LIFEPROOF

Christer Strömholm

Au mois de mars dernier, je suis allé voir l’exposition Post Scriptum présentant les travaux photographiques en noir et blanc de Christer Strömholm, au sein du C/O Berlin. C’était le dernier jour et aussi la dernière fois que je voyais des photos au sein de ce musée renommé et ô combien apprécié de tous les amateurs de photographie moderne et contemporaine. Effectivement, le C/O déménage et rouvrira à la rentrée prochaine, ici : Amerika Haus, Hardenbergstr. 22-24, 10623 Berlin. Après quasiment 7 ans d’activité dans cette vieille poste gardée en l’état, en plein centre de Berlin, il a été décidé que le bâtiment serait vendu à quelque promoteur immobilier. Je ne m’attarderai pas sur le sujet et résumerai la chose comme suis : c’est du GRAND n’importe quoi !

Christer Strömholm "Arles" 1949

Bref, j’en reviens à notre suédois et les présentations s’imposent : Christer Strömholm naquit en 1918 à Stockholm et étudia la peinture à l’académie des arts de Dresden. En 1938, il quitta l’Allemagne pour travailler en tant que coursier au service des Républicains en Espagne et sympathisa avec les anarchistes. Entre 1939 et 1940, il participa à la guerre entre la Finlande et l’Union Soviétique, puis intégra la résistance norvégienne jusqu’à la fin de la Deuxième Guerre mondiale. En 1946, Christer Strömholm étudia aux Beaux-arts de Paris où la photographie devient son médium de prédilection. Plus tard, il fonda la Fotoskolan avec Tor-Ivan Odulf, une école de photographie dont il fût le directeur durant dix ans (1962-1972). En 1981, il participa au Festival d’Arles et gagna la médaille d’or, il obtint le prix Haseblad en 1997 et nous quitta en 2002 à Stockholm.

Voici comment Christer Strömholm envisageait son rapport à la photo : "Working with the photographic image is my way of living. When I think about it and look at my pictures more closely, they are all - each in its own way - nothing but self-portraits, a part of my life."

Lorsque l’on voit la façon qu’il avait d’être proche de son sujet, de le respecter, de gagner sa confiance, d’entrer en empathie, en résonance avec lui, tout en évitant l’intrusion, l’indiscrétion, le voyeurisme, cette définition devient plus claire. Le "Je est un autre" de Rimbaud prend ici tout son sens. Qu’il photographie des enfants qui jouent, l’intimité des couples, des transsexuels, des artistes connus, des personnes défigurées par la guerre, l’idée est que l’on se voit toujours dans le portrait d’autrui. Nous pouvons y reconnaître nos forces et nos faiblesses. Photographie existentialiste ? Peut-être… Subjective ? C’est certain. Ces clichés granuleux, contrastés, graphiques, pris seulement avec la lumière disponible, regorgent d’instantanés tour à tour mélancoliques, heureux, poétiques … qui sonnent familiers malgré l’éloignement. Autrement dit le non-familier contient tout de même une part de familiarité suffisamment grande pour susciter le rapprochement, l’empathie. De la photographie qui rend son contenu sensible, accessible directement, sans concept élaboré à lire pour mieux embrasser ce qui est donné à voir. De la photographie à vivre en prise direct, si l’opportunité vous en est donnée, car en petit, à travers un écran, les sentiments décrits tout au long de cet article passent nettement moins bien. 

Christer Strömholm "Puta de Mallorca" 1959

Ce fût de nouveau une très belle exposition au C/O Berlin, sans trop de monde (bizarrement pour un dernier jour) et où planait une atmosphère tranquille. Sans doute due à la combinaison des multiples  impressions délivrées par le travail de Christer Strömholm, du lieu lui-même et de sa fermeture inéluctable. 

Cyril

"Don't Bend! Ascend!" (by Cyril)

Le 08 novembre j’ai été voir Godspeed You ! Black Emperor, groupe de post-rock canadien, au SO36, Oranienstraße 190, Berlin. C’était la 4ème fois que j’allais les voir en live. Je me rappelle encore clairement des 3 fois précédentes : la première, à Lyon, fût magique et pleine de grâce, la deuxième, à Stuttgart, fût dure, agressive et brute, la troisième, à Nancy, fût sympa mais décevante et molle. Aussi je ne savais pas trop à quoi m’attendre ce soir-là.

Le concert débuta par un long drone, autrement dit une grosse plage de nappes sonores ambiantes, parfois bruitistes. Les images suivirent, car chaque performance de GYBE s’accompagne de projections de films analogiques, le plus souvent en noir et blanc. De grosses textures granuleuses noires/grises ouvrirent le bal. Ça dura une éternité sans être trop compliqué à supporter, mais quand même ça dura. Après bien 10/15 minutes ainsi, le groupe entama le premier morceau de leur nouvel album "Allelujah! Don't Bend! Ascend!" (http://www.youtube.com/watch?v=IEsdiiYkhT8). C’était bien, mais ne provoqua pas grand-chose en moi et le tout se conclut par un riff oriental beau mais pas très surprenant pour ce style musical. Bref, timide mais sympa. Suivit un morceau issu d’un album plus ancien. Il fût exécuté à merveille et la salle commença à se tinter d’une atmosphère printanière, réconfortante et très touchante. Je sentais le tout m’envelopper, les images et le son. Un "hope", comme gravé dans du carton noir, assura la transition entre la première séquence d’images abstraites et la nouvelle plus bucolique avec des champs en fleurs, des bois, etc. Cet espoir que l’on retrouve toujours à un moment donné pendant un live de GYBE, laissa alors place à un morceau massif, cyclique et sombre. Le printemps, l’été laissèrent la place à la fin de l’automne puis à l’hiver, époque de l’année où l’on se tapit sous terre, engourdi, assommé à l’affût des grondements terrestres. La masse sonore poisseuse se répétait et devint ennuyante comme une vie souterraine, privée de couleurs, de lumière. Un nouveau drone s’installa et bourdonna, figeant les choses, puis après plusieurs minutes de cette configuration sonore assommante, la batterie vint battre de grands coups et le groupe reprit sur une note très grave, comme si une suite de sentences tombaient. L’espoir enterré, le temps fût à la tourmente, à l’enfer sur terre, à un Sisyphe qui croulerait davantage encore sous le poids de son rocher. Ça calme et surprend car GYBE ne nous avaient pas vraiment habitué à ce genre de couleurs sonores, pas autant du moins. Les rythmes très posés, nets, suivirent une cadence moyennement élevée. La mise en place fût assez rapide, efficace, la tension maintenue durant un bon moment, mais bizarrement le tout finit par se ratatiner sur soi-même, un peu comme si l’on avait trouvé une force obscure pour se redresser et vivre mais que ça ne devait pas nous transporter bien longtemps. S’ensuivit à nouveau une plage de sonorités abstraites, cette fois-ci plus brève que les précédentes et le thème d’avant fût repris sans relâche. À la fin de celui-ci les instruments rythmiques gardèrent le riff même si la batterie, ainsi que les percussions breakaient pas mal, mais elles assurèrent la continuité, la structure, tandis que les guitares, violons et violoncelles partirent dans des directions opposées qui finirent par se rejoindre pour mieux se fuir à nouveau. On se serait cru en plein mois de mars à la merci des giboulées. La tête dépassait juste des nuages mais le reste du corps restait à la merci des éléments déchaînés, les pieds scellés au sol. Ça fichait le tournis et plutôt que de vous envelopper, la musique climatique de GYBE s’imprimait en vous, vous traversait, vous transperçait. Puis à nouveau une accalmie, une brise qui sentait le soleil mais cette fois avec un relent de mélancolie. Normal ce que l’on pensait être la conclusion habituelle, à savoir une musique douce et rassurante, presque une comptine, céda rapidement la place à un thème dramatique, tel un été de plomb, cuisant, au parfum industriel. Le tout démarra lentement puis à mesure que l’on s’enfonçait dans ce dernier morceau le rythme s’accélérait et devint galopant. On pouvait alors reconnaître un train qui s’emballe et qui finit sa course dans un énorme fracas, ce point d’orgue passé, l’agonie se fit entendre, la plainte du métal durant de longues minutes. 2h, presque 2h30 s’écoulèrent et un large spectre de sentiments, de ressentis m’avait habité comme rarement durant un concert. J’avais l’impression d’avoir participé à une sorte de rétrospective très dense des 12 dernières années. Je ne saurai dire si c’était bien ou pas. Je crois que c’est impossible de résumer aussi simplement ce qui s’est passé ce soir-là. La seule chose que je peux affirmer, c’est que cela faisait un moment que je n’avais plus vécu une telle expérience musicale, un tel concert imbibé de sa propre époque. C’était mon concert de Godspeed You ! Black Emperor et le votre sera certainement différent.

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Infos :

http://fr.wikipedia.org/wiki/Godspeed_You!_Black_Emperor

"Allelujah! Don't Bend! Ascend!" album complet à écouter en streaming : http://www.youtube.com/watch?v=IEsdiiYkhT8

 

Public feelings (by notre spécial guest Cyril)

Pour accéder au NGBK (Neue Gesellschaft für Bildende Kunst) qui est un petit espace d’exposition situé au 25 de l’Oranienstrasse à Berlin, on passe par une librairie d’art. La mise en bouche est déjà appétissante et c’est tout au fond de cette galerie que j’ai vu « The alphabet of feeling bad », une performance d’Ann Cvetkovich filmée par Karin Michalski.

La vidéo dure 13 minutes. Le dispositif est simple : nous sommes face à une chambre où ne se trouve qu’un lit en désordre. Quelques vieilles chaussettes et slips traînent dessus, dessous, à côté. Il est entouré d’une paire de pantoufles, de boîtes de médicaments éventrées, de mouchoirs usagés et d’autres accessoires qui nous font bien comprendre que quelqu’un a passé du temps à ruminer, à se soigner dans cette couche. C’est aussi un clin d’œil à l’œuvre « My Bed » (1998) de Tracy Emin.

Ensuite, Ann Cvetkovich entre en scène, s’assied sur le lit face caméra et commence à égrener l’alphabet de A jusqu’à Z, tandis que le cameraman amorce un lent travelling en arc de cercle, de gauche à droite et inversement. Ce balancement visuel est apaisant et chaque lettre est rattachée à un mot de l’ordre du ressenti: « H is for hope ou encore D is for depression. » Parfois la performeuse explicite d’avantage, formule un sentiment entier de désemparement que l’on peut éprouver au quotidien comme : « having the impression of being stuck at an impasse, of feeling numb or not able to work, of being overwhelmed by demands », etc. Bien entendu l’idée n’est pas d’énumérer simplement les termes liés à un mal-être. Le tout vient s’inscrire dans une tradition issue des années 70 où les sentiments négatifs ne seraient pas le signe d’un échec personnel, d’une faute ou d’une maladie, mais d’avantage considérés comme des « public feelings » ressentis collectivement au sein d’une société néo-libérale aux rapports socioprofessionnels et humains (racisme, homophobie, etc.) complexes. En d’autres termes une dépression, par exemple, n’est pas nécessairement à 100% imputable à soi-même, mais au contraire pourrait être le fruit d’une époque et de son climat social, religieux, économique et politique, un peu comme si nous partagions une grande nappe sous laquelle certains et certaines seraient plus sensibles à son poids, sa texture, ses tâches et ses odeurs. C’est une œuvre qui se veut féministe, queer et qui s’inspire de « Teaching a plant the alphabet » (1972) de John Baldessari, ainsi que de « Semiotics of the kitchen » (1975) de Martha Rosler.

Pourquoi féministe et queer me direz-vous? Et vous auriez bien raison de poser la question, car moi-même je n’ai pas vraiment ressenti une approche de ce genre, hormis la lettre Q réservée au terme queer justement. Et bien tout simplement car Ann Cvetkovich travaille de longue date les questions de trauma et de dépression sous cet angle et pas seulement d’un point de vue théorique. Elle est aussi co-fondatrice de Feel Tank Austin, un groupe qui organise des meetings, des échanges, des manifestations. Des membres du Feel Tank de Chicago ont dirigé « The international parades of the politically depressed », une série de manifestations (2003, 2004, 2007) où les gens défilaient en pyjamas et peignoirs de bain avec pour slogan : « Depressed ? It might be political ! » Le Feel Tank d’Austin a aussi organisé, à l’université de Chicago, une conférence en partenariat avec les groupes Public Feelings de NY et d’Austin, ayant pour titre : « Anxiety, Urgency, Outrage, Hope… A conference on Political feeling ».

En définitive, ce qui m’a surtout frappé après avoir vu cette vidéo c’est qu’on ressort de la projection sans se sentir affligé ou alourdi d’un poids pénible. Cela tient sans doute à la vie, à la pétulance contenues dans le regard d’Ann Cvetkovich, à une mélancolie douce mais loin d’être amère et à l’humour discret mais présent distillé au sein de cette énumération.

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Je me prénomme Cyril, j’ai l’âge du Christ, suis graphiste, j’habite Berlin et adore traîner mes guêtres dans des musées, galeries, salles de concerts, cafés, librairies … mais aussi en forêt, en montagne, au bord d’un lac ou de l’océan. Je suis apparemment l’un des nouveaux chroniqueurs (invité) de ce blog et vous m’en voyez sincèrement ravi. J’espère que vous apprécierez mon style et mes choix d’articles.

Bonne lecture et prenez soin de vous.

Cyril

http://humeurambree.blogspot.com

Matou a la crème* (by notre spécial guest Cyril)

Cela fait une semaine que je suis installé à Berlin et que je ne fais que candidater pour du travail et m’occuper de tâches administratives. Ce n’est pas glamour, mais au moins j’aurai la paix par après et pourrai pleinement profiter de l’envoûtante Berlin.

Mais dimanche dernier je n’avais tout de même pas envie de passer à nouveau toute la journée devant le PC. Le soleil était doux, le vent clément, la lumière réconfortante et les arbres encore verts. Je me suis alors rapidement préparé, puis me suis mis en route pour l’Akademie der Künste, située près de la porte de Brandenburg. Plusieurs vidéos de Douglas Gordon y étaient diffusées. Arrivé sur place, je m’informai à l’accueil et appris qu’un deuxième bout de musée du même nom, situé arrêt Bellevue, renfermait l’objet de ma convoitise. Je rebroussai chemin, heureusement ça n’était pas loin. Arrivé à destination, un beau soleil d’automne enveloppait tout dans ce quartier calme, plein d’arbres encore touffus qui cachaient les immeubles nettement moins charmants. Au guichet, j’appris que l’expo était gratuite. J’aime les petits cadeaux de la vie comme ça.

Hannes Kater. Source: http://drawing-log.tumblr.com/

Bref, je me dirige vers la salle où se trouvent les vidéos de sieur Douglas G, j’entre et suis quasiment seul dans cet espace sombre, rempli de télés qui diffusent en simultané ses différents films. C’est dommage, c’est un peu indigeste, même si le dispositif ne me laisse pas indifférent. L’accumulation, la saturation me submerge sans pour autant m’écœurer. Mais voilà ça ne restera pour moi qu’intéressant et un peu hypnotisant, surtout à cause des charmeurs de serpents à l’œuvre sur certains écrans. Hum, je crois que je n’avais pas tellement la tête à ce type d’art, pas grave je passe à la pièce qui fait face à celle que je quitte et y découvre le travail d’Hannes Kater. Artiste inconnu au bataillon jusqu’à ce fameux dimanche. Je suis pour le coup vraiment seul dans cette salle qui ressemble en partie à un atelier. Les œuvres d’HK longent les mûrs à la manière d’une fresque moderne, mixant couches montées les unes sur les autres, projection de dessins sur transparents et simple prise de son d’un enfant occupé à jouer, à babiller. La bande sonore, bien que très basique, me rappelle quand même the Happiness Project de Charles Spearin (à écouter absolument !). Dans certains coins de la salle sont empilés d’autres bouts d’œuvres et à peu près au centre, pas complètement, se dresse un bureau plutôt humble, sur lequel un écriteau indique que l’artiste ne sera pas présent aujourd’hui… On est dimanche, jour du seigneur pour tout le monde. Je commence à suivre les dessins découpés et disposés par couches. Imaginez un mannequin que l’on aurait démembré et recomposé visuellement dans l’espace, avec entre chaque membre un écart et vous pourrez vous faire une idée du dispositif déployé ici. Plus simplement, vous pouvez aussi regarder cette vidéo : 

Source: http://creative.arte.tv/fr/space/The_Karte/message/18185/Hannes_Kater__Ausgewahlt/

C’est bourré d’icônes, de symboles qui rappellent les illustrations de nos bouquins de biologie, si, si souvenez-vous. Les couleurs retenues pour le cerne sont le rouge, le bleu, le noir, ce qui m’a fait penser à celles des sculptures de Dubuffet. C’est poétique, graphique, ludique, un brin nostalgique, ça nécessite une attention certaine pour déchiffrer un maximum de détails et je suis toujours seul à déambuler… J’aime et j’ai envie de piquer un (plusieurs) souvenir(s), mais je me maîtrise… Ça habillerait pourtant très bien les murs un peu trop dénudés de ma chambre, mais je me maîtrise… j’ai malheureusement été trop bien élevé… soupir. Il y a aussi un grand tableau noir où est écrit, à la craie, le détail de ce qui est exposé, avec un plan de la salle et face à cette grande surface verte/noire se trouve une plus petite, comme un tableau pour dînette ou pour minipouce, chacun répondra de ses préférences plus tard. Il y a aussi des vitrines où sont exposées des photos (noir et blanc), ainsi que des éléments autobiographiques de l’enfance de l’artiste. Ça fonctionne, on est embrassé par son univers et on se remémore soi-même d’anciens clichés de nous enfant. C’est une nostalgie agréable, sans pathos, qui invite au souvenir de notre jeunesse et à penser à celle de nos futurs enfants pour celles et ceux qui n’en sont pas encore là, au parfum de la vie dans ce qu’elle a de plus simple, romantique et réconfortante.

Sortir de ce musée au style architectural des années 50 et rentrer à pieds en suivant la Spree, en traversant Tiergarten, en marchant en plein milieu de l’avenue du 17 juin vidée de sa circulation avec en ligne de mire le Brandenburger Tor et avoir dans son dos die Siegessäule avec le soleil couchant… fût une belle conclusion pour cette exposition et dans le même temps un de ces moments qui reste gravé éternellement.

*Parce que l’anagramme de Hannes est à une lettre près Sahne = crème et parce que Kater veut littéralement dire matou en allemand

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Je me prénomme Cyril, j’ai l’âge du Christ, suis graphiste, j’habite Berlin (et ouais c’est comme ça), je mange bio, suis borderline végétarien et adore traîner mes guêtres dans des musées, galeries, salles de concerts, librairies… mais aussi en forêt, au bord d’un lac ou de l’océan. Ça fait un peu profil meetic, je vous l’accorde. Il ne manque plus que : célibataire avec un corps de rêve, adore cuisiner, aime les enfants et les chiens, recherche femme qui voudra être leur future maman LOL. Ben oui hein sans LOL c’est moins crédible… MDR. Bref, pour faire court je suis apparemment l’un des nouveaux chroniqueurs de ce blog et vous m’en voyez sincèrement ravi. J’espère que vous apprécierez mon style, mes choix d’articles et mon humour. De toutes façons vous n’avez pas le choix, j’y suis, j’y reste ! Mouahaha ! Diabolique… non ?

http://humeurambree.blogspot.com

Bonne lecture et prenez soin de vous.

Peut-on rétablir notre innocence ? (by Stefania)

Fischli/Weiss Image from Visible World 1987 - 2001 © Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zurich © the artists

On est presque en temps de vacances, donc préparez-vous, dès la rentrée, à subir les milliers de clichés de vos copains qui, fiers d'eux-mêmes, vous soumettront leurs photos de vacances en Grèce, à Rome, à New York ou en Thaïlande. Cela vous est-il déjà arrivé ? Le faites-vous aussi quand vous rentrez ? Moi je le fais toujours (mais seulement avec mes parents), tout en sachant combien ça peut être ennuyeux et parfois même pénible.

N'ayant pas de photos de vacances à vous montrer pour le moment, je vous parle ici d'une installation du duo d'artistes Fischli et Weiss (que vous connaissez déjà bien sûr, grâce à un post sur les saucisses et un autre sur la Quadriennale de Düsseldorf) qui m'inspire aujourd'hui une réflexion, à mon avis, intéressante sur les images et le tourisme.

Fischli et Weiss, Visible World, installation 1987-2001

Il s'agit de “Visible World”, un recueil de 3000 clichés exposés sur une table lumineuse et pris entre 1987 et 2001 par les deux artistes. Les photographies montrent des lieux très connus et touristiques, comme le Colisée, les Pyramides, la Tour Eiffel, des paysages tels que la mer des Caraïbes, la jungle, les montagnes suisses, le désert, les couchers de soleil... et des moments ou des endroits pas forcement très intéressants, prises par les artistes pendant 15 ans de voyages autour du monde.

A coté d'images très belles et classiques, on en trouve d'autres bien plus kitsch (des clichés « by night » par exemple), proches de séries photographiques prises dans les années 1970] (vous rappelez-vous de l'Ecole de Düsseldorf?).

Ma réflexion concerne d'abord la vision du monde que nous avons suite au tourisme de masse, à l'invasion d'images par les médias (à partir de la télé, en passant par internet jusqu'aux catalogues des voyages), à la perception du monde à travers la technologie (les photos prises par IPhone, par exemple), qui devient vite globalisée (la même photo de la Tour Eiffel prise par n'importe quel touriste avec toujours le même cadrage, par exemple).

 
Fischli et Weiss, Visible World, installation 1987-2001

Quand j'ai voyagé pour la première fois à New York, j'avais l'impression d'avoir déjà été là-bas, d'avoir déjà tout vu, à travers les images de cinéma, les photographies des magazines (ou des copains), les émissions de télé... Mais, cependant, l'émotion a été forte.

Fischli et Weiss veulent nous montrer cela : quand on se trouve face aux Pyramides, peu importe si nous avons déjà vu mille fois cette image, nous restons la bouche bée face à cette merveille (et nous l'immortalisons avec notre appareil photographique pour, plus tard, la montrer à nos copains), parce que le lieu est magique et puissant.

Ils nous disent que les images sont certes très importantes et influencent notre perception, mais la vie (c'est-à-dire, être présent dans un lieu) l'est encore plus.

Fischli/Weiss Image from Visible World 1987 - 2001

J'oserais ajouter, elles sont aussi dangereuses : grâce à la diffusion massive de la technologie n'importe qui peut prendre un cliché de ces lieux magiques et créer donc une image. Le résultat est une invasion de clichés. Ne risquons-nous pas une overdose d'images et donc une conséquente perte de valeur de ces dernières ?

Ne risquons-nous pas de perdre cette « innocence » dont les artistes parlent dans leur livre « Will Happiness Find Me? » face à ces paysages, comme face au Cervin (qui a été utilisé dans des innombrables publicités, par exemple) ?

Un musée pour Essen (by Stefania)

Vue extérieure du musée Folkwang

C’est bien vrai que quand on habite à 10 minutes d’un musée on finit par ne jamais le visiter en se disant « Mais j’y habite, j’aurai bien sûr le temps d’y aller ! ». Quitte à avoir visité entretemps plein d’autres musées ou galeries à des milliers de kilomètres de distance !

C’est ce qui m’est arrivé en 2009 à Milan. Après avoir vécu pendant 23 ans dans la ville de la Cène de Léonard de Vinci sans jamais la voir, je m’y suis rendue avec deux copains allemands en visite chez moi.

Et c’est ce que je viens de faire ici à Essen, avant de quitter l’Allemagne pour revenir en France : visite au Musée Folkwang, qui se trouve à dix minutes à pied de chez moi et qui a été inauguré début 2010 avec le slogan « Le plus beau musée du monde » (en réalité le slogan remonte à 1933). Pouvais-je donc le rater ?

Le musée Folkwang a été la première institution en Allemagne à montrer les œuvres du Modernisme français (Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Matisse…) et, en effet, encore aujourd’hui il abrite une très belle collection d’œuvres d’art moderne. En particulier un portrait de Van Gogh très saisissant. J’ai été ravie par la couleur du fond, un vert/bleu très profond (qui sur la photo ici ressort plutôt verdâtre).

  
Vincent Van Gogh, Portrait d'Armand Roulin, huile sur toile, 1888 © 2008 Museum Folkwang Essen

L’autre groupe d’œuvres majeures est celui des avantgardes et en particulier l’Expressionnisme allemand, que je me réjouis toujours de rencontrer sur mon chemin. Kirchner, Kokoschka, Macke, Nolde, Marc…. Leurs œuvres témoignent de la vitalité et de la finesse de la culture allemande des premières décennies du XXème siècle. J’imagine ces œuvres confisquées en 1937 en pleine période nazie par la commission pour l’épuration de l’art allemand.

  Ernst Ludwig Kirchner, La tour rouge à Halle, gouache sur toile, 1915 © 2008 Museum Folkwang Essen

Puis on passe à l’art contemporain, dont le musée Folkwang possède aussi une bonne collection, avec des pièces intéressantes, quoique pas vraiment sensationnelles : Simon Sterling, Lothar Baumgarten, Jessica Stockholder, Frank Stella… et évidemment les expositions temporaires. Cette fois, comme je vous l’avais annoncé dans notre dernier diaporama, c’était le tour d’une double exposition de photographie de Jürgen Heinemann et Tobias Zielony

  Jessica Stockholder, Bow Tied in the middle, installation, 1996 © 2008 Museum Folkwang Essen

L’architecture joue aussi un rôle important dans ce musée : après les bombardements en 1945, le musée avait déjà été reconstruit, mais cette nouvelle architecture, très contemporaine, conçue par David Chipperfield et complétée en 2010, marque vraiment une renaissance: au sens contemporain et pour la ville entière. Cette renaissance est liée à la transformation que Essen a connu ces dernières décennies (de ville industrielle et ouvrière en centre culturel de la region), couronnée par la désignation de capitale européenne de la culture l’année dernière.

Le hall d'entrée du musée

Cette constatation me permet aussi de citer les mots du fondateur du musée, Monsieur Karl Ernst Osthaus, pour qui le but du musée était de « créer un centre de vie artistique dans une region industrielle ». En 1902, la region de la Ruhr était connue plus pour la production du charbon et de l’acier que pour la culture et l’art. Aujourd’hui, le musée Folkwang a le même but : faire palpiter la vie artistique de cette ville et garder sous son toit la mémoire de l’art de la région.

 

Plus ou moins la fonction que chaque musée d’art devrait avoir pour son territoire, n’est-ce pas ?