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Peut-on rétablir notre innocence ? (by Stefania)

Fischli/Weiss Image from Visible World 1987 - 2001 © Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zurich © the artists

On est presque en temps de vacances, donc préparez-vous, dès la rentrée, à subir les milliers de clichés de vos copains qui, fiers d'eux-mêmes, vous soumettront leurs photos de vacances en Grèce, à Rome, à New York ou en Thaïlande. Cela vous est-il déjà arrivé ? Le faites-vous aussi quand vous rentrez ? Moi je le fais toujours (mais seulement avec mes parents), tout en sachant combien ça peut être ennuyeux et parfois même pénible.

N'ayant pas de photos de vacances à vous montrer pour le moment, je vous parle ici d'une installation du duo d'artistes Fischli et Weiss (que vous connaissez déjà bien sûr, grâce à un post sur les saucisses et un autre sur la Quadriennale de Düsseldorf) qui m'inspire aujourd'hui une réflexion, à mon avis, intéressante sur les images et le tourisme.

Fischli et Weiss, Visible World, installation 1987-2001

Il s'agit de “Visible World”, un recueil de 3000 clichés exposés sur une table lumineuse et pris entre 1987 et 2001 par les deux artistes. Les photographies montrent des lieux très connus et touristiques, comme le Colisée, les Pyramides, la Tour Eiffel, des paysages tels que la mer des Caraïbes, la jungle, les montagnes suisses, le désert, les couchers de soleil... et des moments ou des endroits pas forcement très intéressants, prises par les artistes pendant 15 ans de voyages autour du monde.

A coté d'images très belles et classiques, on en trouve d'autres bien plus kitsch (des clichés « by night » par exemple), proches de séries photographiques prises dans les années 1970] (vous rappelez-vous de l'Ecole de Düsseldorf?).

Ma réflexion concerne d'abord la vision du monde que nous avons suite au tourisme de masse, à l'invasion d'images par les médias (à partir de la télé, en passant par internet jusqu'aux catalogues des voyages), à la perception du monde à travers la technologie (les photos prises par IPhone, par exemple), qui devient vite globalisée (la même photo de la Tour Eiffel prise par n'importe quel touriste avec toujours le même cadrage, par exemple).

 
Fischli et Weiss, Visible World, installation 1987-2001

Quand j'ai voyagé pour la première fois à New York, j'avais l'impression d'avoir déjà été là-bas, d'avoir déjà tout vu, à travers les images de cinéma, les photographies des magazines (ou des copains), les émissions de télé... Mais, cependant, l'émotion a été forte.

Fischli et Weiss veulent nous montrer cela : quand on se trouve face aux Pyramides, peu importe si nous avons déjà vu mille fois cette image, nous restons la bouche bée face à cette merveille (et nous l'immortalisons avec notre appareil photographique pour, plus tard, la montrer à nos copains), parce que le lieu est magique et puissant.

Ils nous disent que les images sont certes très importantes et influencent notre perception, mais la vie (c'est-à-dire, être présent dans un lieu) l'est encore plus.

Fischli/Weiss Image from Visible World 1987 - 2001

J'oserais ajouter, elles sont aussi dangereuses : grâce à la diffusion massive de la technologie n'importe qui peut prendre un cliché de ces lieux magiques et créer donc une image. Le résultat est une invasion de clichés. Ne risquons-nous pas une overdose d'images et donc une conséquente perte de valeur de ces dernières ?

Ne risquons-nous pas de perdre cette « innocence » dont les artistes parlent dans leur livre « Will Happiness Find Me? » face à ces paysages, comme face au Cervin (qui a été utilisé dans des innombrables publicités, par exemple) ?

Un musée pour Essen (by Stefania)

Vue extérieure du musée Folkwang

C’est bien vrai que quand on habite à 10 minutes d’un musée on finit par ne jamais le visiter en se disant « Mais j’y habite, j’aurai bien sûr le temps d’y aller ! ». Quitte à avoir visité entretemps plein d’autres musées ou galeries à des milliers de kilomètres de distance !

C’est ce qui m’est arrivé en 2009 à Milan. Après avoir vécu pendant 23 ans dans la ville de la Cène de Léonard de Vinci sans jamais la voir, je m’y suis rendue avec deux copains allemands en visite chez moi.

Et c’est ce que je viens de faire ici à Essen, avant de quitter l’Allemagne pour revenir en France : visite au Musée Folkwang, qui se trouve à dix minutes à pied de chez moi et qui a été inauguré début 2010 avec le slogan « Le plus beau musée du monde » (en réalité le slogan remonte à 1933). Pouvais-je donc le rater ?

Le musée Folkwang a été la première institution en Allemagne à montrer les œuvres du Modernisme français (Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Matisse…) et, en effet, encore aujourd’hui il abrite une très belle collection d’œuvres d’art moderne. En particulier un portrait de Van Gogh très saisissant. J’ai été ravie par la couleur du fond, un vert/bleu très profond (qui sur la photo ici ressort plutôt verdâtre).

  
Vincent Van Gogh, Portrait d'Armand Roulin, huile sur toile, 1888 © 2008 Museum Folkwang Essen

L’autre groupe d’œuvres majeures est celui des avantgardes et en particulier l’Expressionnisme allemand, que je me réjouis toujours de rencontrer sur mon chemin. Kirchner, Kokoschka, Macke, Nolde, Marc…. Leurs œuvres témoignent de la vitalité et de la finesse de la culture allemande des premières décennies du XXème siècle. J’imagine ces œuvres confisquées en 1937 en pleine période nazie par la commission pour l’épuration de l’art allemand.

  Ernst Ludwig Kirchner, La tour rouge à Halle, gouache sur toile, 1915 © 2008 Museum Folkwang Essen

Puis on passe à l’art contemporain, dont le musée Folkwang possède aussi une bonne collection, avec des pièces intéressantes, quoique pas vraiment sensationnelles : Simon Sterling, Lothar Baumgarten, Jessica Stockholder, Frank Stella… et évidemment les expositions temporaires. Cette fois, comme je vous l’avais annoncé dans notre dernier diaporama, c’était le tour d’une double exposition de photographie de Jürgen Heinemann et Tobias Zielony

  Jessica Stockholder, Bow Tied in the middle, installation, 1996 © 2008 Museum Folkwang Essen

L’architecture joue aussi un rôle important dans ce musée : après les bombardements en 1945, le musée avait déjà été reconstruit, mais cette nouvelle architecture, très contemporaine, conçue par David Chipperfield et complétée en 2010, marque vraiment une renaissance: au sens contemporain et pour la ville entière. Cette renaissance est liée à la transformation que Essen a connu ces dernières décennies (de ville industrielle et ouvrière en centre culturel de la region), couronnée par la désignation de capitale européenne de la culture l’année dernière.

Le hall d'entrée du musée

Cette constatation me permet aussi de citer les mots du fondateur du musée, Monsieur Karl Ernst Osthaus, pour qui le but du musée était de « créer un centre de vie artistique dans une region industrielle ». En 1902, la region de la Ruhr était connue plus pour la production du charbon et de l’acier que pour la culture et l’art. Aujourd’hui, le musée Folkwang a le même but : faire palpiter la vie artistique de cette ville et garder sous son toit la mémoire de l’art de la région.

 

Plus ou moins la fonction que chaque musée d’art devrait avoir pour son territoire, n’est-ce pas ?

La force des symboles (by Stefania)

 Inscription d'un artiste anonyme au quartier de Rome Pigneto

La semaine passée, pile poil le 25 avril, le jour de la Libération, fête nationale italienne, les habitants du quartier du Pigneto, à Rome, ont découvert, à leur réveil, un nouvel objet à l’entrée de leur quartier : une inscription en fer forgé, en forme d’arc, qui disait « Work will make you free » (le travail rend libre). A quoi ont-ils pensé? A une blague? A une irruption d’un des nombreux groupes néonazi de la capitale? A des vandales? La majorité des politiques de la ville et de la région a crié au scandale, en condamnant le geste, tous les journalistes se sont empressés d’écrire dans leurs articles qu’un geste faisant l’apologie du nazisme avait poussé pendant la nuit au Pigneto comme un champignon.

Quelques heures plus tard, nous avons tous découvert que cette installation était en réalité l’œuvre d’un « artiste » (qui a voulu rester anonyme) et que son but était d’attirer l’attention sur les conditions inhumaines des travailleurs, sur la precarité et la violence quotidienne à Rome et en Italie.

Or, cette petite histoire m’a fait beaucoup réflechir sur l’emploi des symboles et surtout sur la repropositions des symboles forts du nazisme. L’artiste, dans une courte interview, dit que l’art ne doit pas forcement proposer des belles images, ayant une simple fonction décorative et je suis complètement d’accord avec lui. Parfois la volonté de nous pousser à la réflexion est plus impérieuse que celle de faire jouir nos yeux.

L’artiste déclare aussi, dans son interview, que l’inscription qu’il a réalisé n’était pas vraiment identique à celle qui surplombe l’entrée au lager d’Auschwitz, même si elle s’en inspirait : la police était différente, elle n’était pas ondulée, mais en forme d’arc. Et surtout il ne s’agit pas d’allemand, mais d’anglais, de façon à ce que tout le monde puisse comprendre le message. Cette affirmation est encore plus intéressante que la précédente : dans la tête de tous, dès que nous avons découvert l’inscription, le lien avec Auschwitz a été évident, « le travail rend libre » paf ! Nazisme ! C’est ça la force des symboles, il suffit qu’ils nous suggèrent quelque chose sans forcément exprimer clairement un message ou un contenu. Tous les symboles forts, (politiques, réligieux…) fonctionnent comme ça.

Robert Gligorov, Attacco al sistema, photographie

Je ne veux pas ici commenter cette œuvre, si elle est réussie, si c’est un plagiat ou pas (il paraît qu’il y a quelques années un autre artiste très connu en Italie, Robert Gligorov, a proposé une installation avec la même inscription, mais en italien, sur le bâtiment de FIAT. Ceci est une preuve supplémentaire que les symboles forts sont souvent utilisés par les artistes et les intellectuels pour leur capacité d’évocation immédiate)… mais je me demande s’il y a encore des symboles « intouchables » dans la notre société actuelle ? Peut-on faire de la provocation avec tout (politique, génocides, religion…) ou reste-il encore des thèmes tabous ? Et, faut-il toujours accompagner les œuvres d’art d’une explication pour qu’elles soient effectivement reconnues comme de l’art ?

 

 

Un projet d'art contemporain sur les Alpes (By Stefania)

Tous les visuels: Antony Gormley, Horizon Field, août 2010 - avril 2012 © Antony Gormley und Kunsthaus Bregenz, Foto: Markus Tretter

Ces photos montrent une installation de l’artiste anglais Anthony Gormley composée de 100 statues en métal à grandeur nature  distribuées sur une surface de 150 mètres carrés dans les Alpes autrichiennes, en Voralberg.

Comme vous pouvez le voir en donnant un coup d’œil aux visuels, le cadre naturel fait entièrement partie de l’œuvre. Chaque emplacement a été étudié par l’artiste, qui ici crée une véritable œuvre d’art environnementale.

 

Pour plus d'infos, rendez-vous sur le site de la Kunsthaus Bregenz, qui a organisé l'installation.

Andy Warhol à la sauce japonaise (By Stefania)

Takashi Murakami, Mr DOB All Stars (Oh my the Mr DOB), 1998, acrylique sur toile

Avant de partir au Japon pour une dizaine de jours de vacances, je connaissais bien sûr Takashi Murakami, mais je n’étais pas une fan de son travail.

Je me disais que c’était trop pop, trop facile, peu subtil. Puis, ce qui a aggravé son cas a été la collaboration qu’il a entamé avec la marque Vuitton. Après avoir assisté à une profusion sans égale de sacs, portefeuilles, pochettes à fond blanc avec le célèbre monogramme coloré, j’ai dit « Ça suffit » et, en bonne snob gauchiste, j’ai déclaré que Takashi Murakami était un vendu.

De retour en Europe après mon magnifique et court voyage japonais, j’ai l’impression d’avoir plus compris ce que notre Murakami fait et pourquoi, au-delà de Vuitton, c’est un artiste à ne pas perdre.

Takashi Murakami, The apocalyptic champ, acrylique sur toile, détail

Quand on parle de cet artiste, un des plus cotés du monde entier, on cite souvent la culture des mangas, les bandes dessinées japonaises. Je ne suis pas une spécialiste, je n’ai jamais trop aimé la BD, mais à Tokyo j’ai pu voir de près les fameux « otaku », ceux qui communément sont appelés « fans de BD ». En réalité les otaku sont bien plus que de simples passionnés, ils sont complètement fous! Et ce terme, qui dans les pays occidentaux n’a pas forcement une signification négative, au Japon s’applique à tous ceux qui ont une passion monomaniaque (pas seulement dans le domaine de la BD, mais aussi pour les jeux vidéos ou les séries télévisées) et qui vivent en marges de la société. A part cela, il faut aussi savoir que les BD au Japon sont très très diffusées auprès de toute sorte de gens, hommes ou femmes, jeunes ou moins jeunes, c’est vraiment un objet de la culture de masse, bien plus que chez nous. Donc la première source d’inspiration de Murakami est cet univers inépuisable d’icônes pop (dans le vrai sens du terme : populaires) présent dans les innombrables mangas, dont notre artiste est aussi un grand passionné.

Un excellent exemple d'esthétique kawaii, Pi-po Kun, la mascotte de la police japonaise

La deuxième source d’inspiration, qui n’est pas distincte de la première, est l’esthétique « kawaii », c’est-à-dire le foisonnement d’éléments, personnages, décorations « mignonnes ». Les japonais sont fous de ces petits détails colorés et enfantins qu’on peut trouver partout, même sur les panneaux qui indiquent des travaux dans la rue ! Vu d’ici, on se dit souvent que les japonais sont complètement dingues, mais quand on revient du Japon, on a la même maladie. On voudrait s’entourer de jolis animaux en peluche ou bibelots kawaii et je vous assure, ça marche aussi sur les hommes ! (un exemple ? voir ma passion du moment).

Quelques kawaïeries aperçues pendant mes vacances au Japon

La combinaison de l’esthétique kawaii et de celle qu’ici nous considérons comme typiquement « japonaise » (design extrêmement épuré, abondance de blanc et de lignes droites…) est ce que Murakami a baptisé « superflat ». Dans cette esthétique, dont les œuvres de Murakami sont impregnées, tous ces éléments qu’on vient d’évoquer, mêlés avec ceux de la culture traditionnelle japonaise, sont représentés sur une surface plate, brillante et polie.

Le grand mérite de Takashi Murakami est donc l’affranchissement de la culture populaire japonaise et la capacité de mélanger ses éléments avec la culture « haute », celle justement de l’art contemporain ou de la tradition. Pour nous, les occidentaux, pour qui Andy Warhol est encore une icône et figure parmi les artistes les plus connus même parmi les non-specialistes, cette opération pourrait n’avoir absolument rien d’intéressant et de nouveau. Pour moi c’était comme ça avant mon voyage au Japon! Mais le Japon demeure une société très fermée et la mentalité est vraiment différente de la nôtre. La séparation entre culture « haute » (notamment la peinture, celle que Murakami a apprise pendant ses années d’études) et la « sous-culture » existe encore, c'est la raison pour laquelle le travail que cet artiste a réalisé a encore plus d’intérêt et de signification.

Dans ce sens, sa récente exposition personnelle à Versailles (en 2010) mettait très bien en scène cette relation entre un travail moderne, qui puise ses racines dans la culture de la rue, et l’art « haut », celui des élites du passé et en plus en Europe.

Takashi Murakami, vue de sa recente exposition au Chateau de Versailles

Même son attention pour la mode, le marché, les produits « dérivés » de ses œuvres d’art montrent très bien l’attitude de l’artiste et sa filiation avec Andy Warhol. D’alleurs, Murakami a crée autour de lui une équipe d’artistes et de collaborateurs qui rappelle le fonctionnement de la Factory dans les années 1960 à New York. Bon, après ça, le sac Vuitton Eye Love ça reste quand même redoutable !

 

Un musée d’art contemporain pour Milan (by Stefania)

Le Museo del Novecento se trouve sur la place du Duomo, dans un bâtiment des années 1930 appelé Arengario

La ville de Milan a enfin son musée d’art contemporain!
Le Museo del Novecento, qui a cartonné pendant les vacances de Noël, a été longtemps attendu par les milanais qui pourtant habitent une ville riche en art et protagonistes des avant-gardes du début du Xxème siècle jusqu’aux années 1970. Jusqu'au 2010, au-delà des galeries, il fallait se contenter du Musée de la Triennale et des expositions temporaires au Palazzo Reale (la plupart décevantes) et au Padiglione d'Arte Contemporanea (qui a connu auparavant une programmation plus intéressante).
Je ne pouvais donc pas manquer de visiter ce musée et de vous en parler sur ces pages.
 
D'abord un petit mot sur l’aménagement : le parcours du musée est vraiment difficile à suivre, si vous n'avez pas une bonne boussole et/ou un bon sens de l'orientation.
On admire d’abord les tableaux des Futuristes (n'oubliez pas que le centre de rayonnement du Futurisme était la ville de Milan et qu'ici résidaient Umberto Boccioni, Filippo Tommaso Marinetti et Carlo Carrà) de la collection Jucker (une famille très riche d’entrepreneurs d’origine suisse dont la collection a été achetée très cher par la Ville de Milan dans les années 1990). Puis, c’est le tour des chefs-d’œuvre des années 1950, une autre époque très importante pour cette ville, qui était au centre des questionnements artistiques en Europe : le Nouveau Realisme s’était developpé entre Nice, Paris et Milan et ici travaillait l’artiste Piero Manzoni. N’oublions pas non plus Lucio Fontana, dont on va parler plus tard, Renato Guttuso avec la peinture réaliste et bien sûr Mario Sironi avec ses tableaux mélancoliques qui représentent la ville à la fin de la guerre. Je vous laisse imaginer la foule face à ces chefs-d’œuvre qu’on nous apprend dans tous les livres d’histoire de l’art depuis notre plus jeune âge.

Mario Sironi, Paesaggio Urbano

C’est après un dédale de couloirs, escaliers et salles qu’on tombe sur une petite, mais très intéressante, aile consacrée aux années 1960-70. Les premières salles abritent des installations appelées « Ambienti » (environnements) conçues par des artistes de la fin des années 1950 qui montrent très bien d'où viennent les installations d'aujourd'hui : lumières stroboscopiques et parcours au milieu de miroirs où perception et divertissements s'entrêmelent.

Mario Merz, Zebra (Fibonacci), installation, 1973

Puis j'ai eu le plaisir de voir ici réunis des chefs d'oeuvre du courant Arte Povera que je ne pensais trouver à Milan. Vous devez savoir que ce courant des années 1960-1970 a son centre de diffusion à Turin, la ville où Michelangelo Pistoletto, Giulio Paolini, Alighiero Boetti, Giuseppe Penone, Mario Merz habitaient et exposaient. Je ne vous dévoilerai pas ici ce qu’est l'Arte Povera (ce sera le sujet d'un autre post), mais je vous dirai que j'ai particulièrement apprécié une installation très élégante et poétique de Pier Paolo Calzolari, composée d’un serpentin en cuivre couvert partiellement de givre, un tube au néon et feuilles de tabac (mais je n'ai malheureusement pas de photo).

La dernière salle avec l'installation lumineuse de Lucio Fontana et la vue sur le Duomo

Si vous y arrivez en parcourant les méandres de ce musée, ne ratez pas non plus la dernière salle qui s'ouvre, avec des énormes vitraux, sur la place du Duomo: en plus de la superbe vue, vous pourrez admirer une installation très célébre de Lucio Fontana de 1970 et a été recrée en accord avec la Fondazione Lucio Fontana. Il s’agit d’un tube au néon qui forme une arabesque moderne sur le plafond de la salle et complète les fameux tableaux avec les coupes (il y en a 3 dans cette même salle, pour moi c'était la première fois, et je vous assure que ne serait-ce que pour ces tableaux, ce musée vaudrait le déplacement!). Fontana était au centre du renouvellement des arts dans les années 1950 à Milan et c’est ici qu’il publie en 1947 son premier Manifesto Spatialiste. Avec cette sculpture qui habite si bien l'espace, toutes ses réflections artistiques et théoriques sont très bien illustrées.

En essayant de trouver la sortie, je me disais qu’on est enfin très heureux de pouvoir se vanter d'un musée d'art contemporain digne de l’histoire de cette ville! (et pas seulement des ses magasins de chaussures !)