopte pour exporter n’importe quel autre produit (surtout s’il s’agit de luxe) ?

Que l’art soit devenu une marchandise n’est pas une nouveauté et je laisse aux naïfs la surprise de le découvrir en visitant n’importe quelle foire d’art contemporain. Mais quel est vraiment le rôle du musée dans tout ça ? Gardien de l’art « officiel » ? Organe de diffusion de cet art ? Lieu de recherche et/ou d’étude pour les jeunes et les moins jeunes ? Ou lieu par lequel on impose une histoire, un goût, une vision du monde qui ne laisse pas de place à d’autres ?

 

Stefania

Avant-première : FRAC en fête !

Thibaut Chapotot / MCC Le 1er février, Aurélie Filippetti a présenté Les Pléiades

On se croirait en vacances, tout cela sent l’été à plein nez. Imaginez-vous, au mois d’août sur les routes de France, le curieux que vous êtes laisse la chaleur le guider vers des expositions à découvrir.

Vous savez celles qu’on ne prend le temps d’aller voir que pendant la période estivale. Hé bien l’été de l’année 2013 regorgera d’expositions d’art contemporain par le biais des FRAC qui célèbrent cette année leurs 30 ans ! L’annonce de cet événement a été faite en grandes pompes dans les salons du ministère de la culture et de la communication par la ministre en personne. Entre les rideaux type château de Versailles et les dorures on en oublierait presque la République qui vacille sous les coupes budgétaires. Mais festoyons donc sur les vestiges de la seule politique vraiment culturelle menée en France, celles des années 1980. D’ailleurs Jacques Lang était présent et personne ne manqua de le remercier. Ne boudons pas pour autant notre plaisir pour autant car ces lieux sont bel et bien vivants et constituent notre patrimoine contemporain. Grâce aux FRAC, le drame du legs Caillebotte n’aura cette fois pas lieu, les chefs d’œuvres du présent ne devraient pas nous passer sous le nez.

À partir du mois d’avril, les FRAC nous proposent tout un panel d’expositions et d’initiatives nommées Les pléiades. L’idée de départ est très bonne, inviter des artistes à fouiller dans les réserves de chaque FRAC pour en tirer la quintessence de l’art contemporain des trente dernières années. Pour avoir visitée quelques réserves de FRAC, je pense que cela n’a pas toujours dû être une partie de plaisir et dans le même temps je crois que l’on doit aussi se sentir tel un enfant ayant trouvé une malle de costumes anciens dans un grenier. Un trésor, voilà ce qui a été mis entre les mains de cette vingtaine d’artistes.

L’ouverture de ces différentes expositions étant prévue pour avril, je ne peux donc pas vous en parler mais il me semblait nécessaire de vous informer de l’existence d’un tel anniversaire qui aura l’avantage de ne pas être cantonné à la capitale. J’espère avoir la chance, et le temps, de visiter certaines de ces expositions et de vous en faire mon petit commentaire ! Notez également qu’à partir de septembre aux Abattoirs de Toulouse, autre nom du FRAC Midi-Pyrénées, sera présentée une sorte de synthèse des expositions de tous les FRAC. Quel défi !

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23 Invitations à des créateurs en région

Avril-Décembre 2013 dans tous les FRAC

Expositions collective aux Abattoirs – FRAC Midi-Pyrénées

28 septembre- 5 janvier 2014

Christelle.

Thibaut Chapotot / MCC Le 1er février, Aurélie Filippetti a présenté Les Pléiades

Méditations contemporaines - partie II (by Cécile)

Et voici la suite de mon périple à Naoshima...

De Honmura, je suis ensuite partie en direction du sud de l'île sur un vélo trop petit pour moi, j'ai donc quelque peu souffert dans les côtes. J'ai emprunté la route qui longe la mer en me disant que ce serait sans doute plus simple (première erreur) et là je suis arrivée à la plage (seconde erreur) : je m'y suis donc arrêtée un petit peu pour profiter du paysage, mettre les pieds dans l'eau (température idéale) et ramasser des coquillages (quand je disais « erreur », ce n'était pas des blagues).

Yayoi Kusama, Yellow Pumpkin / Photo: CR

Et là, au bout de la jetée de la plage Benesse, se dresse, monumentale, une citrouille de Yayoi Kusama : LA citrouille que l'on voit sous toutes les coutures dès qu'on tape le nom de l'artiste dans google images, mythique donc ! Certains croisent Ryan Gosling et tombent d'inanition, moi, une citrouille me suffit... Et là, j'ai fait la queue parce que tous les japonais se photographiaient devant et que ce n'est pas évident de la voir sans personne d'autre autour. De loin, elle semble petite mais elle est plus grande que moi cette citrouille jaune, mais je vous avais déjà parlé là de cette artiste là. Donc passons.

 

Après cet arrêt, j'ai repris le vélo et je suis arrivée à un embranchement : la route (plate), qui longeait la mer, menait à la fondation Benesse, celle qui montait au Chichu Art Museum était plutôt escarpée à tel point que j'ai failli ne pas y aller (quand je disais première erreur) mais deux vieux japonais m'ont dit que c'était bon pour la santé et que la vue était superbe arrivé en haut, ce qui n'était pas faux...

Chichu Art Museum. Source: internet

Le Chichu Art Museum est une récompense à lui tout seul après cette montée : l'architecture de Tadao Ando est un bijoux d'inventivité, d'imagination, de beauté et d'harmonie. Ce musée est enterré ce qui est la traduction du mot japonais Chichu : on y entre en s'enfonçant dans les profondeurs de la terre. Et, alors que le bruit est continuel dans ce pays (et, à la fin de l'été, les cigales sont particulièrement bruyantes), on entre dans un lieu où règne le silence, mais aussi le vide. Ce musée est un écrin consacré à uniquement trois artistes : Claude Monet, Walter de Maria et James Turrell : tout est mis en place et en scène de telle façon à ce que l'observation des œuvres soit un moment exceptionnel. Sur plusieurs étages, que l'on parcourt en passant par moments à l'intérieur et d'autres à l'extérieur, la lumière est partout. On est sous la terre mais la lumière extérieure et le ciel sont des éléments fondamentaux de deux œuvres.

Walter de Maria au Chichu Art Museum. Source: internet.

La première est de Walter de Maria : on entre dans une pièce immense au centre de laquelle est posée une monumentale sphère en granit noir. Au-dessus,il y a une vitre au travers de laquelle on peut voir le ciel qui se reflète dans cette sphère. C'est comme d'entrer dans une cathédrale : on est invité à se recueillir et à contempler, instant de grâce sous le ciel bleu japonais.

James Turrell au Chichu Art Museum. Photo: CR

Ce ciel, on le retrouve dans une pièce à ciel ouvert consacrée à James Turrell : le tableau, c'est ce ciel et on peut passer autant de temps qu'on le souhaite à, simplement, l'observer défiler au-dessus de nos yeux. Ce n'est pas la seule œuvre de Turrell que l'on peut voir au Chichu Art Museum, il y en a deux autres. Tout d'abord, un monochrome de lumière bleue que l'on peut voir dans le coin d'une pièce mais le plus grandiose c'est peut-être la dernière. Comme dans de nombreux temples au Japon, nous sommes invités à retirer nos chaussures et enfiler des chaussons. De là, je suis entrée dans une pièce et j'ai été accueillie par une guide qui m'a ensuite accompagné dans une pièce au bout de laquelle se trouve un monochrome de lumière encore bleue : cette lumière rayonne dans tout l'espace et je m'y suis retrouvée immergée, for-mi-dable ! Il s'agit d'une véritable immersion dans l'art, la lumière, elle est douce et accueillante.

Les Nymphéas de Claude Monet au Chichu Art Museum. Source: internet

La dernière salle est consacrée au seul artiste non contemporain : Claude Monet, artiste phare du groupe des impressionnistes (1840-1926). Dans une pièce blanche, il y a cinq œuvres issues de la série des Nymphéas : le sol est recouvert de petits cubes de marbre blanc, les murs sont immaculés, tout est fait pour que les œuvres soient mises en valeur : c'est un véritable écrin.

Ishikawa Kazuhiro, A Ransel Boy, 2006. L'art est partout sur les murs de Naoshima. Photo: CR.

Au Japon, sur Naoshima, les musées ferment à 17h, je n'ai donc pas pu tout visiter (petit regret concernant la non-visite de la fondation Benesse et des sculptures en plein air) et je ne suis pas allée dans l'autre port où j'aurais peut-être pu tester le bain public revisité par un artiste, mais ce que j'y ai vu était exceptionnel. Cette île dédiée à l'art contemporain est l'idée de Soichiro Fukutake collectionneur d'art contemporain mais aussi patron d'un groupe d'édition scolaire (Benesse Holdings Inc.) : les lieux ont commencé à ouvrir à la fin des années 1980 et, alors que certains viennent au Japon pour les pèlerinages que l'on peut y faire, Naoshima est devenu le pèlerinage des afficionados de l'art contemporain et les lieux continuent à ouvrir (le prochain ouvrira en 2013). Elle fait partie d'un archipel : deux autres îles sont aussi dédiées à l'art contemporain, Inujima et Teshima. Étonnant non, de trouver de l'art contemporain ici plutôt qu'à Tokyo ? Soichiro Fukutake explique : « Je me suis mis à percevoir les métropoles comme des endroits monstrueux où les êtres humains vivent détachés de la nature et ne cherchent qu’à attiser leurs désirs ».

Cette île répond à cela et fait se rencontrer en un même lieu art et nature. Là, le visiteur peut prendre le temps, observer, profiter, contempler et vivre l'art dans des conditions idylliques...

Méditations contemporaines - partie I (by Cécile)

Vue depuis Benesse Beach sur l'île de Naoshima / Photo: CR

J'ai, récemment, eu la formidable opportunité d'aller au Japon pour le travail, cela a été une expérience incroyable. Ma tâche une fois finie, je suis restée une semaine de plus afin de visiter ce pays que je je souhaitais découvrir depuis de nombreuses années. Cependant, il a fallu faire des choix : il y avait tellement peu de temps et tant de choses à découvrir. J'ai donc opté pour l'île de Naoshima entre autres choses. J'ai passé une petite journée à découvrir cette île sur laquelle on peut trouver de l'art contemporain dans de nombreux lieux. Je suis arrivée un peu par hasard (les joies et bonnes surprises des voyages) à bon port donc dans le port de Honmura où j'allais dormir. Là, j'ai commencé par chercher ma chambre et, pour ce faire, j'ai accosté une vieille dame qui n'a rien compris à ce que je lui ai demandé mais m'a pris par le bras (promis !) et m'a emmené au stand d'information : en un mot, adorable ! Là, j'ai pu trouver l'emplacement de ma chambre, les billets pour voir les installations artistiques visibles à Honmura ainsi qu'un vélo pour me balader sur le reste de l'île : cet après-midi à Naoshima s'annonçait dès lors très bon !

Kadoya de Tatsuo Miyajima, 1998 / Photo: CR

À Honmura, il y a l'Art House Project : quatre maisons typiques japonaises, un temple et un autre lieu ont été investis par des artistes qui y ont mis en place des installations artistiquess.

Go'o Shrine, Hiroshi Sugimoto, 2002 / Photo: CR

C'est le cas avec Go'o Shrine, un temple en plein air a été réhabilité par le photographe japonais Hiroshi Sugimoto en 2002 : les marches d'escalier qui s'élèvent du sous-sol vers la surface et le temple ont été remplacées par des blocs en verre optique. Cet endroit est à la fois étrange et paisible, il s'agit d'un lieu quelque peu surréaliste, il s'en dégage une impression de quelque chose de pur et de divin qui invite au silence, au recueillement et à la méditation.

Go'o Shrine, Hiroshi Sugimoto, 2002 / Photo: CR

Comme les japonais présents, j'ai jeté une pièce et fait une prière : ce n'est pas parce que ce temple a été transformé par un artiste contemporain qu'il perd son but premier. Au contraire, il le retrouve, les visiteurs se promènent et le cherchent afin de le visiter.

Ishibashi, Hiroshi Senju, 2006 / Source: internet

Dans les maisons, l'une d'elles, m'a particulièrement plu : il s'agit de la maison Ishibashi où l'artiste japonais Hiroshi Senju a réalisé de grandes peintures murales. Dans l'une des salles, le sol recouvert de tatamis, les portes sont peints : un paysage de forêt y apparaît progressivement dans un jeu de nuances de gris et, dans une autre pièce des chutes d'eau peintes qui se reflètent sur un sol laqué noir, beau tout simplement. Ces œuvres invitent à la contemplation : si on le souhaite, on peut rester et observer. En outre, comme souvent dans les habitations japonaises, quand on entre, on enlève ses chaussures, comment ne pas se sentir invités à rester ?

Minamidera, James Turrell dans une architecture de Tadao Ando, 1999 / Photo: CR

Un autre lieu est à visiter sur ce port est celui consacré à James Turrell dans une architecture de Tadao Ando (l'architecte officiel de l'île en quelque sorte). Comme on avait déjà pu vous le dire là, les œuvres de James Turrell s'expérimentent avant toute chose : ici, on est immergé dans une pièce plongée dans le noir le plus complet. Il faut alors attendre entre 5 et 10 minutes que notre vue se familiarise à cette opacité et que l'on voie enfin ce que l'on était sensés voir... Le noir se transforme progressivement, une couleur apparaît dans un rectangle au fond de la pièce, magique... Je me rends compte que, dit comme cela, il est peut-être difficile de comprendre ou même voir l'intérêt de cela : comment un tableau de lumière jaillit d'un environnement sombre peut-il être magique ? Je crois, sincèrement, que si vous avez l'occasion d'expérimenter une œuvre de Turrell (et ce n'est pas nécessaire d'aller au Japon pour cela), n'hésitez pas : toutes les personnes que j'ai vues sortir de cet endroit avaient un sourire épanoui et content sur le visage, sous le charme tout simplement. James Turrell est un artiste dont le matériau de base est la lumière qu'elle soit artificielle ou naturelle : il joue avec elle et se joue de nos perceptions en des invitations à observer son environnement et, pour une fois, prendre le temps. Combien de personnes passent moins d'une minute devant une œuvre quand ils visitent une exposition ? La plupart en fait. On ne prend pas le temps de voir, d'observer, on vit à cent à l'heure de telle façon à oublier qu'il est important de s'accorder des moments de paix, de repos et d'attention, à soi et à ce qui nous entoure. Turrell nous propose de faire cela et c'est bien...

La suite de cette visite dans quelques jours...

Si l'art contemporain ne vous parle pas, commencez par là! (by Stefania)

Patrick Steiner, Il Veggente, installation, détail, 1997

Je crois que les parcs d’art contemporain en plein air sont les meilleurs endroits pour s’approcher de l’art contemporain. Si parmi vos résolutions pour cette année il y a partir à la découverte de l'art contemporain, je vous suggère de vous rendre dans l’un de ces lieux spéciaux (une petite liste ici).

Cet été, pendant un court séjour en Toscane, j’ai pu visiter le Giardino di Daniel Spoerri, qui se trouve sur les pentes douces des collines du Monte Amiata, dans la commune de Seggiano. Le terrain, dont l’artiste Daniel Spoerri est le propriétaire, abrite une centaine d’œuvres d’artistes différents, que l’artiste choisit en fonction du cadre naturel et de l’affinité. Le contexte est justement le mot clé dans un parc de sculptures en plein air : l’emplacement des œuvres est fait normalement par l’auteur même et par le commanditaire, et l’une (l’œuvre) ne peut pas se passer de l’autre (le contexte). C’est ce dialogue entre les éléments naturels et les créations de l’homme qui fait, à mon sens, la richesse et la spécificité d’un parc d’art contemporain en plein air.

Daniel Spoerri, Ombelico del mondo, installation 1991

Certaines d’entre elles, par exemple Ombelico del mondo, de Daniel Spoerri, sont particulièrement scénographiques: il s’agit d’une installation composée de 9 crânes de chevaux en bronze, pourvus de longues cornes, en forme de cercle. Outre la dimension symbolique et mystique liée à la forme circulaire (et à l’unicorne), cette sculpture possède une aura particulière, due à sa position, sur une colline qui domine le jardin et surplombe le village de Seggiano. Ce caractère magique revient souvent dans les œuvres du jardin, par exemple avec Otto incubi magri, toujours de Daniel Spoerri, où l’on voit des figures monstrueuses composées d’éléments humains ou animaliers qui évoquent, par leur vraisemblance, d’autres monstres créés par les artistes surréalistes (par exemple les poupées de Hans Bellmer ou certains personnages mouvants de Jean Tinguely). Il faut savoir que Daniel Spoerri vécut à Paris dans les années 1960 et connut quelques artistes surréalistes, tels Marcel Duchamp ou Man Ray.

Daniel Spoerri, otto incubi magri, sculptures, 2002

D’autres installations évoquent la culture classique. C’est le cas des planches en marbre qui, comme des stèles funéraires, commémorent certaines femmes mythiques (Léda, Cléopâtre, Frida Kahlo, Isadora Duncan…), à travers des éléments qui appartiennent à leur biographie ou à leur iconographie (l’aile du cygne pour Léda, par exemple, ou le serpent pour Cléopâtre). Le titre, Duodecim ultimae caene de claribus muliebris, nous donne la clé de lecture de cette installation en jetant un pont entre la culture gréco-romaine et la tradition chrétienne.

Daniel Spoerri, Duodecim ultimae caene de claribus muliebris, détail, 2008

Vous l’aurez remarqué, les œuvres dont je vous ai parlé sont toutes de Daniel Spoerri : cela n’est pas un hasard. Sauf quelques exceptions (Dies Irae, d’Olivier Estoppey, Isola nell’isola, de Luciano Massari, Penetrabile sonoro de Jesus Raphael Soto, Il veggente de Patrick Steiner…), je trouve que celles du « maître des lieux» sont les plus réussies.

Luciano Massari, Isola nell'isola, sculpture, vue d'ensemble et détail, 2007

Un petit mot sur la sculpture de Luciano Massari, Isola nell’isola. Il s’agit d’une grande bassine en marbre blanc de Carrara, le matériel de prédilection de la statuaire classique, qui se dresse au milieu de la pelouse comme un météorite ou bien, comme le titre l’indique, une île. A l’intérieur, taillé suivant les lignes de dénivelé, on découvre une petite protubérance circulaire, la deuxième île du titre. La similitude entre cet objet et l’île est encore plus évidente quand la bassine est remplie d’eau pluviale. Cette sculpture, mystérieuse et abstraite, serait complètement muette si le titre ne nous expliquait pas les intentions de l’artiste. Souvent les titres des œuvres du Giardino surprennent le visiteur et l’accompagnent dans leur compréhension, ce qui n’est pas toujours le cas dans l’art contemporain.

Voilà une raison de plus de visiter ce lieu, où même les néophytes trouveront satisfaction.

Qu'est-ce qu'un atelier? (by Stefania)

Le Studio Eliasson, l'atelier de l'artiste danois Olafur Eliasson à Berlin

C’est le sujet d’une rencontre publique à laquelle je viens de participer qui me pousse aujourd’hui à vous parler d’un des lieux de l’art contemporain dont on parle rarement: l’atelier de l’artiste.

Quand on prononce ces deux mots, j’imagine que des images de lieux à la fois magiques et secrets se succèdent dans vos têtes: lieu dans lequel on assiste aux processus prodigieux de la création, ou grouillant et dynamique, où se croisent les artistes et toute une série d’autres figures étranges.

N’oublions pas que la première fonction de l’atelier de l’artiste est celle de laboratoire: ici on produit des œuvres et on garde tout le matériel qui sert à créer. Cet espace a aussi une fonction sociale: les artistes peuvent aussi y inviter des critiques, directeurs de musée, collectionneurs ou galeristes pour montrer leur travail, parler de leur démarche, sélectionner ensemble les œuvres qu’iront enrichir une collection ou composer une exposition.

Andy Warhol dans son atelier, la célèbre "Factory", dans les années 1960

Depuis le début du XXème siècle, beaucoup de choses ont changé dans la production d’œuvres: les artistes contemporains s’entourent de plus en plus (selon leur travail) d’autres spécialistes qui les aident à réaliser des pièces. Un exemple entre tous est l’atelier d’Olafur Eliasson, à Berlin où travaillent aujourd’hui 45 personnes de tous les horizons: administrateurs, architectes, historiens de l’art et scientifiques. Cette tendance à réunir autour de soi une équipe de spécialistes naît dans les années 1960, avec la célèbre Fabrique d’Andy Warhol: un lieu aujourd’hui mythique où l’artiste produisait ses œuvres à l’aide de machines et où le processus de création classique a été remplacé par des procédés presque industriels.

L'atelier de Constantin Brancusi dans les années 1920

Parfois l’atelier d’un artiste peut servir de lieu d’exposition, comme le montre l’exemple célèbre de Constantin Brancusi, qui, à partir de 1920, considère son atelier comme le lieu privilégié de présentation de ses sculptures et l’endroit parfait où expérimenter l’emplacement de ses groupes de pièces.

Le Magasin de Ben Vautier, à Nice, en 1963

Nombre d’artistes des années 1960 ont eu un atelier-magasin, où il créaient leurs œuvres et vendaient toute sorte d’objets: l’exemple le plus connu est Le Magasin de Ben Vautier, artiste majeur de Fluxus en France. Dans ce espace, où tous les artistes de la Côte d’Azur se croisaient, l’art se mêlait avec la vie: à côté de pièces produites par l’artiste, on pouvait trouver des disques, livres, toutes sortes d’objets. Claes Oldenburg aussi a ouvert The Store, un magasin-atelier, en 1961 dans l’East Village, à New York.

À quoi ressemble aujourd’hui l’atelier d’un artiste contemporain?

La plupart du temps, c'est un simple bureau, où les matériaux artistiques se mélangent aux livres, ordinateurs, carnets etc.. un peu comme mon bureau, oserais-je dire. Il ne s’agit plus de lieux entourés d’une aura féerique, parce que la figure de l’artiste a profondément changé depuis un siècle. Devenu travailleur comme les autres, son lieu de création est aussi tout simplement devenu un lieu de travail.

Ce qui fait la richesse de ce lieu sont les rencontres qu’il rend possible avec l’artiste, son œuvre, d’autres artistes.

Sans craindre de vous paraître banale, je crois que l’atelier est un des lieux majeurs du système de l’art contemporain et qu’il reflète la place de l’artiste dans la société d’aujourd’hui et dans les modes de production de l’art. Daniel Buren, un des plus célèbres artistes en France, dit carrément que l’atelier préexiste à la galerie et au musée et que tous les autres lieux de l’art en dépendent.