LIFEPROOF

“14h au petit zizi”* (by Cécile)

Photo extraite du film "Chercher le garçon", 2011-2012

Pour une fois, je vais faire concurrence à notre cher Nico et je vais vous parler de cinéma. Récemment je suis allée voir « Chercher le garçon » de Dorothée Sebbagh et j'ai passé un agréable moment en compagnie d’Émilie, illustratrice marseillaise trentenaire en mal d'amour. Donc oui, je veux vous faire partager cela, pas d’un point de vue critique mais parce que ce film a trouvé un écho dans ce que je vois autour de moi.

L'île du Frioul vue depuis Notre Dame de la Garde, printemps 2011, photo: C.R.

Au loin, Frioul, vue depuis Marseille et peut-être même depuis la bonne mère : le décor est planté. À partir de là, on passe un peu plus d'1h avec cette Émilie qui commence par s'inscrire sur un site de rencontre : Meet Me. Et là, vous vous demandez peut-être (moi aussi, pas d’inquiétude à avoir), pourquoi je vous écris sur cela, d’un film, de rencontres (foireuses ou non), de recherche d’amour ou autre. Ce film m’a touchée et m’a fait rire malgré certaines scènes où la vie y semble pathétique et triste mais c’est aussi pour cela que ça a fait écho : la vie, ce n’est pas que du rire… Et j’ai l’impression qu’on en est tous là : chercher ce qui manque que ce soit de l’amour, quelqu’un, de l’amitié, un travail, un lieu, une ambiance, combler un vide, trouver ce que l’on désire, un équilibre, de l’art, ce qui nous intéresse, quelque chose dans lequel se réaliser, etc. Pas très léger tout ça non ? Et plutôt encombrant et / ou douloureux : avoir l’impression de ne pas être conforme à ce qu'on attend de nous... Ce film, plus que de recherche d’amour, parle de rencontres, de rêves, de mondes à découvrir, de destinations (Frioul que je vous conseille vivement !), de hasards, d’acceptations, de lâcher prise, de devenirs possibles, de peurs aussi mais sauter dans le vide et aller où on le désire, ça fait parfois flipper, non ?

Photo extraite du film "Chercher le garçon", scène du rendez-vous au petit zizi, 2011-2012

Au vu du titre et du sujet, on pourrait croire que c’est un film pour filles et… force est de constater que ce n’est pas faux. Mais ce n’est pas uniquement cela. Il parle d’une certaine idée de la quête du bonheur dont on nous bassine les oreilles comme si c’était le Graal : il FAUT être en couple, il FAUT trouver sa bite d’amarrage (qu’elle soit grande ou petite) et s’y (r)accrocher afin de ne surtout PAS être seul(e). J’ai envie de dire « et alors? », ne vaudrait-il pas mieux essayer d’être bien, de profiter de sa/la vie, d’accepter ce qui nous arrive, de vivre tout simplement, arrêter de s’en empêcher et s’abstraire de nos préjugés (surtout ça)… ? Parce qu’au fond notre Émilie jolie-mais-désespérément-flippée-par-les-hasards-des-rencontres-de-la-vie-et-qui-semble-être-une-insatisfaite-chronique entre dans la tournante de ces rendez-vous « Meet Me » qui deviennent un jeu (appréhension, excitation, inconnu, découverte, etc.) puis, progressivement, à force d’accumulations et déceptions, comment ne pas perdre espoir ? Et c’est ce qui lui arrive, elle n’obtient pas ce qu’elle pense désirer, se ferme à la découverte et, en tombant par hasard (un homme s’écroule devant elle : faire du jogging, ça peut être dangereux !) sur quelqu’un qui souffre d’avoir perdu l’amour de sa vie, elle finit par se remettre en question, par se laisser porter au gré des vagues, des rencontres aussi et par jouir de la vie donc…

  

Ce que j’ai regretté mais qui était accessoire : on ne voit pas les illustrations de cette marseillaise-de-35-ans-qui-veut-un-mec-des-enfants-bref-une-vie-normée-en-fait, mais ça, c’est mon côté, j’aime l’art et l’illustration et ça aurait été de pair avec la découverte de l’imaginaire de ce personnage. Mais passons, à voir pour tout ce que je vous ai dit ci-dessus, parce que je connais des hommes (donc pas qu'un film de filles!) qui sont dans la même situation que cette Émilie, parce que ça se passe à Marseille et qu'on la voit différemment que dans « Plus belle la vie » (même si on y retrouve l’une des actrices de la série), pour la mer, pour Frioul, pour tous les lieux que j’y ai découverts (faut vraiment que j’y retourne!) pour la musique (réalisée par le groupe Andromakers) et parce que ça permet de relativiser sa propre vie.

Depuis le 9 mai sur les écrans...

*Heure et lieu d'un des rendez-vous d'Émilie

Mourir sur scène (by Nico)

William Finley dans Phantom of the Paradise

Je sais, cela vous aura échappé, car ces derniers temps vous êtes monopolisés par le farouche combat opposant le lièvre et la tortue (je vous laisse choisir qui est qui), mais la semaine dernière est décédé l'acteur américain William Finley à l'âge de 69 ans. Il est essentiellement connu pour avoir joué le rôle de Winslow Leach dans le film musical culte de Brian De Palma, Phantom of the Paradise (1974).

Brian de Palma a notamment réalisé Scarface (1983), Les Incorruptibles (1987), Le Bûcher des vanités (1990), ou plus récemment le Dahlia Noir (2006), dans lequel William Finley aura effectué une dernière passe, avant de tirer sa révérence. Je n’avais pas vu Phantom of the Paradise avant cette semaine, mais le décès de William, combiné avec une chaude recommandation d’une amie cinéphile bienveillante, m’ont poussé à m’y intéresser.

Phantom of the Paradise une fable délicieusement kitsch qui puise son inspiration dans l’environnement musical édulcoré des années 60 encore si proches, en y injectant la rébellion naissante des années 70. Couteau, bras d’honneur, slam dans un décor acidulé constitué de fruits juteux et de bananes gélifiées, il bénéficie d’une mise en scène grotesque, loufoque et incroyable, mais qui donne pourtant au film un rythme haletant et nous plonge dans un univers poétique et visionnaire. Il fait d’ailleurs bonne figure dans la déferlante d’opéras rock qui aura lieu dans les années 70, avec notamment A Night at the Opera de Queen (1975), Starmania de Michel Berger et Luc Plamondon (1978), ou encore The Wall de Pink Floyd (1979).

On y trouve déjà quelques touches du style très marqué de Brian de Palma, divisant par exemple l’écran en deux scènes simultanées, traitant de deux sujets différents mais pourtant suffisamment bien synchronisés pour qu’on puisse les suivre de concert (Snakes Eyes, 1998). Mais on y observe aussi de manière plus surprenante, de petits ingrédients qui font penser à la provocation britannique et la violence caricaturale d’un Stanley Kubrick (Orange Mécanique, 1971), mais aussi l’exubérance et la fragilité poétique des personnages d’un Terry Gilliam (Brazil, 1985). Et des références d’une variété déconcertante, comme le Fantôme de l’Opéra, la Belle et la Bête, et même Frankenstein.

Mais la principale référence du film reste celle faite au conte populaire de Faust (qui a inspiré la pièce de Goethe), ici incarné en artiste génial qui signe avec son sang un pacte avec le diable pour achever l’œuvre de toute sa vie, et la dédier à son amour en œuvrant dans l’ombre du malin afin d’exploiter son talent, pourtant divin.

Phantom of the Paradise reste une critique acerbe, caricaturale mais aussi visionnaire du show business tel qu’il l’était déjà dans les années 70. Il met aussi en évidence les excès que l’appât du succès et de la célébrité peuvent générer, ce qui en fait finalement un film très actuel.

Enfin la musique, omniprésente, presque premier second rôle en lieu et place de William et Williams, nous fait rebondir de flashbacks en anticipations, sur deux décennies, au moins. Dans Phantom of the Paradise, on trouve une matière curieusement oubliée, et qui pourrait pourtant servir un bon paquet de reprises, voire de remixes. Je sais, pour ceux qui ont vu le film, ce serait pêché, mais je le dis quand même. Avis aux amateurs.

 

The Artist: le silence est d'or (by Nico)

Aaaah l’actualité… si elle n’était pas là, que ferions nous ? De quoi parlerions-nous ? Ne parlerions nous pas du froid glacial qui nous a éprouvé comme jamais? Des présidentielles ? Des sites métallurgiques au bord du naufrage ? Et bien évidemment, de l’une des seules choses qui permettent à la France d’éprouver un peu de fierté en ces temps si durs. Du film The Artist !!
Je ne dérogerai pas à la règle en surfant avec facilité sur l’actualité, faute de pouvoir surfer sur le web et trouver un sujet plus intéressant. Tout comme je l’ai fait récemment en écrivant sur Intouchables, meilleur film de tous les temps à en croire les critiques officielles et officieuses (et pourtant non oscarisé, lui).
Oui, car The Artist, lui, a remporté pas un, pas deux, mais cinq oscars cette année, ce qui constitue un record pour un film français (et aussi trois Golden Globes, sept BAFTAs, six Césars, un Goya mais tout le monde s’en fout). Pour info, trois films détiennent un autre record, celui d’avoir remporté 11 Oscars: Ben-Hur, Titanic et le Seigneur des Anneaux : le retour du roi. Mais ce ne sont pas des films français, donc on s’en balance, le record nous appartient.
La particularité de The Artist est de remettre au goût du jour un genre pourtant dépassé depuis les années 50.  Le scénariste et réalisateur, Michel Hazanavicius, a fait le choix risqué de réaliser un film muet, justement sur ce thème précis de la fin du cinéma muet. Mais, dans les techniques employées et la manière dont le film est réalisé, il a réussi à en faire un film au succès très actuel, tout en lui donnant la lisibilité et l’intelligibilité des films muets de l’époque. Epoque où l’on savait réaliser ce genre de film, puisqu’on ne pouvait faire autrement.
Si je devais donner une opinion personnelle sur The Artist, je dirais que Michel Haznavicius a réussi ce que certains essaient de faire régulièrement en se plantant lamentablement : faire du nouveau avec de l’ancien. Sauf que pour cela il n’a pas choisi une recette déjà testée et réussie par d’autres, mais une recette que personne n’avait imaginé remettre au goût du jour. Toute ressemblance avec un de mes articles passés étant bien sûr purement fortuite.

Mais il a aussi et surtout réussi à mettre en œuvre un plan d’occupation écrasant dans les médias outre manche pendant les semaines qui ont précédé la cérémonie. Stratégie payante qui n’aura clairement laissé aucune chance aux autres concurrents (avec parmi eux Terrence Malick, Martin Scorsese, George Clooney, pour ne citer qu’eux. Excusez du peu). A tel point qu’il aurait été surprenant, à la limite du crime de lèse majesté même, d’entendre dans la bouche des stars remettant les trophées de la cérémonie, autre chose que « The Artist » ou « Djan Dudjardain ».
Bref, tout cela pour dire qu’on peut parler longtemps d’un film sans parler du film en lui-même, ce qui constitue, en soi, une prouesse de la même veine. Faire ce que font les autres, mais en différent.
The Artist, c’est génial, formidable. Allez le voir, putain, merci beaucoup. I love you.

Toucher le point sensible (by Nico)

A la demande générale je ne pouvais échapper à l’écriture d’un article sur LE film que 98,5% français ont vu (et ont aimé, unanimement).
Dire que n’ai pas aimé serait un mensonge hypocrite et snobinard. Dire que j’ai adoré serait un alignement démagogique et condescendant. En général les films sur lesquels j’écris me touchent par la qualité et la technicité de leur mise en images, la capacité du réalisateur à innover et à faire passer de manière indirecte des messages forts et émouvants. Intouchables n’est pas un film technique qui mise sur sa mise en images. Et on ne peut pas dire que le duo Olivier Nakache / Eric Toledano ait brillé, du moins jusqu’à présent, par sa capacité à réaliser des films surprenants et iconoclastes. Mais Intouchables n’en reste pas moins un film émouvant. Mais pourquoi ?
Que pouvais-je écrire sur un film sur lequel tout a déjà été dit et écrit ? Je ne vais donc pas vous dire ce que j’ai aimé dans Intouchables, mais pourquoi je pense que ce film a tant plu aux français.

A l’heure où les français n’ont pour alternative au marasme général que d’aller essayer de se divertir à grand renfort de comédies potaches de piètre qualité réalisées par des « stars » nationales de la même facture telles que Dany Boon ou Eric & Ramzy, ou de s’attendrir le cœur en assistant aux grandes eaux des mauvais petits mouchoirs, Intouchables rafraîchit par la justesse de son ton.
Dans une société qui nous pousse, parfois malgré nous d’ailleurs, de faire prévaloir notre intérêt personnel à celui d’autrui, le film a le mérite de nous ramener sur terre sans pour autant faire appel aux désormais éculées critiques démagogiques du capitalisme moderne. Capitalisme auquel nous contribuons d’ailleurs, un peu chaque jour, à notre échelle.
Sans crever les plafonds de l’émotion (ni du rire d’ailleurs, malgré ce que j’ai pu entendre dire), le film nous plonge dans une émotion qu’il est bon et désormais rare de ressentir, un sentiment de simplicité, d’altruisme, de tolérance et de respect. En quelques mots, la recette du bonheur et même pourquoi pas de l’amour, recette que nous avons si souvent tendance à oublier au profit d’une mauvaise soupe qui réchauffe sur le coup, mais donne mal au ventre une fois le moment de la digestion arrivé.
Il est cependant dommage de réaliser que les français sont obligés d’aller payer 10€ par tête de pipe pour une séance de révision de normalité, et effrayant de se poser une vraie question : si on peut aller prendre une dose concentrée de bienveillance dans une salle fermée et sombre, qu’en restera-t-il en nous quand nous serons de nouveau au grand jour et à l’air libre ? Sommes nous prêts, et suffisamment courageux, pour nous inspirer de cet exemple et changer radicalement de mode de vie et de comportement?
A défaut d’être un film révolutionnaire, Intouchables représente ces quelques grammes de douceur qui font parfois tant de bien dans le monde de brutes que nous sommes.

The Tree of Life: errare humanum est (by Nico)



Terrence Malick un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma américain à la carrière un peu particulière puisqu’en quarante ans il n’aura réalisé que cinq films, tous considérés comme des chefs d’œuvre. Le dernier d’entre eux, The Tree of Life, ira même jusqu’à remporter la Palme d'Or à Cannes en 2011, comme le parachèvement d’une carrière hyper qualitative. Introduit par une citation biblique, conçu comme « une épopée cosmique, un hymne à la vie », il porte une réflexion métaphysique sur la création, la genèse du monde et la vie.

« Où étais-tu quand je fondais la terre? Dis-le, si tu as de l'intelligence. Qui en a fixé les dimensions, le sais-tu? Qui a tendu sur elle le cordeau ? Sur quoi ses bases sont-elles appuyées? Qui en a posé la pierre angulaire, alors que les étoiles du matin éclataient en chants d'allégresse et que tous les fils de Dieu poussaient des cris de joie ? » (Livre de Job, chapitre 38, versets 4,7).

The Tree of Life nous plonge dans l’immensité de la douleur de la perte d’un enfant. Le désert qu’elle laisse derrière elle est à la fois hostile, tumultueux mais aussi immensément vide et angoissant. A l‘image de la terre à sa création, tel un volcan en éruption, la douleur explose et se déverse avant de laisser place à un océan de désolation. Vient s’y rajouter la culpabilité, celle d’un père qui aura fait l’erreur d’élever cet enfant dans la rigueur plus que dans l’amour, puis de regretter de ne lui avoir donné le meilleur, ou à défaut, un peu plus de lui-même.
Le manque voulu de dialogues donne au film un côté extrêmement mystique et contemplatif, et nous met face à l’immensité cosmique de la réflexion profonde et naturelle sur la vie et sa signification. Une lumière mystérieuse jaillissant du néant, s’adressant aux personnages, voire directement au spectateur, interpelle de manière récurrente et semble faire référence au buisson ardent biblique. Elle nous rappelle que le mal peut frapper à tout moment, comme une épée de Damoclès, angoisse qui nous effraie et nous fascine à la fois, comme une attirance que nous éprouvons pour ce qui nous échappe et nous domine.

Devant une telle avalanche d’images, si belles qu’on doute parfois de leur authenticité, on pourra s’interroger sur l’intervention surprenante et intempestive d’images de synthèse semblant plus sorties d’un énième mauvais épisode de la série des Jurassic Park que d’un film d’auteur. Si on saisi leur relation avec le sujet, elles laissent toutefois un mauvais arrière goût dans un film si authentique. Mais on laissera à Terrence Malick le bénéfice du doute et le droit à l’erreur dans un exercice aussi audacieux.
Entre images microscopiques et macroscopiques de notre univers et de notre monde, The Tree of Life met en perspective la vie et tout ce qui la compose face à la puissance brute, l’immensité cosmique et la beauté écrasante de l’univers qui la crée, la porte mais peut aussi l’enlever à tout moment.

 

Drive: quand la voie royale ne conduit nulle part (by Nico)

 

Nicolas Winding Refn est un réalisateur, producteur et acteur danois né le 29 septembre 1970 à Copenhague. En 2011, Nicolas Winding Refn à réalisé son seul film à succès, dénommé Drive. Film que nombreux d’entre vous ont probablement vu et apprécié.

Le succès de Drive est essentiellement dû au fait qu’il a obtenu le Prix de la mise en Scène lors du Festival de Cannes 2011. Gage de qualité me direz-vous ? Peut-être. Certainement un film à voir, en tout cas, car ce genre de distinction n’est en général décernée qu’à des œuvres qui méritent un petit coup d’œil.

Quand j’entendais les critiques mais aussi mes amis parler de Drive, il me semblait entendre toujours les mêmes qualificatifs : « génial », « kitsch », « violent », « film haletant ». Un film qui parle de mafia, avec une bande son des années 80. Bref, tout ce qui pouvait ou avait pu, ces dernières années, plaire à des millions de cinéphiles, moi y compris.

Le démarrage de Drive est indiscutablement fidèle à ce portrait. La première scène, sans pour autant bousiller un brushing, met l’eau à la bouche et procure un grand sentiment d’envie d’en voir plus, amplifié par les promesses faites par les critiques officielles et officieuses.

Le problème de Drive, c’est que la mise en image et l’enchaînement des scènes nous fait nous cramponner à notre siège, mais finalement sans jamais décoller. L’aspect violent du film se résume à trois scènes certes surprenantes et bien filmées, mais trop rares pour justifier un tel label de qualité. Et, comme semblant obéir à une mystérieuse règle, la bande son qui nous offre elle aussi trois sursauts - au grand maximum-  dans l’immensité d’une cacophonie angoissante et permanente qui semble nous prévenir d’un évènement imminent qui, malheureusement, n’arrive jamais.

De la même manière, les personnages restent vides de contenu alors que leurs personnalités mystérieuses et décalées nous donnaient l’impression que la boîte de Pandore allait s’ouvrir fatalement… mais non, en fait. Bref, le film se finit de la même manière qu’il a commencé, sans rien révéler de bon ni de mauvais, sans nous donner l’aperçu ni d’un passé explicatif, ni d’une suite hypothétique.

Nicolas Winding Refn semble avoir surfé – à raison d’ailleurs, vu le succès du film – sur les concepts cinématographiques à succès de ces dix dernières années. Mais pour faire un bon film, il ne suffit pas d’additionner la violence, les voitures, la mafia, la musique des années 80 et le kitsch. Et à trop vouloir réunir dans un seul opus les ingrédients à succès des films de Quentin Tarantino, de Martin Scorsese, ou encore de la série des Fast & Furious et des jeux vidéo Grand Theft Auto, il semble s’être perdu dans une espèce de patchwork fade et dénué d’âme. A l’image de son personnage principal qui, avec son accoutrement ridicule, son cure-dent dans la bouche et son air d’abruti pataud et ebêté, explose finalement une gueule, à défaut de nous exploser à la gueule.

Bref, ce n’est pas parce que certains génies arrivent à faire du génie avec rien, qu’on peut prétendre à devenir un génie, en ne faisant rien.