LIFEPROOF

L'art allemand d'après-guerre au Musée Küppersmühle (by Stefania)

Qu’est-ce qu’il y a de mieux que de se réfugier dans un musée d’art contemporain lors d’un dimanche gris et neigeux de janvier? Me voilà donc partie à la découverte du Musée Küppersmühle de Duisburg.

L'escalier du Musée Küppersmühle, par Herzog & De Meuron (photo: Flikr)

Le musée se trouve au bords de l’ancien port de la ville de Duisburg, dans un grand bâtiment en briques qui fût jadis un moulin et un magasin pour la production et le stockage de farine. Küppersmühle signifie en fait « moulins en cuivre ». Le musée a ouvert en 1999 après un restyling des célèbres architectes suisses Herzog & De Meuron : le bâtiment a conservé à l’extérieur son visage d’antan, mais à l’intérieur tout a changé, notamment le grand escalier qui mène aux étages supérieurs, de couleur ocre et de forme sinueuse.

Je ne saurais vous décrire mon immense plaisir lors de ma visite de ce musée presque totalement desert et silencieux. Bien que pas particulièrement passionnée pas la collection, j’ai passé un moment de luxe, de calme et de volupté. Volupté prolongée à la sortie par l’achat de trois catalogues d’expo, à prix d’occasion !

La collection qui est à la base de ce musée, la Sammlung Ströher, est axée sur l’art allemand d’après-guerre, avec un intérêt particulier pour la peinture.

Dans les salles se succèdent les œuvres de Georg Baselitz, A.R. Penck, Hanne Darboven, Candida Höfer, Gerhard Richter, Anselm Kiefer, Markus Lüpertz… et bien d’autres. On suit l’évolution de la peinture allemande à partir des œuvres des années 1960 jusqu’aux folles années 1980.

A. R. Penck, Chi Tong, 1982, résine synthetique sur toile

Les énormes toiles de A. R. Penck (né à Dresde en 1939) par exemple, montrent très bien la tendance d'un genre de peinture très primitive aux traits de pinceau épais et stylisés. Le noir, le rouge et le blanc sont les protagonistes de ces compositions qui rappellent les graffiti ainsi que les peintures préhistoriques. A. R. Penck, dont le vrai nom était Ralf Winkler, n’avait pas été accepté aux Beaux Arts à Berlin Est parce qu’il était consideré comme un dissident. Il est donc autodidacte. Il faut aussi penser qu’à cette époque les reproductions d’œuvres des artistes célèbres étaient en noir et blanc et de très mauvaise qualité. De plus, contrairement à ses collègues comme Baselitz ou Kiefer, Penck resta jusqu’à 1980 enfermé dans les frontières de l’Allemagne de l’Est, sans grand échange avec l’Ouest. Pendant ce temps, ses travaux cartonnaient à l’Ouest où ils étaient vendus sous le manteau par Baselitz et le galeriste Michael Werner. Ce que Penck a essayé de créer, avec ses grands tableaux, c’est un language nouveau qui pouvait reconstruire l’art allemand après ce moment de césure qu'avait été le Nazisme et la guerre. Avec sa peinture, il essaya de trouver une troisième voie entre l’abstraction en vogue à l’Ouest et le réalisme socialiste obligatoire à l’Est.

Georg Baselitz, Autoportrait 1952, huile sur toile, 1996

Dans les toiles d’un autre peintre de cette époque, Georg Baselitz (1938, Deutschbaselitz, d’où son pseudonyme), on trouve la même fureur, la même force d’expression: son signe distinctif réside dans les portraits « upside-down », la tête en bas. On se démande pendant un instant si les monteurs ne se sont pas trompés en installant les peintures… Pourquoi Baselitz a adopté cette façon de peindre, qui est désormais sa véritable « signature » ? Comme Penck, lui aussi a encarné profondement la situation dramatique de la culture allemande d’après-guerre. Comme le dit très bien le critique Rudi Fuchs, c’était comme si on revenait chez soi, après de nombreuses années, et, au lieu de retrouver les meubles à leur place, la maison en ordre, tout est cassé ou volé, les murs en ruine, les meubles déplacés ou ravagés. La première réaction serait de tout remettre en place, de réparer et de ranger. La réponse des artistes de la géneration d’après-guerre était la même : rétablir l’ordre dans la culture, remettre à leur place toutes les manifestations de la culture qui avaient été balayées par la guerre. Et tout ça s'est traduit par d’autres façons de faire de l’art, différent des styles de peinture en vogue à l'époque (abstraction et realisme) : Baselitz trouva son inspiration dans la peinture chrétienne et dans la sculpture africaine. Son intention était de retrouver une tradition artistique allemande qui avait été interrompue avec la guerre.

Anselm Kiefer, Lilith (détail), technique mixte sur toile, 1990

Un troisième artiste a retenu, je dirais naturellement, mon attention : il s’agit d’Anselm Kiefer. Vous savez que j’aime cet artiste, je vous en ai déjà parlé ici. Kiefer aussi a été un des protagonistes de l’art allemand de ce temps, quoique un peu plus jeune que Baselitz ou Penck (il est naît en 1945). Dans ses travaux, qui allient peinture, sculpture et installation, se trouvent superposées différentes références (mystique biblique, mythologie archaique, histoires et legendes allemandes, visions futuristes de destructions nucleaires…). Ils sont comme un voyage existentiel à travers l’histoire allemande, mais – je ne sais pas pourquoi – se chargent de significations universelles. Elles nous parlent à tous. Elles sont toujours très actuelles, même celles datant des années 1980.

Par contre, je n’arrive pas à saisir l’actualité des peintures de Penck et Baselitz (et de Lüpertz et Immendorf, pour en citer d’autres de la même géneration). On voit qu’elles ont vieilli, mêmes celles qui datent d’il y a dix ans. Elles témoignent d’une époque, d’une nation qui aujourd’hui a profondement changé (heureusement), qui a reconstruit non seulement ses villes mais aussi sa culture, qui cohabite avec son passé tragique. Kiefer nous parle du passé, mais avec des images qui nous font penser à l’avenir le plus sombre.

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MKM Museum Küppersmühle für Moderne Kunst
Innenhafen Duisburg
Philosophenweg 55
D - 47051 Duisburg  

Ouvert le mercredi de 14 à 18h Le jeudi de 11 à 18h

Le samedi et le dimanche de 11 à 18h

Fermé le lundi et le mardi, ouvert le vendredi sur rdv

Boltanski, au lit! (by justine)

Personnes, Installation, Boltanski au Grand Palais

Pour ceux qui suivent, je me faisais l'autre jour une réflexion sur l'anecdotique et l'universel en art contemporain. Je me cite moi-même: "Je me fais d'ailleurs une réflexion: en art contemporain, dire d'une oeuvre qu'elle est "anecdotique" est une vacherie, cela sous-entend que tout le monde se fout de ce qu'a voulu dire l'artiste, son propos n'est pas "universel"."

Admettons. Sur le piédestal de l'art contemporain universel, que trouve-t-on? Vous avez deviné, un art qui a du sens, qui fait par exemple référence à la mémoire collective, à l'histoire des peuples, ce genre de trucs.

Donc, nous avons Boltanski au Grand Palais. Grande campagne de pub pour une trés grande escroquerie. (Si je dis des conneries vous avez le droit de m'arrêter tout de suite). Avant d'y aller, n'oubliez pas de faire un petit rot après avoir gobé ce que l'on vous aura prémaché: Le défi de l'artiste est d'utiliser les caractéristiques du lieu (pour ceux qui ne connaissent pas, c'est une immense verrière magnifique mais glaciale en hiver), pour jouer sur les émotions du spectateur et lui faire vivre une expérience "monumentale" face à une oeuvre.

Il y a la démarche artistique de Boltanski, qui depuis toujours traite de la mort, de la Shoa, des individus anonymes devenus icônes de ses installations. Il y a ce que dit Boltanski du grand Palais: à l'époque de ses souvenirs d'enfance parisienne, c'était un peu "le Disneyland du pauvre" (je vous renvoie à l'interview intégrale que vous pouvez écouter ici).

Et il y a le résultat. Une queue de plus de 2 heures (que nous avons resquillé dare-dare), des gens un peu abasourdis à l'intérieur, des nippes (alors ça, il y en a en veux-tu en-voilà), une montagne de nippes au dessus de laquelle se trouve une main mécanique (certains y verraient la "main de Dieu"), qui inlassablement soulève quelques vêtements, les monte au sommet de l'édifice puis les relâche cruellement. Gravité oblige, ils tombent. Cette partie là, (la chute) est assez belle à voir. Et dans l'œil du photographe, on pourrait croire que des spectres hantent le lieu.

Au sol, encore des fringues. On dirait des stands de puces, illuminés au néon. Je ferais bien mon marché. Ah oui, et il y a le son: des battements de cœur diffusés en stéréo. Le pouls de l'humanité, mes amis! (rien que ça, mais c'est une interprétation personnelle, je m'en excuse platement);)

Une médiatrice nous explique que l'artiste est un peu menteur, que les journalistes sont des cons, qu'il fallait leur donner une explication de texte de l'oeuvre sinon on courait à la catastrophe (l'artiste a peur à la fois d'être incompris, mais aussi des amalgames, c'est assez classique). Mais en réalité, Boltanski ne traite ni de Dieu, ni du Diable, il laisse au spectateur le soin de se faire son interprétation personnelle. Tiens, par exemple, l'œuvre intitulée "Personnes" pourrait bien être...une critique de la société de consommation!

Résumons donc: 26 articles de presse, 3 bandes-annonces au cinéma, 2 heures de queue, 4 Euros d'entrée, pour 1 critique de la société de consommation, qui a coûté au bas mot...combien déjà?? Ça me parait un peu ledge.

Bon point: tout cela est éphémère, tout cela sera recyclé. En 2010, si l'universel est synonyme de pognon, alors on est en plein dedans!

Trêve de plaisanterie, je me demande si nous ne pourrions pas changer de disque. Si finalement, Boltanski ne serait pas un peu has been. Maintenant il y a Haïti, les bidons villes du monde entier, et même Emmaeus. On pourrait dire que toutes ces images font partie de la mémoire collective, participent d'une même vision du monde, passé et présent. Ce n'est pas qu'il faille oublier, mais que fait-t-on du droit à l'espoir? Quel intérêt de rajouter un point de vue de plus (lamentablement noir) à celui que nous côtoyons  passivement, tous les jours dans les médias? Boltanski, Qu'avez-vous à nous dire de si grand que cela ne puisse s'exprimer autrement qu'en redite infinie de la même histoire disséquée?

Pour le souvenir, nous avons les vrais camps de concentration, qui se visitent, nous avons internet et les livres d'histoire. Pour Disneyland nous avons le RER.

Boltanski, changez de disque, ou au lit!

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Un dvd est disponible! Courrez l'acheter! LA VIE POSSIBLE DE CHRISTIAN BOLTANSKI, Portrait fantôme de l'artiste, écrit et réalisé par Heinz Peter Schwerfel, produit par Schuch Conseils et Productions propose, avec la participation du Cnap, un bonus dédié au montage de l’œuvre Personnes pour MONUMENTA 2010 dans la Nef du Grand Palais.

Informations pratiques:

MONUMENTA 2010 / Christian Boltanski« Personnes »

Manifestation ouverte au public du 13 janvier au 21 février 2010

Nef du Grand Palais - Porte principale

Avenue Winston Churchill 75008 PARIS
Horaires
Tous les jours sauf le mardi
De 10h à 19h le lundi et le mercredi

De 10h à 22h, du jeudi au dimanche

Accès

Métro : lignes 1, 9, 13 / stations : Franklin Roosevelt, Champs-Elysées-Clemenceau

Bus : lignes 28, 32, 42, 72, 73, 80, 83, 93

A la découverte du musée des lumières (by Stefania)

Lindenbrauerei, Unna

Le Zentrum für Internationale Lichtkunst se trouve dans une petite ville d’Allemagne, Unna, à l'extrémité orientale de la zone de la Ruhr. Si vous passez un jour par ces terres lointaines, je vous conseille vivement de visiter cet endroit fascinant et unique dans son genre.

Les salles labyrinthiques du Lichtmuseum étaient les anciennes cuves de fermentation d’une brasserie très connue dans la zone, dans laquelle on produisait la Linden-Adler bier. Aujourd’hui, elles abritent les œuvres d’artistes internationaux qui travaillent avec la lumière et peuvent être visitées lors d’une visite guidée.

 

Olafur Eliasson, Reflektierender Korridor - Entwurf zum Stoppen des freien Falls, photo: Werner Hannappel

Le parcours s’articule en plusieurs pièces: parmi les artistes que vous avez déjà découvert sur nos pages on trouve Olafur Eliasson et Christian Boltansky. D’autres artistes très célèbres sont Mischa Kuball, Rebecca Horn, James Turrell, Mario Merz, Joseph Kosuth, Keith Sonnier.

Keith Sonnier, Tunnel of Tears, installation, 2002 (photo sur le site de l'artiste)

Chaque œuvre questionne directement l’emploi de la lumière comme médium, mais répond aussi à la démarche de chaque artiste: Mario Merz joue encore avec une installation lumineuse de la célébre suite de Fibonacci, Joseph Kosuth réflechit sur le language, avec son installation « Die Signature des Wortes », Olafur Eliasson unit lumière et usage de l’eau, en construisant une installation qui implique tous les sens.

Parmi ces œuvres, j’ai visité « Third Breath, 2005 », une installation de l’artiste américain James Turrell. Il s’agit d’une pièce entière transformée en « chambre noire », c’est-à-dire une pièce sombre munie d’un petit trou sur le plafond et d’une lentille. Sur le sol, on peut voir un cercle dans lequel est projetée une portion de ciel, avec des nuages qui passent, la lune, un avion. Vous l’aurez compris: c’est le principe de l’appareil photo, tout simple, mais toujours étonnant.

Puis on monte par un escalier à l’extérieur et on arrive dans une autre pièce, qui se trouve exactement sur la précédente: elle est en forme de coupole, et tout autour des parois circulaires se trouvent des bancs sur lesquels on peut s’asseoir à observer le ciel. Le plafond est un trou rond percé, duquel on peut admirer le ciel. La même portion de ciel reflétée dans la chambre noire en bas, est maintenant visible en vrai, dans une structure qui ressemble un peu à un observatoire. Quand à l’intérieur de cette chambre on change la couleur de la lumière, par compensation, même la tonalité du ciel se modifie. Le moment le plus spectaculaire est le coucher du soleil, en été (j’y retournerai ! En décembre, quand j’ai visité le musée, à 16h il faisait déjà presque nuit).

James Turrell, Theird Breath, installation, 2005

James Turrell est connu pour ces installations qui questionnent la perception de l’espace et de la lumière. Le principe est toujours très simple : mettre nos yeux face à des phénomènes lumineux quotidiens et nous pousser à la réflexion sur leur fonctionnement, comme dans un musée d’histoire naturelle.

James Turrell, Floater 99, installation

La deuxième installation de cet artiste au Lichtmuseum est une simple pièce toute blanche, qui fait partie d’une série nommée « Shallow-Space Construction Series » entamée dans les années 1970. Entre le mur d’entrée et celui du fond se trouve une mince parois, derrière laquelle des néons projettent une lumière colorée. Ce simple mécanisme annule la perception de l’espace, qui paraît tout arrondi et d’une couleur différente par rapport à celle qu’on aperçoit quand on arrive : d’un coup on se demande si on est en train de visiter en autre espace ou si la lumière change quand un visiteur en franchit le seuil.

Le Light Art est souvent considéré un courant dans le Land Art. Il naît dans les années 1960, avec les œuvres d’artistes tels que Dan Flavin (sculptures en néon). James Turrell est un des protagonistes de cette forme d’art et ses œuvres ne manquent pas dans les plus importantes collections du monde. Pour nos lecteurs italiens, je vous conseille de visiter la Villa Panza di Biumo, près de Varese. C’est une collection axée sur les années 1960 et notamment sur l’art de la lumière.

Pour ma part, j’ai déjà compris le Lichtmuseum de Unna dans la liste de mes lieux d’art préférés et je me prépare à y faire un tour ce printemps, quand le soleil sera à nouveau de retour.

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Zentrum fur Internationale Lichtkunst

Lindenbrauerei Unna

Lindenplatz 1 - Unna

tél. 0049 2303 103770

info@lichtkunst-unna.de

De la culture à Marseille (By Christelle)

Musée d'Art Contemporain de Marseille

A chacune de mes visites dans la ville des calanques, je découvre un peu plus ses secrets, ses habitants et sa culture.

Cette fois, mon sentiment général est très contrasté. Rappelons que Marseille est la deuxième ville de France. En tant que telle, la cité phocéenne se doit d’avoir un certain nombre d’équipements culturels dignes de ce nom. Pourtant quelle ne fut pas ma surprise et ma tristesse lors de ma visite au musée d’art contemporain. Situé dans un quartier résidentiel où l’animation et l’attraction sont relativement limitées, de plus éloigné du centre ville, il faut une certaine motivation pour atteindre ce lieu. Etant donné ce positionnement géographique, il doit être rare de tomber sur lui au hasard d’une balade. Pire encore, une fois trouvé, son aspect extérieur rappelle les préfabriqués des années 1970 et n’incite, bien sûr, pas le badaud à pousser la porte d’entrée.

Comme vous le savez, l’art contemporain a assez mauvaise presse dans l’opinion publique. Ce musée ne fait rien, bien au contraire, pour lutter contre ces préjugés. Il est austère et donne juste l’impression d’être réservé aux initiés. La volonté politique d’intéresser les marseillais à l’art est ici inexistante. Faut-il rappeler que l’OM c’est bien, mais que ce n’est pas tout et qu’on peut avoir une bonne équipe de football et de bons musées. Prenons l’exemple de Lyon qui conjugue parfaitement art et sport et prouve, s’il en était besoin, que ces deux activités sont loin d’être incompatibles.

Jean-Luc Parant, légende manquante.

Pour les plus téméraires, une fois à l’intérieur, l’indigence des explications, et donc de la médiation autour des œuvres exposées, donne vraiment envie de rebrousser chemin. Un simple feuillet, truffé de références non explicitées, accompagne le visiteur novice qui, après cette première expérience, ne remettra probablement plus jamais les pieds dans ce musée. Sa collection permanente n’a pourtant rien de honteux. Les œuvres des courants les plus importants de l’histoire de l’art de ces 50 dernières années y figurent en bonne place. Le Nouveau Réalisme avec César et Arman, les débuts de la performance avec Michel Journiac et Gina Pane, la Figuration Narrative avec Aillaud et Arroyo sont bien présents mais si peu mis en valeur que leur absence aurait le même résultat. Le MAC de Marseille est comme figé dans le temps à une époque, celle des années 1960-1970, où la médiation et la muséographie n’en étaient qu’à leur balbutiement. Mais tout cela est totalement absurde puisque ce musée a ouvert en 1994 !!! A un moment où l’on savait depuis longtemps mettre en valeur et expliquer des œuvres d’art contemporain dans un musée. Alors pourquoi un tel manquement à Marseille ? Le mystère reste entier.

César, Pouce, Bronze

Le contre exemple du MAC de Marseille est le MAC Val de Vitry-sur-Seine. La création et toute l’organisation de ce musée repose sur la médiation autour des œuvres d’art. Son dynamisme est exemplaire et la grande diversité de ses visiteurs est le symbole de sa réussite.

Je souhaite de tout cœur que « Marseille capitale européenne de la culture 2013 » permette de changer la donne comme ce fut le cas pour Lille en 2004.

Alors il y aurait la mer, l’art, le foot…bref le bonheur !

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Mac Marseille

Retrouvez les infos pratiques ici.

Cathédrale d'images (by Justine)

Carrière de pierre calcaire, Baux de Provence

 Au pays des touristes soucieux de découvrir la Belle Provence, il existe aussi des lieux de culture qui méritent qu'on parle d'eux.

Je suis donc partie chercher ma soeur qui réside en ce moment dans le village parisien de Saint Rémy de Provence, pour l'amener non loin de là dans un village hollandais: Les Baux de Provence. J'avais un but précis: visiter la Cathédrale d'Images mentionnée sur tous les bons guides verts du coin.

Petit historique du lieu:

C'est un ancien correspondant de guerre, Albert Plécy, qui en est le fondateur. Conscient dès 1950 de la puissance de la photographie, il s'employa à promouvoir l'image dans la presse, et à soutenir l'innovation en la matière. C'est en 1977 qu'il découvre les anciennes carrières de pierre calcaire du Val d'Enfer, aux Baux. Subjugué par la beauté du lieu, il met à profit ses recherches sur l'image totale, en introduisant dans des spectacles d'images projetées sur ces pierres, l'individu au cœur même de l'image.

Vous suivez? Nous arrivons à l'entrée du lieu et déjà je trouve ça trés trés beau. Ca a quelque chose des temples funéraires vus au Machu Pichu. Les tailles droites dans la roche donnent une grande solennité à l'endroit. Nous pénétrons dans l'intérieur de la carrière (à ciel fermé, imaginez l'intérieur d'une pyramide mais en forme de parallélépipède).

Je vais encore dire une banalité, mais cet instant est tout simplement magique. Voire sacré. Je me retrouve au coeur de la peinture de Picasso, mes sens sollicités de tous les côtés me demandent de prendre le temps de comprendre ce qu'il se passe. Je choisis un point d'ancrage, et là je vis une expérience enrichissante: des morceaux de peinture habillent de larges colonnes carrées, c'est Picasso fait tag. Et quel tag!

Guernica, Les Demoiselles d'Avignon, le Rêve, la période Bleue, les débuts néo classiques, tout s'entremêle dans un tourbillon d'images dont on dirait bien que ce sont elles qui nous regardent. L'image faite Divinité, que l'on adule et que l'on craint. L'image qui a tout pouvoir sur nous, pauvres créatures si facilement impressionnables. Le son résonne dans la carrière. Oublié Picasso! Pourtant le regard génial de l'artiste sur le siècle est bouleversant. Mais ici, on nous dicte les émotions une à une. Moi qui me prend pour un esprit critique éclairé, je peux vous dire que je n'en mène pas plus large que les autres. Complètement baba devant toi, illusion. Je promets d'expier mes péchés et de regarder la télé tous les jours que tu feras. Amène (ta soeur à la cathédrale d'images et repars avec des cartes postales).

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Cathédrales d'images/ aux Baux de Provence

Picasso, jusqu'au 3 janvier 2010.Ouvert tous les jours de 10h à 18h

Les artistes qui ont élaboré le projet sont présentés ici.

Le making of du spectacle est expliqué ici.

Ouverture d'Ateliers d'artistes, Marseille, du 9 au 11 octobre 2009

L'association Chateau de Servieres vous invite à découvrir la 11ème édition des Ouvertures d'ateliers d'artistes,

les 9,10 et 11 Octobre 2009

de 15h à 19h30

102 artistes  dont 5 venus de Lisbonne au Portugal, 31 ateliers,15 lieux d'art contemporain pour une déambulation artistique dans Marseille.

Pour vous aider dans votre découverte le livret qui présente chacun des 102 artistes avec visuel, texte, adresse, plan et la présentation des différents lieux d'art est disponible à l'Espace Culture et dans tous les lieux de diffusion de l'information culturelle.

Le second volet de la manifestation regroupe l'ensemble des productions des 102 artistes participant sous un seul regard et devrait permettre de susciter l'envie et le désir de fréquenter l'art contemporain au quotidien en  faisant l'acquisition d'œuvres originales.

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A VENDRE

du 15 au 18 octobre 2009, de 10h à 19h00

Vernissage le mercredi 14 octobre à 18h30

Galerie Montgrand, Ecole Supérieure des Beaux Arts de Marseille