LIFEPROOF

Il était une fois...

Gretel Weyer, sans titre, encre, acrylique et aquarelle sur papier, 2013. © Gretel Weyer

Il était une fois, dans le monde merveilleux de Gretel Weyer… Cette jeune artiste, diplômée en 2011 de la Haute École des Arts du Rhin de Strasbourg, nous transporte dans un univers qui oscille entre réel et imaginaire. Elle a principalement exposé au Castel Coucou à Forbach en 2010 et travaille depuis fin 2012 avec la galerie Yves Iffrig, qui lui consacre actuellement une exposition personnelle.

Un art conçu pour son prénom, un prénom parfait pour son art. En effet, son prénom semble issu du fameux conte des frères Grimm, Hansel et Gretel. Aurait-elle quelques prédispositions à travailler l'univers des contes ?

Vue de l'exposition Gretel Weyer. © Gretel Weyer

Elle manie le monde de l'enfance, ses jeux et son vocabulaire, et le décline dans un univers qui associe tour à tour ludique et tragique, sordide et merveilleux. Gretel Weyer serait-elle en train de nous donner sa propre version de l'imagerie d'Épinal ?

Dans ses tableaux, des petites filles telles de petits chaperons rouges sont prêtes à se transformer en loup. Une allure sage et discrète, comme pour nous dire « c'est pour mieux te manger mon enfant ». L'atmosphère des toiles devient alors presque inquiétante. Les œuvres expriment une frontière entre deux mondes qui revisite les mythologies enfantines. Je me suis alors posée la question : Pourrais-je être cette petite fille ?

Vue de l'exposition Gretel Weyer. © Gretel Weyer

Son travail est comme une écriture qui se déroule dans un monde où l'invraisemblable est accepté. Au premier coup d’œil, on se croirait effectivement dans une iconographie enfantine, mais en s'approchant un peu plus près, le spectateur fait irruption dans un monde cruel. Il est bien loin le temps de l'île aux enfants. Le travail de Gretel Weyer peut être rapproché de celui de Françoise Petrovitch. En effet, dans ses dessins et peintures, Françoise Petrovitch propose elle aussi un univers ambivalent où l'imagerie enfantine laisse sa place à d'étranges figures aux formes hybrides. Ses toiles traitent de la vie, de l'expérience et notamment du passage de l'enfance à l'âge adulte. Sous l'apparente simplicité du trait, les deux artistes nous projettent dans des histoires inquiétantes. Attention à la pleine lune …

Gretel Weyer, sans titre, 2011 © Gretel Weyer

Gretel Weyer explore cet entre-deux, cet infime passage qui existe entre le réel et l'imaginaire. L'artiste Katia Bourdarel, prend soin elle aussi de mêler merveilleux et réalité, dans des compositions souvent troublées et ambiguës qui détournent l'esthétique des contes de fées. Tout comme dans les propositions plastiques de Gretel Weyer, Katia Bourdarel met en scène des figures essentiellement féminines qui parcourent des mondes à la fois tangibles et abstraits. Où commence le réel et où termine la fiction ?

Sur le sol de la galerie on retrouve des petites billes. Jeu enfantin auquel tout le monde a joué au moins une fois dans sa vie. J'ai eu très envie de jouer. Lentement, les souvenirs remontent à la surface et l'envie de lancer une bille sur une de ses semblables commence à prendre le dessus. En s'approchant, les billes montrent leur vrai visage. Un œil terrifiant nous regarde. D'un seul coup je n'ai plus envie de jouer. Un peu plus loin encore je découvre un jambon en guise de jambe. Si vous vous sentez l'âme anthropophage vous êtes au bon endroit ! Le fantastique s'unit à l'épouvantable, avec toujours une note ironique pour agrémenter le tout. Et même si les thèmes de l'enfance sont ses leitmotivs, Gretel Weyer s'en détache, prend ses distances. Cette prise de recul lui permet de souligner certains aspects de la réalité, ou devrais-je dire de sa réalité. Les peurs et les désirs issus de l'enfance subsistent, transformés par la conscience de l'artiste.

Gretel Weyer, sans titre, 2010. Plâtre peint, table en bois. © Gretel Weyer

Gretel Weyer nous conte des histoires avec beaucoup d'espièglerie. Son art est porté dans la mouvance de ces nombreuses artistes féminines telles Françoise Petrovitch, Katia Bourdarel, Karen Knorr, Kiki Smith ou même Annette Messager, qui mettent en exergue, dans leurs travaux, les contes populaires et les mythologies enfantines. Sous un trait un temps soit peu naïf, le travail plastique de Gretel Weyer nous rappelle que l'enfance n'est pas loin. Toutefois, la cruauté du monde apparaît très clairement, et vient saupoudrer les mythologies enfantines de son doux parfum d'atrocité. C'est ainsi que Gretel Weyer met à mal son innocence, et chemine entre terrains connus et terres inconnues.

Anaïs

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Exposition Gretel Weyer à la galerie Yves Iffrig

Du 5 avril au 11 mai

6, rue des Charpentiers

Strasbourg

Ouvert du jeudi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

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Anaïs Roesz, née en 1989 dans la bourgade strasbourgeoise est actuellement étudiante en Master professionnel critique-essais à l’université de Strasbourg. Issue d’un milieu artistique, c’est tout naturellement que ses envies se sont tournées vers l’art contemporain.
Depuis 2011, elle multiplie les expériences et les rencontres dans le milieu culturel
Conjointement à ces différentes activités, et de son statut d’étudiante, Anaïs Roesz travaille depuis septembre 2012 comme monitrice vacataire à la bibliothèque des arts de l’université de Strasbourg. Elle aime tout particulièrement écrire et faire partager son amour de l'art, et pour le plaisir elle tente d'écrire des textes de fiction.

Uzeda : du Tertre aux étoiles…

L'énergie perceptible d'Uzeda, même sur les pires photos...

Malgré une situation budgétaire catastrophique, l'université de Nantes ne renonce pas à faire vivre le campus le soir. La Fac organise régulièrement des concerts au Pôle Étudiant. Si le nom de ce lieu n'a rien d'idéal pour débuter un article destiné à paraître sur un blog arty, reste tout de même que le Pôle Étudiant secoue efficacement le secteur du Tertre. La nuit venue, les tables de la cafète sont agglutinées contre les murs ; le bar ne limite plus sa carte au seul jus de pomme. Pour preuve ce 13 mars 2013, de 20 heures à minuit, car la bière y a coulé à flots lors d'une mémorable soirée noise & poetry.

En première partie, les Nantais de Chausse-Trappe se sont chargés de nous faire prendre l'altitude nécessaire, en livrant un set instrumental bien bâti. Déstabilisant, cathartique, le quatuor frôle la transe. Ils entremêlent, autour des rythmes ummagummesques du batteur, les sonorités d'une basse + une guitare et un violon reliés à un délire de pédales. Ils ouvrent généreusement la porte à Uzeda, vénérable groupe italien.

C'est alors qu'une femme cachée sous une épaisse tignasse bouclée se dirige vers le micro. Quatre gaillards poivre et sel se hissent sur scène. Une bonne minute s'écoule. La grande ourse relève sa frange immense et ondulée, nous jette un œil et un « hello » étonnamment chaleureux. Derrière elle, ils retiennent leur souffle 2-3 secondes. Et c'est parti. Débute 1h30 d'une expérience musicale inouïe. Vissée derrière le micro, Giovanna Cacciola se soucie de mélodie. Mais en demi-sœur inespérée de Kim Gordon, elle appuie plusieurs titres sur des rugissements qui parlent autant que les mots. Son chant surgit sous les strates d'un lamento ultra naïf voire d'une sorte de pop dévoyée et impatiente. Lorsqu'elle assène « I've Never Been So Wild » comment savoir si s'exprime là un regret ? Une fierté ? Cette incertitude ouvre de puissants horizons à la poésie d'Uzeda. À la guitare, Tillota déconstruit les rifts avec acharnement et amour de la noise. Son jeu hyper physique contrebalance idéalement le côté « intello new-yorkais » de certains passages.

Durant le concert, le stand du groupe doit faire face à une razzia qui n'a pas été prévue. Les quelques exemplaires de Stella, leur dernier opus sorti en 2006 chez Touch And Go, trouvent vite preneur. Le public arrache un rappel, « grazie » souffle Cacciola dans le micro. La soirée s'achève en communion, sans déluge sonore. Le public cède un peu plus à l'enchantement.

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Cyril P.

Diplômé en esthétique cinématographique et en sciences politiques, Cyril vit entre Nantes et Strasbourg. Journaliste dans le domaine culturel, il est aussi metteur en scène et concepteur sonore à ses meilleures heures.

Chocolat du jour: Sophie Zénon (by notre spéciale guest Isabelle Soraru)

Durant trois siècles, de 1599 à 1920, les Siciliens ont confié aux moines capucins les corps de leurs défunts et, aujourd’hui, les catacombes de Palerme abritent quelques 8000 momies. A l’origine, ces catacombes étaient destinées uniquement aux moines mais, au fil du temps, la pratique s’est répandue et l’ensemble de l’aristocratie palermitaine se fit embaumer par les capucins. Les momies sont classées par catégories, et vêtues comme de leur vivant. Hommes, femmes, enfants, prêtres ; habits sacerdotaux ou habits d’apparat : au-delà de la mort, les catégories, y compris sociales, ont encore cours dans les catacombes de Palerme.

Sophie Zénon, Capucin 5, 2008, Couvent des Capucins, Palerme, 120 x 80 cm

Sophie Zenon a photographié ces momies dans le cadre d’un cycle sur la représentation du corps après la mort en Occident, intitulé In case we die. Historienne et ethnologue de formation, Sophie Zenon interroge, via ces photographies, « ce paradoxe où parler de la mort – la vraie – nous est interdit, alors que la mort qui nous est extérieure est omniprésente. »

Bien loin de cultiver un regard morbide, le travail de Sophie Zénon s’inscrit dans la lignée des vanités baroques chères au 17^è siècle qui, comme celles de Philippe de Champaigne ou de Georges de La Tour, invitent à méditer sur le caractère fugace de la vie humaine et de ses plaisirs. Si la référence à la peinture est permanente dans ce travail de Sophie Zénon – on pensera aussi, pêle-mêle, au Saint François en extase de Zurbaran ou encore, plus proche, à la série des papes de Bacon – les momies de In case we die sont aussi une réflexion sur l’essence de la photographie. A ses origines en effet, elle fut soupçonnée de « capter » l’âme des vivants, mais elle était aussi bien un moyen de préserver la mémoire des défunts au-delà de leur disparition : à la fin du 19^e siècle, la pratique de la photographie funéraire était bien développée et il était courant de conserver une photographie des proches sur leur lit de mort ou dans leur cercueil.

Sophie Zénon, Capucin 1, 2008, Couvent des Capucins, Palerme, 120 x 80 cm

Jouant sur le flou et le net de manière très picturale, et avec un tremblement de l’image qui redonne paradoxalement une forme de vie à ces momies que le temps a figé, le cycle In case we die nous interpelle par sa beauté mélancolique et tragique. Sophie Zénon offre ainsi un regard profondément humain sur ces corps, en se confrontant à « ces êtres qui ont eu une vie, qui se sont attablés, qui ont caressé des corps, qui en ont peut-être anéantis d’autre ». Plus qu’un travail d’ordre esthétique, il s’agit aussi d’une méditation sur la hantise, sur la mémoire et sur ce que l’image est capable d’en saisir : une méditation, en somme, sur la manière dont la photographie peut faire œuvre de survivance.

Sophie Zénon, Capucin 3, 2008, Couvent des Capucins, Palerme, 120 x 80 cm

http://www.sophiezenon.fr/

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Isabelle Soraru s’intéresse aux rapports entre la littérature et les arts, et notamment entre la photographie et la littérature. Elle a consacré un blog de cours ainsi qu’un carnet de recherche sur ces questions (http://litterature2point0.blogspot.fr/) et a coordonné un ouvrage collectif paru récemment, intitulé Dire la musique, à la limite.

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Les fêtes de fin d'année sont l'occasion de faire la fête, de se retrouver en famille ou de se pelotonner chez soi et dans certains cas de faire des réserves pour hiberner pendant l'hiver ! Pour se faire : marrons, pain d'épices et vin chaud au menu mais aussi chocolats. En ce mois de décembre, lifeproof s'ouvre et invite d'autres auteurs pour vous faire découvrir un artiste tous les jours : bonnes gourmandises à tous !

Chocolat du jour: David Altmejd (by notre spécial guest Thomas W.)

Un corps démesuré adossé au mur, assis, le bras reposant sur le genou, dans une position marquant le repos, ainsi se présente le Géant de David Altmejd. Présenté pour la première fois en 2007 pour l’exposition The Index au Pavillon canadien de la Biennale de Venise 2007, The Giant 2 est une sculpture imposante.

David Altmejd, The Giant 2, 2007. © David Almejd

Le corps nu est éventré ; la tête, le torse, les cuisses, les bras du Géant sont percés, troués, formant ainsi de larges cavités dans lesquelles viennent se glisser toutes sortes d’animaux et objets. Ces plaies béantes laissent entrevoir la structure interne du colosse. À la surface persistent encore des morceaux de peau et de poils mais l’intérieur n’est plus tout à fait humain, de la mousse et des plantes envahissent les cavités, des miroirs émergent de ses membres qui, à certains endroits, semblent se cristalliser. Des animaux – oiseaux et écureuils naturalisés – viennent nicher dans ce corps devenu habitat, biotope improbable faisant perdurer la vie par delà le repos mortuaire du héros.

La chair ne se désagrège pas, elle ne pourrit pas, elle se cristallise et fait entrer le corps dans une nouvelle temporalité, celle du mythe, de la rémanence, qui survient à la mort du héros et qui l’inscrit dans un perpétuel renouveau (Aion).

David Altmejd, The Index, Pavillon canadien de la Biennale de Venise, 2007. © David Almejd

David Altmejd développe un travail qui fait souvent référence à l’histoire de l’art et à la littérature, et où l’on retrouve certaines thématiques récurrentes : l’évolution de la figure humaine, ses transformations et la place qu’occupe l’être à l’époque des manipulations génétiques et des modifications du vivant.

Pour The Index, cette évolution de la figure humaine, l’hybridation du naturel et du technologique n’amènent pourtant pas Altmejd à la représentation d’un homme cybernétique – un robot abritant une âme –, elles le conduisent bien plus vers une épiphanie de l’« homme nature », vers la représentation d’un « être » (homme) inscrit dans un tout et dont la lente obsolescence mène à la résurgence de son animalité.

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Thomas W. s’intéresse aux « images » quel que soit leur lieu d’apparition (arts visuels, littérature, politique etc.) autant qu’a leur mode de fabrication. Après des études d’art plastique et d’histoire de l’art, il fait un détour par Montréal puis revient en France et travaille actuellement au Fonds régional d’art contemporain d’Alsace. Il est par ailleurs rédacteur pour le magazine franco-allemand Artline.

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Les fêtes de fin d'année sont l'occasion de faire la fête, de se retrouver en famille ou de se pelotonner chez soi et dans certains cas de faire des réserves pour hiberner pendant l'hiver ! Pour se faire : marrons, pain d'épices et vin chaud au menu mais aussi chocolats. En ce mois de décembre, lifeproof s'ouvre et invite d'autres auteurs pour vous faire découvrir un artiste tous les jours : bonnes gourmandises à tous !

Chocolat du jour: Carole Douillard (by notre spécial guest Cyril P)

Carole Douillard. © DR

Carole Douillard est une artiste nantaise que vous auriez pu croiser durant le festival Strasbourg Nouvelles Danse 2012. Elle y présentait une performance avec le chorégraphe Loïc Touzé dans les locaux du Frac Alsace. C'est à cette occasion que nous avons échangé quelques mots, faisant grâce à ceux qui l'écoutaient d'une énième opération de com' à laquelle tous ceux qui gravitaient autour du bar du festival se livraient ce soir-là pour défendre leur travail. C'est sans doute ce qui fait qu'à chaque fois que je l'ai revue les jours suivants, il était possible de se souvenir d'un échange. Carole ne se définit pas par son œuvre, Carole crée du lien. Voici donc son art : la constitution d'une œuvre fondée sur le rapport à l'autre.

Carole Douillard. © DR

Issue des Beaux-Arts de Nantes, Carole a développé une pratique performative qui interroge sans cesse les liens sociaux et leur capacité/incapacité à s'étendre - à perdurer, principalement - dans l'espace public. Opérant de manière intuitive, tentée par le minimalisme, Carole joue avec l'oppression du regard, avec la sensation de l'attente sociale. Vous pourriez la croiser à Bruxelles en avril prochain pour découvrir une de ses performances lors de l'édition 2013 d'Art Bruxelles. Cette hyperactive fan des Ramones et de toute musique qui s'écoute très fort n'a de cesse de blinder son agenda. Elle interviendra jusqu'en juin prochain au sein de la Coopérative de recherche de l'Ecole supérieure d'art de Clermont Métropole ; sollicitée pour une étude relative à "l'artiste entrepreneur", elle y développera des actions visant à remettre à plat les objectifs de réussite scolaire et à insuffler une productivité subversive là où le fonctionnement pédagogique favorise "ce qui marche". Mais, ces temps-ci, vous auriez plus de chance de la croiser à Athènes. Carole y a établi ses quartiers temporaires ; elle est associée à un groupe de travail artistique dénommé AUTOUR DE LA TABLE. Après Istanbul, Nantes et Berlin, cette équipe menée par Anne Kerzerho et Loïc Touzé crée des espaces de rencontres et d'échanges dans les rues de la ville. "Le processus fonctionne à l'économie zéro, explique Carole Douillard, afin de stimuler la mobilisation de réseaux dont les habitants n'ont parfois pas conscience". En peu de temps, grâce au bouche à oreille, aux complicités professionnelles ou amicales, les espaces publics sont investis de manière désintéressée. "Sans autre enjeu que la rencontre, la prise de parole des citoyens redevient nécessaire" souligne Carole. Mille témoignages d'expériences se transmettent lors de temps collectifs évitant le tapage consumériste des grand-messes artistiques : tout se passe à l'échelle de simples tables. Un format qui convient complètement à la façon dont Carole aborde le champ artistique. "Cette simplicité est productrice de sens, ajoute-t-elle, et artistiquement cela remet en question les partis-pris de la performance. Je milite pour des principes d'action qui suspendent la réalité, qui offre une alternative à la recherche d'efficacité. Je vise l'a-formance." 

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Diplômé en esthétique cinématographique et en sciences politiques, Cyril vit entre Nantes et Strasbourg. Journaliste dans le domaine culturel, il est aussi metteur en scène et concepteur sonore à ses meilleures heures.

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Les fêtes de fin d'année sont l'occasion de faire la fête, de se retrouver en famille ou de se pelotonner chez soi et dans certains cas de faire des réserves pour hiberner pendant l'hiver ! Pour se faire : marrons, pain d'épices et vin chaud au menu mais aussi chocolats. En ce mois de décembre, lifeproof s'ouvre et invite d'autres auteurs pour vous faire découvrir un artiste tous les jours : bonnes gourmandises à tous !

Public feelings (by notre spécial guest Cyril)

Pour accéder au NGBK (Neue Gesellschaft für Bildende Kunst) qui est un petit espace d’exposition situé au 25 de l’Oranienstrasse à Berlin, on passe par une librairie d’art. La mise en bouche est déjà appétissante et c’est tout au fond de cette galerie que j’ai vu « The alphabet of feeling bad », une performance d’Ann Cvetkovich filmée par Karin Michalski.

La vidéo dure 13 minutes. Le dispositif est simple : nous sommes face à une chambre où ne se trouve qu’un lit en désordre. Quelques vieilles chaussettes et slips traînent dessus, dessous, à côté. Il est entouré d’une paire de pantoufles, de boîtes de médicaments éventrées, de mouchoirs usagés et d’autres accessoires qui nous font bien comprendre que quelqu’un a passé du temps à ruminer, à se soigner dans cette couche. C’est aussi un clin d’œil à l’œuvre « My Bed » (1998) de Tracy Emin.

Ensuite, Ann Cvetkovich entre en scène, s’assied sur le lit face caméra et commence à égrener l’alphabet de A jusqu’à Z, tandis que le cameraman amorce un lent travelling en arc de cercle, de gauche à droite et inversement. Ce balancement visuel est apaisant et chaque lettre est rattachée à un mot de l’ordre du ressenti: « H is for hope ou encore D is for depression. » Parfois la performeuse explicite d’avantage, formule un sentiment entier de désemparement que l’on peut éprouver au quotidien comme : « having the impression of being stuck at an impasse, of feeling numb or not able to work, of being overwhelmed by demands », etc. Bien entendu l’idée n’est pas d’énumérer simplement les termes liés à un mal-être. Le tout vient s’inscrire dans une tradition issue des années 70 où les sentiments négatifs ne seraient pas le signe d’un échec personnel, d’une faute ou d’une maladie, mais d’avantage considérés comme des « public feelings » ressentis collectivement au sein d’une société néo-libérale aux rapports socioprofessionnels et humains (racisme, homophobie, etc.) complexes. En d’autres termes une dépression, par exemple, n’est pas nécessairement à 100% imputable à soi-même, mais au contraire pourrait être le fruit d’une époque et de son climat social, religieux, économique et politique, un peu comme si nous partagions une grande nappe sous laquelle certains et certaines seraient plus sensibles à son poids, sa texture, ses tâches et ses odeurs. C’est une œuvre qui se veut féministe, queer et qui s’inspire de « Teaching a plant the alphabet » (1972) de John Baldessari, ainsi que de « Semiotics of the kitchen » (1975) de Martha Rosler.

Pourquoi féministe et queer me direz-vous? Et vous auriez bien raison de poser la question, car moi-même je n’ai pas vraiment ressenti une approche de ce genre, hormis la lettre Q réservée au terme queer justement. Et bien tout simplement car Ann Cvetkovich travaille de longue date les questions de trauma et de dépression sous cet angle et pas seulement d’un point de vue théorique. Elle est aussi co-fondatrice de Feel Tank Austin, un groupe qui organise des meetings, des échanges, des manifestations. Des membres du Feel Tank de Chicago ont dirigé « The international parades of the politically depressed », une série de manifestations (2003, 2004, 2007) où les gens défilaient en pyjamas et peignoirs de bain avec pour slogan : « Depressed ? It might be political ! » Le Feel Tank d’Austin a aussi organisé, à l’université de Chicago, une conférence en partenariat avec les groupes Public Feelings de NY et d’Austin, ayant pour titre : « Anxiety, Urgency, Outrage, Hope… A conference on Political feeling ».

En définitive, ce qui m’a surtout frappé après avoir vu cette vidéo c’est qu’on ressort de la projection sans se sentir affligé ou alourdi d’un poids pénible. Cela tient sans doute à la vie, à la pétulance contenues dans le regard d’Ann Cvetkovich, à une mélancolie douce mais loin d’être amère et à l’humour discret mais présent distillé au sein de cette énumération.

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Je me prénomme Cyril, j’ai l’âge du Christ, suis graphiste, j’habite Berlin et adore traîner mes guêtres dans des musées, galeries, salles de concerts, cafés, librairies … mais aussi en forêt, en montagne, au bord d’un lac ou de l’océan. Je suis apparemment l’un des nouveaux chroniqueurs (invité) de ce blog et vous m’en voyez sincèrement ravi. J’espère que vous apprécierez mon style et mes choix d’articles.

Bonne lecture et prenez soin de vous.

Cyril

http://humeurambree.blogspot.com