LIFEPROOF

L’art des non photographes

Claude Lévêque, Un instant de rêve, 2013, Courtesy de l’artiste et Kamel Mennour, Paris

Le point commun aux cinq expositions qui viennent de s’ouvrir à la Maison Européenne de la photographie est justement qu’il ne s’agit pas de photographie pur jus. Les artistes choisis utilisent la photographie pour enregistrer leur quotidien (Claude Lévêque), capturer les grands et petits personnages du monde de l’art (André Morain). D’autres, tel que Philippe Favier, détournent les images capturées qui deviennent support mais non œuvre tout comme Atsunobu Kohira qui propose une installation autant visuelle que sonore. Gustavo Speridiao s’intéresse davantage à la photographie historique qu’esthétique et les trois artistes regroupés dans l’exposition thématique « images et musique » permettent surtout aux visiteurs de découvrir une œuvre musicale et un compositeur grâce à l’image et non l’inverse.

L’intérêt premier d’un tel rassemblement devient par conséquent sociologique ce qui est tout à fait pertinent à une époque où la photographie est utilisée par tous à tout moment.

Le troisième étage regroupe les innombrables images du plasticien Claude Lévêque. Elles m’ont beaucoup plu et même touché car, connaissant son travail, j’y ai vu ses diverses inspirations. J’ai également reconnu ses thèmes de prédilection et je dirai même sa façon de regarder le monde faite de poésie et parfois de trash. Le travail de monstration de ces « vues du monde » est parfaitement dosé. Une judicieuse sélection a été opérée pour le plus grand plaisir du public, est ainsi évité le défilement d’images ad nauseum. De plus, le dispositif est composé de petites projections donnant une ambiance assez intime qui colle parfaitement avec ces images. Un instant de rêve, le titre de cette exposition monographique, ne me semble pas être une antiphrase comme le prétend le commissaire Michel Nuridsany, mais plutôt un reflet de la vie ni trop embellie ni trop enlaidie. Une vision assez juste finalement. Bourdieu parlait de la photographie amateur, qui s’est développée dans les années 1960, comme d’un art moyen. Nous n’en sommes ici pas très loin cependant il n’y a pas là matière à débat car l’artiste ne se revendique nullement photographe et ses images sont présentées pour ce qu’elles sont. Des clichés sans valeur particulière prises tous les jours sans volonté esthétique, le but est d’avoir une sorte d’aide mémoire pour l’élaboration de ses œuvres. Ces photographies participent donc au processus créatif de l’artiste, c’est un matériau pour son art. N’oublions pas que si le regardeur fait l’œuvre, célèbre formule de Marcel Duchamp, la volonté de l’artiste est encore plus importante pour le statut des œuvres créées.

Autre étage, autre regard. Celui d’André Morain est aussi lié à la mémoire car sa volonté affichée est de mettre en avant ces hommes et ces femmes qui œuvrent dans le monde de l’art. Artistes, institutionnels, galeristes, ce microcosme parisien souvent détesté car jalousé, est ici photographié avec beaucoup d’empathie. Je dois moi-même sûrement vieillir car peu de visages m’étaient étrangers. Un vieux monsieur, habitué des vernissages et parlant fort, disait reconnaitre tous ses amis et critiquait gentiment l’embourgeoisement des artistes. André Morain est comparé à Cartier-Bresson, je n’irais pas juste là, il manque ici un peu de mordant et là quelque impertinence. Il n’empêche que c’est très plaisant d’observer tout ce beau monde, on ne se sent pas dans la peau d’un voyeur parce que justement André Morain ne prends pas ses sujets au piège. Laissez-vous tenter par la curiosité et la bienveillance d’un monde qui en a si peu, regardez Jean Nouvel avant sa calvitie avec Andrée Putman toujours aussi souriante et Pierre Restany happé par l’Origine du Monde de Courbet. Celle qu’il ne faut absolument pas manquer, c’est Iris Clert de dos dans une ruelle, qu’on qualifierait aujourd’hui d’insalubre, portant les allumettes géantes de Raymond Hains. Serait-ce une métaphore du monde de l’art ?

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Maison Européenne de la photographie

5-7 rue de Fourcy Paris 75004

M° Saint Paul

Claude Lévêque, Un instant de rêve

Gustavo Speridiao, Géométrie. Montage. Equilibrage

André Morain, Photographies 1961-2012

Images et Musique, une collection d’Actes Sud

Atsunobu Kohira, Ouverture de Bombyx Mori

Stéphane Hette, Art of butterfly (vitrine de la MEP)

Toutes les expositions se tiennent jusqu’au 16 juin.

Christelle

Avant-première : FRAC en fête !

Thibaut Chapotot / MCC Le 1er février, Aurélie Filippetti a présenté Les Pléiades

On se croirait en vacances, tout cela sent l’été à plein nez. Imaginez-vous, au mois d’août sur les routes de France, le curieux que vous êtes laisse la chaleur le guider vers des expositions à découvrir.

Vous savez celles qu’on ne prend le temps d’aller voir que pendant la période estivale. Hé bien l’été de l’année 2013 regorgera d’expositions d’art contemporain par le biais des FRAC qui célèbrent cette année leurs 30 ans ! L’annonce de cet événement a été faite en grandes pompes dans les salons du ministère de la culture et de la communication par la ministre en personne. Entre les rideaux type château de Versailles et les dorures on en oublierait presque la République qui vacille sous les coupes budgétaires. Mais festoyons donc sur les vestiges de la seule politique vraiment culturelle menée en France, celles des années 1980. D’ailleurs Jacques Lang était présent et personne ne manqua de le remercier. Ne boudons pas pour autant notre plaisir pour autant car ces lieux sont bel et bien vivants et constituent notre patrimoine contemporain. Grâce aux FRAC, le drame du legs Caillebotte n’aura cette fois pas lieu, les chefs d’œuvres du présent ne devraient pas nous passer sous le nez.

À partir du mois d’avril, les FRAC nous proposent tout un panel d’expositions et d’initiatives nommées Les pléiades. L’idée de départ est très bonne, inviter des artistes à fouiller dans les réserves de chaque FRAC pour en tirer la quintessence de l’art contemporain des trente dernières années. Pour avoir visitée quelques réserves de FRAC, je pense que cela n’a pas toujours dû être une partie de plaisir et dans le même temps je crois que l’on doit aussi se sentir tel un enfant ayant trouvé une malle de costumes anciens dans un grenier. Un trésor, voilà ce qui a été mis entre les mains de cette vingtaine d’artistes.

L’ouverture de ces différentes expositions étant prévue pour avril, je ne peux donc pas vous en parler mais il me semblait nécessaire de vous informer de l’existence d’un tel anniversaire qui aura l’avantage de ne pas être cantonné à la capitale. J’espère avoir la chance, et le temps, de visiter certaines de ces expositions et de vous en faire mon petit commentaire ! Notez également qu’à partir de septembre aux Abattoirs de Toulouse, autre nom du FRAC Midi-Pyrénées, sera présentée une sorte de synthèse des expositions de tous les FRAC. Quel défi !

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23 Invitations à des créateurs en région

Avril-Décembre 2013 dans tous les FRAC

Expositions collective aux Abattoirs – FRAC Midi-Pyrénées

28 septembre- 5 janvier 2014

Christelle.

Thibaut Chapotot / MCC Le 1er février, Aurélie Filippetti a présenté Les Pléiades

Soto – chouchou

Vue de l'exposition "Soto" au Centre Pompidou.Premier plan: Cube bleu interne, 1976. Au second plan: Cube pénétrable, 1996. © Coll. Centre Pompidou. Photo: CR.

Il y a quelques années, j’ai travaillé à la mise en place d’une exposition autour de l’art optique et cinétique et j’avais failli rencontrer Jesús-Rafael Soto mais il était décédé quelques mois avant l’ouverture de l’exposition. J’ai, par contre eu la chance de rencontrer la papesse de l’art cinétique, décédée en juillet dernier : Denise René, petite bonne femme touchante de plus de 90 balais perchée sur talons aiguilles. Cette dernière, j’avais déjeuné avec elle et à ce moment-là elle m’avait dit que, dans les années 1960-1970, si j’étais venue à l’un de ses vernissages, Soto et toute la clique d’artistes cinétiques m’auraient sans doute courtisé (façon polie), flattée. Ainsi, il y a dix ans je découvrais les œuvres des artistes cinétiques et j’apprenais à les aimer. C’est donc en public captif, captivé que je suis allée visiter l’exposition Soto qui a lieu au Centre Pompidou jusqu’au 20 mai 2013 : retour sur ce qui a ressemblé à un pèlerinage…

Jesús Rafael Soto, Cuadrado tabaco y vibracion, 2004, peinture acrylique sur bois et métal, dation en 2011 © Coll. Centre Pompidou.

Samedi ensoleillé à Paris, cheville bloquée par une entorse : bon ben direction le Centre Pompidou et l’exposition Soto malgré cela. Cette dernière est constituée des œuvres acquises par dation par le Centre Pompidou à la suite du décès de l’artiste : il s’agit de près une trentaine d’œuvres représentatives du travail de cet artiste vénézuélien. Né en 1923 en Bolivie, il s'installe à Paris en 1950 où il assiste à des conférences autour de l'art abstrait et participe à l'exposition intitulée Le Mouvement à la galerie Denise René : là il va rencontrer les artistes qui vont faire de l'art cinétique un courant artistique qui a marqué toute la société de l'époque que ce soit la déco, la mode ou le cinéma. Le principe de l'art optique ou Op'Art est d'inclure du mouvement dans une œuvre en deux dimensions, d'en donner l'illusion. Jesús-Rafael Soto était devenu maître dans l'art de troubler le regard et lui faire croire que le mouvement est là.

Soto, Cube pénétrable, 1996. Vue depuis l'intérieur du pénétrable.© Coll. Centre Pompidou. Photo: CR.

Les œuvres peuvent être difficiles à regarder, on n'a pas l'habitude d'avoir le regard si sollicité et perturbé par les éléments et modifications qui viennent créer l'illusion de mouvement. Mais c'est magique aussi : Soto, tout au long de sa vie, a réalisé des œuvres de toutes dimensions, des petits mais aussi des installations monumentales. Au centre Pompidou, dans l'espace des collections au quatrième étage, vous pourrez découvrir quasi une trentaine d’œuvres représentatives du travail de Soto ; du petit tableau qui fait mal aux yeux quand on le regarde longtemps au Pénétrable, installation dans laquelle, comme son nom l'indique on peut entrer et s'immerger autant dans la matière que dans la couleur et voir le monde qui nous entoure autrement. Il est en perpétuel mouvement, des tiges perturbent la vision de ce que l'on peut voir et discerner, on est dans l’œuvre, on en fait partie et elle n'existe que si l'on y entre. Expérience à faire, n'hésitez pas, c'est magique!

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Soto. Collection du Centre Georges Pompidou, Mnam/Cci

Expositions

27 février 2013 - 20 mai 2013

de 11h00 à 21h00

Musée - Niveau 4 - Galerie du Musée - Centre Pompidou, Paris

Fermé le mardi

Cécile

Les corps s'emballent : fin d'hypocrisie avec Antoine d'Agata

Il est des expositions qui sont de véritables claques tellement elles sont intenses : c'est le cas d'« Antoine d'Agata - Anticorps » qui a lieu en ce moment au Bal. Ce lieu dédié à l’image-document, j'y avais déjà été avec Christelle-Lifeproof, il y a un an pour un brunch absolument formidable. Cette fois, j'y suis allée pour une exposition qui m'avait interpellée : beaucoup d'articles ont été écrits dessus et je voulais donc me faire ma propre opinion (scepticisme quand tu nous tiens)...

Vue de l'exposition ANTICORPS © Pascal Martinez

Première salle, au rez-de-chaussée du Bal : des murs blancs, un sol gris. Dessus, sont disposés sur des palettes des groupes de quatre affiches empilées : des corps, des textes chacun nous interpellant. On peut y lire notamment : « n'est valide qu'un art nuisible, subversif, asocial, athéiste, érotique et immoral, antidote à l'infection spectaculaire qui neutralise les esprits et distille la mort » ou encore « les seuls points de repère sont quelques images rescapées », etc. Sur le mur du fond est projetée une vidéo. Là pas d'images, pas de figures, personne n'apparaît, seul les sous-titres des voix que l'on entend dans l'espace. Ces voix de femmes racontent leurs vies. Il y est question de mort, de violence, de sexe, de cette petite mort que l'on recherche dans le sexe, de l'oubli qu'il peut y avoir aussi au moment de la jouissance. Les paroles sont étranges, elles sont parfois poétiques dans leur désabusement : regard froid, implacable, dénué de pitié mais pas d'une certaine tendresse dans l’uneou l’autre phrase. Aux paroles, aux sons, aucune image ne se réfère, à nous de les imag(in)er et d'essayer de les décrypter. Mais comment comprendre des phrases telles que: « pour me rencontrer, tu t'es détruit toi-même », « je veux que ma peau devienne vivante », « les hommes n'ont pas de visage, des corps sur lesquels je m'allonge », « mais ma colère n'a pas de limites », « je m'offre au monde comme une blessure ouverte » ou encore « tu viens à moi encore une fois parce que tu n'as pas le choix » et aussi « les hommes passent à travers moi, je sens leur désir qui va et vient » et « la mort du corps par le corps même » ? Poétiques, ces phrases sont aussi des constats d'un monde oublié, honni, abandonné, mis entre parenthèse par les bien-pensants de nos sociétés capitalistes souffrant d'aveuglement.

Antoine d'Agata, Tokyo, 2008. © Antoine d'Agata - Magnum Photo. Courtesy Galerie Les Filles du Calvaire, Paris

Dans cette première salle, on est mis face à des sons, des mots, peu d'images, comme un grand vide, une introduction à la suite, des préliminaires qui semblent doux mais qui, néanmoins, préfigurent de la violence à laquelle on va être confrontés au sous-sol du Bal.

Ainsi, descendons à la cave, au plus profond de cette exposition, dans son intimité. Mais pourquoi, devons-nous descendre dès qu'il s'agit de sexe, d'underground, pourquoi enterrons-nous ce qui est cru, brut, ce que l'on souhaite ne pas voir, ne pas discerner ? Dans ce sous-sol : du sol au plafond, les murs de cette pièce monumentale sont recouverts d'images dans lesquelles on se noie. Confrontation dure, brutale, violente, fascinante. Des corps nus, des visages, du sexe, des armes, la guerre, des squelettes, des portraits de gens pleurant, amochés, des paysages, des photos d'architectures et que sais-je encore recouvrent tous les murs en un « all over » hypnotique. On peut y voir un couple entrain de baiser, un autre là, des militaires armés à côté. On y découvre aussi un corps entrain de se décomposer, le squelette apparaît, à côté, le visage d'une femme qui crie (jouit ?) et dont les contours se fondent et deviennent squelette à son tour. Cette exposition d'Antoine d'Agata nous immerge dans un univers où souffrances, plaisirs, violences, brutalités, crudité, tournoient en un maelström d'intenses émotions.

Antoine d'Agata, Nuevo Laredo, 2005. © Antoine d'Agata - Magnum Photo. Courtesy Galerie Les Filles du Calvaire, Paris

Antoine d'Agata, est un photographe né à Marseille en 1961. En 1990, il suit l'enseignement de Larry Clark et Nan Goldin à l'International Center of Photography de New York. Il a remporté le prix Niepce pour son œuvre en 2001 et a publié plusieurs ouvrages tels Vortex, Insomnia, Stigma, etc et tourne aussi des films.

Il parcourt le monde et le photographie au grès de ses errances. Il est sans concessions. Ce qu'il montre est brut, dénué de filtres, de pitié, il n'essaie pas de faire « joli » mais de montrer la société dans toute sa brutalité et sa cruauté. Du sexe, il y en a dans cette exposition, des corps jouissants, souffrants, brutalisés, torturés, triturés dont les contours deviennent flous, perdent de leur matérialité, se multiplient en un rythme obsessionnel et un peu fou mais, on ne peut pas dire que l'on est face à une œuvre érotique ou pornographique. Il s'agit d'une œuvre politique qui plonge dans les tréfonds d'un univers que l'on (pronom indéfini mais qui englobe ici beaucoup de monde) feint d'ignorer mais qui gronde dans son antre, qui souffre, baise mais surtout existe ! Est-il possible de dire que le monde va bien si les disparités sont énormes ? Si notre monde polissé/policé se donne bonne conscience en masquant le commerce des corps et des êtres ? Si l'oubli de la souffrance passe par l'oubli de soi ? Et si l'on vend tout ce que l'on a, ce que l'on est et que l'on s'en accommode ? Antoine d'Agata, au grès de ses rencontres, de ses idées, de ses recherches d'images et de collages hétéroclites (mort / baise/ amour/ prison/ guerre, etc.) qu'il effectue dans cette exposition Anticorps, nous propose une vision du monde où tout se vend quel qu'en soit le prix, quelles qu'en soient les conséquences. Il met en lumière un monde sensé rester dans les sous-bassements où l'humanité dans son honnêteté réside dans l'intimité d'un monde cru, brutal, animal, en souffrance. Ce dernier est loin de celui, aseptisé, hypocrite que l'on essaie de continuer à (faire) vivre : « les zones de non-droit sont des territoires de tous les écarts, refuges de spécimens d'humanité blessée, espace clos et privilégié ou la bestialité sape la bienséance et les règles sociales. » (Antoine d'Agata). Mais, au fond, quel est le monde le plus honnête, quel est le plus aliénant ?

Antoine d'Agata, Phnom Penh, 2009. © Antoine d'Agata - Magnum Photo. Courtesy Galerie Les Filles du Calvaire, Paris

Cette exposition, je ne m'y attendais pas : c'est comme se prendre un mur, quelque chose qui fait sens, et qui, par son intensité donne à voir un monde que l'on n'aime pas forcément envisager mais qui, par son existence, prouve la fugacité et l'illusion dans lesquelles nous nous complaisons. Claque bien sûr : visuelle par l'ampleur de ce qui est donné à voir mais aussi émotionnelle. Il est surtout question de vie, d’humanité et de se connecter avec ce qu'il y a dans les tréfonds de la société (sexe, violence, drogue, etc.) et, par ce biais, avec nous-mêmes si on accepte de ressentir cette brutalité que peut être l’existence. À voir donc, à vivre surtout, peut-être, sans doute.

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Le Bal / 6, Impasse de la Défense / 75018 – Paris / +33 (0)1 44 70 75 50 / contact@le-bal.fr

mercredi-vendredi 12H-20H / samedi 11H-20H / dimanche 11H-19H / nocturne le jeudi jusqu’à 22H

Fermé lundi et mardi

http://www.le-bal.fr/

Exposition Antoine d'Agata - Anticorps du 24 janvier au 14 avril 2013.

Cécile

L’univers de la mode ou l’usage du corps

Photographie d’Henry Clarke (1918-1996). Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris. Jacques Heim (1899-1967). Automne-Hiver 1951. Paris (studio Adam). Mannequin : Ann Nutting (Ann Gunning) / Maurice (assistant de Clarke).

C’est d’une exposition mais c’est aussi d’un lieu dont je souhaite vous parler aujourd’hui.

Les docks, cité de la mode et du design est un espace ouvert sur plusieurs étages dont les caractéristiques, que le visiteur retient toujours, sont le sol en lattes de bois et sa façade verte qui semble envelopper son architecture et le rend très visible de l’extérieur.

Des boutiques de créateurs s’y sont installées tout comme l’École de la mode. Récemment un bar-restaurant a créé le buzz, le Wanderlust, en organisant des journées, des soirées et des nuits avec de célèbres DJs. Repère de parisiens et parisiennes branchés, j’ai pénétré dans l’antre de la bête lors du vernissage de l’exposition, « Mannequin, le corps de la mode ». Il faut avouer que c’est un endroit fort sympathique.

L’exposition se tient au rez-de-chaussée dans deux espaces distincts mais contigus. L’intérêt majeur de cette présentation est de permettre la compréhension des évolutions qui ont mené à la construction de ces archétypes de beauté et d’image que sont les mannequins. D’un point de vue historique et sociologique c’est tout à fait passionnant.

Le choix de la commissaire de cette exposition, Sylvie Lécallier, est tout à fait original car il s’agit de montrer les mannequins en tant que personne et non pour les vêtements qu’elles portent. Des corps modelés, transformés, contraints, des marionnettes en quelque sorte.

À la fois stars et produits, les mannequins sont des êtres aussi enviés que détestés dans notre société.

Leur fonction première, mettre en valeur des vêtements dès le XIXè siècle, nous interroge sur le glissement qui s’est opéré. Aujourd’hui, il est légitime de se demander comment un mannequin de 50 kilos mesurant 1m80 peut mettre en valeur un vêtement quel qu’il soit. Ces maigres corps sont une négation de ce qu’est un corps de femme. La fonction principale du mannequin n’est donc plus vraiment la monstration d’un vêtement mais plutôt la présentation des canons de la beauté d’une époque. Cette conclusion ne date pas d’hier, déjà dans les années 1920-1930 les mannequins représentaient un idéal de beauté propre à leur époque. Ainsi, nous apprenons que les canons esthétiques en vigueur actuellement, grandeur, minceur et jeunesse, ont été apportés en France par le couturier Jean Patou à partir des années 1960.

La mode, c’est de l’image. Les marques vendent un style de vie, voire une philosophie, que les mannequins doivent incarner. Les modèles vont chercher à se distinguer, à se créer un nom ce qui correspondra parfaitement aux volontés marketing des marques, c’est peut-être même l’inverse, les marques ont créé ces personnalités. Ce système triomphera dans les années 1980 avec celles que l’on appelait les "supermodels" : Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford. Nous entrons alors dans une spirale où la notoriété du modèle permet de vendre les vêtements et accessoires des grandes marques qui sont elles-mêmes entrées dans le domaine du luxe.

L’industrie de la mode, et du luxe en général, parle également d’ambassadrice et non plus de mannequin. Cette dénomination révèle les liens de plus en plus étroits entre les stars et les marques. En effet, il peut s’agir de comédiennes auxquelles on fait aussi appel pour leur célébrité qui va booster les ventes. Les acteurs du luxe se confondent et créent ainsi un univers glamour inaccessible au commun des mortels et ayant la capacité de « faire rêver ».

Depuis les salons de couture du XIXè siècle jusqu’à nos jours, les corps des mannequins sont les reflets des frustrations autant que des envies de nos sociétés.

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Mannequin, le corps de la mode

16 février-19 mai 2013-02-18

Les docks, Cité de la mode et du design

34 quai d’Austerlitz, Paris 75013

Christelle

Excursion into Edward Hopper's Painting*

Edward Hopper avait déjà fait l'objet d'une exposition à Lausanne en 2010, que je ne m'étais jamais pardonné d'avoir manqué. C'était sans compter sur la splendide rétrospective que lui consacre aujourd'hui le Grand Palais à Paris. Si je ne taris pas d'éloges sur ce peintre, c'est parce qu'il est l'un de ceux qui me fascinent le plus, depuis mes premiers cours d'histoire de l'art, que nous n'étions que cinq à suivre dans un coin perdu du lycée. J'avais été marquée par l'élégance de ses toiles et la puissance de l'atmosphère qui s'en dégageait.

Edward Hopper, Couple Drinking, 1906 – 1907, Aquarelle, 34,3 x 50,5 cm, New York, Whitney Museum of American Art. © Héritiers de Joséphine N. Hopper, et Whitney Museum of American Art

Un peu à tort, Edward Hopper est souvent désigné comme le peintre de l'Amérique. Pourtant, il était peu partisan d'un art qui se voudrait nationaliste comme il le disait lui-même : « Je pense que les peintres de la « scène américaine » ont caricaturé l'Amérique que je voulais quant à moi représenter. ». On découvre ainsi des aquarelles qu'il a réalisées lors de ses séjours parisiens, des couples à la terrasse d'un café, des paysages, sont mis en regard avec des tableaux de peintres français comme Edgar Degas à qui il a emprunté l'originalité des angles de vues. J'ai été frappée par le style de ces aquarelles, dont les personnages semblent tout droit sortis d'une bande dessinée. Ce n'est donc pas étonnant de découvrir un peu plus loin qu'il était illustrateur pour la presse.

Edward Hopper, Soir Bleu, 1914, Huile sur toile, 91,4 x 182,9 cm, New York Museum of American Art © Héritiers de Joséphine N. Hopper, et Whitney Museum of American Art

La première toile d'envergure qui nous est présentée, Le Soir Bleu - sorte de Déjeuner des canotiers mélancolique - nous annonce la couleur. S'ensuit une petite salle réservée à ses gravures qui sont de véritables prouesses techniques notamment les intenses effets de lumière qu'il parvient à réaliser simplement en jouant sur les contrastes entre le noir de l'encre et le blanc du papier, ainsi que par les lignes vertigineuses qui construisent des vues en plongées invraisemblables.

Edwar Hopper, Night Shadows, 1921, Gravure, 17,1 x 21 cm, Philadelphia Museum of Art : Purchased with the Thomas Skelton Harrison Fund, 1962 © Philadelphia museum of art. © Héritiers de Joséphine N. Hopper

Cette lumière si particulière, pierre angulaire des compositions d'Hopper, s'y présente presque comme un personnage à part entière tellement elle est expressive. C'est le cas dans la série d'aquarelles réalisées à Gloucester, où on découvre également sa prédilection pour l'architecture, deuxième élément pilier de sa peinture. « A Gloucester, alors que tout le monde peignait les bateaux et la plage, moi, je me baladais dans le coin à la découverte des maisons. » Des maisons qui se dressent, en plein soleil, isolées dans le désert de l'après-midi.

Edward Hopper, Summertime, 1943, huile sur toile, Delaware Art Museum, © Delaware art museum et Dora Sextor Brown. © Héritiers de Joséphine N. Hopper

Ces bains de lumières qui inondent les façades des maisons et des immeubles, inondent bientôt des figures. Nous en arrivons aux œuvres de la maturité, les « superstars » de l'exposition. À ce stade de la visite, les spectateurs jouent des coudes devant les tableaux, et chacun y va de son petit commentaire. Tout y est, il ne manque rien, l'architecture, le cadrage, la lumière tantôt aveuglante et tantôt feutrée, les personnages et leurs attitudes méditatives si caractéristiques. Le dépouillement et la rigueur de la composition participent à la suspension des actions sommes toutes assez théâtrales, témoins des intérêts de l'artiste pour le cinéma. Lieux et temps suspendus, d'où pourtant les émotions abondent.

Edward Hopper, Excursion into philosophy, 1959, huile sur toile, 76,2 x 101,6 cm, collection privée. © Héritiers de Joséphine N. Hopper

Il est difficile de condenser en quelques lignes tous les aspects de la peinture d'un si grand artiste, et d'une si complète rétrospective, dont le succès est largement mérité. Vous avez jusqu'au 03 février 2013 pour les découvrir au Grand Palais.

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Informations pratiques:

Horaires:

→ Jusqu'au 25 janvier : Lundi 10h – 20h, Mardi fermé, Mercredi Jeudi et Vendredi 10h – 22h, Samedi et dimanche 09h – 22h.

→ Du samedi 26, au jeudi 31 janvier : de 09h à 23h.

→ Du vendredi 1er février 09h, au dimanche 03 février 23h : ouverture jour et nuit.

Tarifs:

Plein : 12 €

Réduit (13 – 25 ans, familles nombreuses, demandeurs d'emplois) : 8 euros

Famille (2 adultes – 2 jeunes à partir de 13 ans) : 32 euros soit une entrée jeune offerte.

Gratuit : pour les moins de 13 ans, bénéificiaires du RSA et du minimum vieillesse . A partir du 29 janvier 2013, gratuité étendue aux moins de 16 ans.

* Excursion dans la peinture d'Edward Hopper

Ophélie