LIFEPROOF

Regards croisés: Gerhard Richter (by Christelle, Cécile et Stefania)

  Gerhard Richter, Secretary, 1963, huile sur toile

 

Christelle

Géant de l’art contemporain aussi sacré que respecté, Richter est régulièrement salué par tout le monde pour son indéniable talent. Il est vrai que l’âge aidant, on insiste beaucoup plus sur le génie de nos artistes contemporains. Richter ayant 80 ans, vous pouvez imaginer l’unanimité.

Creusons un peu, les critiques ne sont pas forcément des moutons, il y a donc de bonnes raisons d’aimer l’art de cet artiste. En effet, regardons ces tableaux des années 1960 et 1970 et tombons à la renverse! Le jeu subtil entre photographie et peinture est tout à fait fascinant. Richter a d’abord collectionné des photos d’amateurs constituant même des albums. En s’en inspirant, il va peindre patiemment ce que l’appareil photographique a permis de capter en quelques secondes. Lutte de l’artisanat et de la technique pas seulement, Richter avait ce besoin très physique d’éprouver le sujet, d’aller jusqu’au bout de ce qu’a à dire une image. C’est un point que je trouve tout à fait fascinant et je profite donc de ce regard croisé pour vous le faire partager !

Gerhard Richter, Torso, 1997 Huile sur aluminium

Cécile

« Mes tableaux sont sans objet ; mais comme tout objet, ils sont l’objet d’eux-mêmes. Ils n’ont par conséquent ni contenu, ni signification, ni sens; ils sont comme les choses, les arbres, les animaux, les hommes ou les jours qui, eux aussi n’ont ni raison d’être, ni fin, ni but.» (in Notes, 1984) nous dit Gerhard Richter, c'est étrange non? Ce qu'il crée n'a pas de sens, mais est-ce que c'est insensé? Richter est un peintre allemand qui a la particularité d'avoir su se renouveler tout au long de sa carrière: abstraction, figuration, œuvres présentant son quotidien ou encore le quotidien de la société dans laquelle on vit.

Gerhard Richter fait des photos, en récupère d'autres dans des journaux et a, depuis des années, mis en place un atlas de photographies dans lequel il pioche afin de réaliser ses œuvres picturales. Je crois que les œuvres de Gerhard Richter qui me touchent le plus sont celles qui semblent se perdre dans la toile, où le flou, maîtrisé par l'artiste, donne une impression de passé, imparfait, inconnu. C'est comme si l'image de départ était trouble, le souvenir lointain, le sujet prend alors une toute autre dimension: une invitation à la contemplation, tout simplement beau.

  Gerhard Richter, Vitrail dans la cathédrale de Cologne, 2007

Stefania

Richter se définit lui-même comme un peintre classique, mais, en regardant ses peintures, figuratives ou abstraites, nous n’avons pas vraiment l’impression de nous trouver face à de l’art traditionnel. C’est le rôle de l’image qui est au centre de sa démarche artistique.

J’essaierai de vous le montrer en vous parlant de l’une des nombreuses œuvres conçues pour une commande publique. Il ne s’agit pas d’une peinture, mais je la trouve tout particulièrement adaptée pour vous parler de cet artiste, et en plus elle se trouve à Cologne, sa ville de résidence, et elle investit le symbole de cette ville, la célèbre cathédrale (il paraît que l’artiste y a travaillé gratuitement). La composition en damier de ce vitrail fait référence à une œuvre de 1974, qui a comme titre « 4096 Farben ». Richter a sélectionné 72 couleurs de base en s’inspirant des couleurs des maîtres verriers du Moyen Âge, puis, grâce à un logiciel informatique, il a créé toutes les combinaisons possibles des couleurs de base qu’il a repris 72 fois. En guidant un peu la machine, il a réalisé des symétries et des combinaisons, mais, à la base, les arrangements de couleurs sont aléatoires.

Le résultat est un vitrail composé par 11.263 carreaux colorés, assemblés avec des joints en silicone. La lumière y filtre en créant des effets très proches de ceux des vitraux traditionnels, mais avec une légèreté qui souligne l’élégance des éléments architecturaux. Une œuvre qui se marie parfaitement à son contexte, savant mélange de tradition et de contemporanéité. Qui a dit que Richter était un peintre classique ?

Gerhard Richter, Vitrail dans la cathédrale de Cologne, 2007, détail

Regards croisés: Cindy Sherman (by Cécile, Stefania, Christelle)

Entrée de l'exposition Cindy Sherman, MoMA, mai 2012. Photo : C.R.

Cécile

Quand j'étais en maîtrise (oui, oui, je sais, ça n'existe plus !), j'ai travaillé sur la question du masque et comment on peut se montrer tel que l'on est ou tel qu'on le souhaite, bref sur les idées de paraître et de se mettre en scène. Et c'est à ce moment-là que je me suis un peu plus intéressée au travail de Cindy Sherman. En effet, les mises en scène de soi en autant d'autres, voilà comment on peut qualifier son travail photographique. Elle se grime, se farde, devient quelqu'un d'autre, tout est minutieusement travaillé de telle façon à créer une ambiance, un tout cohérent afin que la mise en scène ne semble plus vraiment cela : elle joue avec nos sens nous présentant un monde où la vérité est altérée. Bienvenue au pays du simulacre où l'on ne sait jamais où est l'artiste ou si elle se montre un moment sous son vrai jour !

Récemment, j'ai vu une rétrospective que lui consacre le MoMA à New York, Ô joie ! Je ne sais pas ce que j'ai préféré dans cette expo, ses "revisitations" des icônes de l'histoire de l'art, ses clowns (drôles et pathétiques en même temps) ou encore ses premières photographies, les Untitled Film Stills dans lesquelles elle rejoue des scènes de films de série B. Dans la plupart de ses œuvres, j'ai trouvé quelque chose qui m'a interpellé et intéressé : on s'y perd, on a l'impression de ne pas la voir mais peut-être qu'en fait c'est dans la multitude des apparences qu'elle a choisi qu'on peut alors la saisir...

Untitled Film Still #3 (1977). Photograph: Courtesy Sprüth Magers Berlin London and Metro Pictures. © Cindy Sherman

Stefania

 

Au centre de la démarche de Cindy Sherman il y a le thème de l’identité, qu’elle interprète et questionne à travers des mises en scène et des déguisements. Tout au long de son travail, structuré en séries de photographies, on remarque son attention pour les types humains, les attitudes des gens, leurs apparences et les stéréotypes, ces derniers liés notamment à la représentation de la femme.

 

C’est bien sûr plus particulièrement vrai dans la série d’autoportraits en noir et blanc de ses débuts (“Untitled Film Stills”, 1977-1980) distillant l’image de la femme, fermée dans les limites que la société lui impose. A tel point que les critiques ont attribué à Cindy Sherman une position féministe. Toutefois, le regard fuyant et hésitant de la protagoniste transmet un sentiment d’insécurité et de fragilité, loin des images classiques des stars du cinéma des années 1960.

 

Dans la série “Centerfolds”, commandée par le magazine d’art contemporain Artforum en 1981, il est encore question d’image de la femme renvoyée par les médias, cette fois il s’agit des magazines en papier glacé. Les prises de vue très rapprochées et les positions allongées des femmes portraiturées, sur un format horizontal de deux pages, nous font penser aux publicités glamours des revues de mode, où la femme n’est qu’un “outil” pour vendre des marchandises, et elle devient, par ce processus, une marchandise elle-même.

 

Cindy Sherman, Sans titre nº 153, 1985

Christelle

C’est donc à la fin des années 1970 que Cindy Sherman commence à se faire connaitre. Au même moment le nouveau medium utilisé par les artistes contemporains qu’est la performance bat son plein. Corps et photographie deviennent alors indissociables, la seconde étant la preuve du premier. En effet, les seules traces que nous ayons des performances, ce sont ces images. La photographie est utilisée dans un but documentaire. Il est intéressant de noter que Cindy Sherman va adopter la démarche inverse. Elle va bien sûr continuellement se mettre en scène, et en cela, sont travail est proche de la performance mais contrairement aux performers Cindy Sherman est avant tout une photographe et ses images ne sont pas des preuves mais de véritables photographies artistiques. Le lien entre son travail et celui des artistes pratiquant la performance se trouve sans doute aussi dans la préparation et la mise en scène que nécessitent les photos de cette photographe et de nombreuses performances. Ce point de vue historique nous permet, je l’espère, d’éclairer d’une autre manière le travail de cette éminente artiste de l’art contemporain.

Regards croisés: Jan Fabre (By Cécile, Christelle, Justine et Stefania)

Jan Fabre, Skull (ferret), 2001. Crâne synthétique, coléoptères, animal empaillé

Cécile

Attraction/ répulsion : voilà deux petits mots qui, à mon sens, résument assez bien Jan Fabre. Il est un artiste protéiforme, un créateur touche à tout qui est aussi bien un artiste plasticien, un metteur en scène et un chorégraphe. J'ai lu certains de ses écrits, vu au moins une de ses pièces (Parrots and Guinea Pigs en 2002 dans lequel les hommes sont comme des cobayes étudiés par des animaux en peluche) et vu certaines de ses œuvres plastiques. Chaque partie de sa création m'a, à un moment donné ou l'autre, interpellée, séduite, questionnée et heurtée.

Intéressé par les insectes, Jan Fabre les utilise dans ces œuvres: de loin, les couleurs sont chatoyantes, séduisantes mais quand on s'approche, il s'agit d'une masse grouillante d'insectes, c'est leurs carapaces qui luisaient, il en recouvre des crânes, épées, croix, sphères, il leur fait une jolie armure, protectrice et « enfermante.»

Tout est duel dans ses œuvres et c'est ça qui m'interpelle à chaque fois, il ne laisse pas indifférent, il choque souvent et c'est ça qui me semble être une bonne chose : en nous heurtant, il nous questionne et nous fait réfléchir à ce que nous sommes, comment nous vivons, comment nous consommons, etc. Ce qu'il crée devient alors acte de combat contre les idées consensuelles, l'endormissement intellectuel de nos sociétés et nos non-remises en question. Que demander de plus ?

  Jan Fabre, Je me vide de moi-meme, installation, 2008

Christelle

J’ai d’abord connu Jan Fabre comme un vilain provocateur qui pisse sur son public (Avignon Je suis sang, «faux accouchement, vrai forceps» ne réduisons peut-être pas trop vite ces spectacles-performances…quoiqu’il en soit ce fut le premier écho de Jan Fabre qui parvint jusqu’à moi.

De sang, il en sera pourtant encore question dans l’exposition que lui a consacrée le Louvre en 2008. Dès l’entrée, un personnage de cire à l’effigie de Jan Fabre s’est fracassé le nez sur la vitre recouvrant le portrait de Philippe le Bon par Van Der Weyden. Le spectateur peut suivre du regard le trajet du sang qui forme une flaque au pied du pantin de cire. Je me souviens avoir attendu un long moment devant cette scène dans l’espoir enfantin de le voir bouger.

Plus loin se trouvait un gisant doré constitué de milliers de punaises assemblées, toutes pointes vers l’extérieur. Un message sans doute adressé aux spectateurs par l’artiste : «Admirez-moi mais ne m’approchez pas », l’égocentrisme de Jan Fabre n’aurait-il pas de limite? Nous le retrouvons ensuite dans ce même habit prophétique mais cette fois suspendu au-dessus de nos têtes. Jan Fabre nous guette.

Les autres œuvres sont d’une esthétique remarquable, ainsi ces somptueuses sculptures composées de scarabées brillants et ces nombreux pigeons en verre recouverts d’encre bien ironiquement placés sur une bordure prêts à lâcher leur fiente sur l’intrépide touriste.

Jan Fabre, à voir et à admirer mais jamais de trop près.

"The heaven of delight", le plafond de la salle des glaces du Palais Royal de Bruxelles décoré par Jan Fabre

Justine

Jan Fabre, capable du meilleur comme du pire. Visite d'une exposition personnelle en 2009 à Dubrovnik qui ne m'a laissé presque aucun souvenir, rencontre très amusée à la Fiac de ses bustes de cire noire, autoportraits hilares affublés de bois de cerf, oreilles d'âne, cornes de watusi, d'antilope ou encore de bélier...

Magnificence du plafond de la salle des Glaces du Palais Royal de Bruxelles, inauguré en octobre 2002 par les souverains, qu'il a recouvert de 1,4 million de carapaces de scarabées, décadence de ses pièces de théâtre scatologiques et lourdingues, huées par Avignon ( l'Orgie de la Tolérance).

Pas un brin écologiste, responsable du génocide des scarabées, papillons et autres insectes aux beautés volées pour en orner ses œuvres (et Dieu sait qu'elles sont nombreuses).
A la fois provocateur et acteur du système qu'il dénonce, Jan Fabre incarne l'artiste de son temps, dans la lignée d'un Damien Hirst ou Jeff Koons. Un parfait modèle de réussite, en somme.

  Jan Fabre, l'oisillon de Dieu, crâne, ailes de coléoptères, perruche empaillée, collection particulière, 2000

Stefania

Ma première rencontre avec Jan Fabre se fait en 2003, pendant ma première visite du MAMAC à Nice (c’était ma première année de vie à l’étranger ! Voilà, tout avait le goût de l’exception !). Pour moi l’art contemporain signifiait jusqu’à ce moment le Surréalisme! Face aux sculptures et aux installations composées d’insectes bariolés, je n’ai pas ressenti, étrangement, de la répulsion (je n’aime pas du tout les insectes, ça va sans dire). Ça m’a, au contraire, étonnée de voir avec quelle minutie l’artiste avait composé ses formes, une à une, en utilisant les insectes comme on utilise souvent d’autres matériaux plus spécifiques à l'art.

Jan Fabre incarne, et je suis tout à fait d’accord avec Justine, le sens baroque de l’art contemporain. C’est l’accumulation, la richesse, l’étonnement du public, le symbolisme fort qui l’intéressent, loin des années lumières du minimalisme froid et intellectuel d’un certain art contemporain actuel. Dans ce sens, son exposition au Louvre, que j’ai visité des années après la première, était particulièrement réussie grâce surtout, j’oserai dire, au cadre. Ce qui montre qu’une exposition ne se résume pas qu’aux œuvres, mais qu’il faut prendre toujours en compte son contexte.

  Détail d'une installation de Jan Fabre

 

Regards croisés: Marlene Dumas (by Christelle, Stefania, Justine, Cécile)

Vue de l'exposition: The Second Coming / Firth Street Gallery, Londres / 12 novembre - 23 décembre 2004

Christelle :

Economie de moyens, les aquarelles presque trop délavées, sont les œuvres les plus connues de Marlene Dumas.
Un peu de crudité dans ce monde de douceur…
Violence, mort, sexe et si les œuvres de Marlene Dumas n’était rien d’autres que des vanités modernes qui, à leur façon, nous rappellent ce que nous sommes et ce que nous serons.
Dans les nombreuses critiques adressées à l’art contemporain, il lui est souvent reproché d’être triste et violent inutilement. C’est en effet ce que l’on pourrait penser à première vue des œuvres de Marlene Dumas. Mais comme toujours, il est bon de prendre un peu de recul pour s’apercevoir que l’art à travers les siècles, n’a jamais été autre chose.
De la célébration du sexe dans la Rome Antique, aux rappels incessants à la mort du moyen âge au XIXè siècle avec les memento mori et autres vanités, l’histoire de l’art n’a jamais été une franche rigolade. J’en oublierai presque les milliers de peintures montrant le Christ souffrant, agonisant voire mort. Nous comprenons donc tout simplement que Marlene Dumas est une artiste dans la plus pure tradition de l’histoire de l’art.

Marlene Dumas, The Painter, 1994 / Huile sur toile / New York, The Museum of Modern Art

Stefania :

En vous parlant de Marlene Dumas, peintre sud-africaine très connue, je ne m’arrêterai pas sur les tableaux à sujet macabre (je trouve la provocation à travers la violence terriblement ennuyeuse, trop dans le cliché de l’artiste maudit) mais plutôt sur ses portraits d’enfants, qui m’intéressent beaucoup plus. Ses tableaux, peints avec une technique presque incertaine, faite de nuances blêmes et d’une palette antinaturaliste, ont inspiré plusieurs artistes plus jeunes, au point que l’on pourrait compter Marlene Dumas parmi les maîtres contemporains les plus “imités”.
Si vous examinez les yeux et les postures de ses portraits enfantins, même les plus anodins, vous y trouverez toujours une petite lueur qui dérange, un regard qui met mal à l’aise. Nous avons presque l’impression d’être en face d’un adulte narquois dans le corps d’un enfant.
Inutile de se scandaliser face à cette représentation dure de l’enfance, dont habituellement nous avons une vision bien hypocrite centrée uniquement sur la gaieté et l’innocence.
Marlene Dumas puise tout simplement son inspiration dans l’actualité. Même si nous sommes loin de certaines attitudes extrêmes d’outre-Atlantique (vous vous souvenez de Little Miss Sunshine ?), il suffit de jeter un coup d’œil aux magazines de mode enfantine pour se rendre compte que la sensibilité de l’artiste pousse un poil plus loin des images de l’enfance qui sont déjà bien présentes dans notre société et dans nos mentalités.

Marlene Dumas, The Invitation, 2001 / Huile sur toile / Tilton Gallery

Justine :

J’ai découvert que j’aimais bien la vulgarité à l’âge de 15 ans, lorsque ma mère m’a dit détester Madonna parce qu’elle l’était, vulgaire. Soudain, la vulgarité m’est apparue comme un moyen efficace de m’opposer à l’ordre établi, en l’occurrence, ma mère. Si la vulgarité est une attitude, elle ne fonctionne qu’en face à face. Que vous soyez vulgaires dans votre chambre, après tout, tout le monde s’en fout. Mais dévoiler son côté choc à la face du monde, cela a d’autres conséquences.
Ainsi les peintures de Marlène Dumas, celles qui parlent de sexualité et d’incarnation, me plaisent beaucoup. Ce volet de son œuvre fait écho à mon goût pour un certain regard sur la réalité, terre à terre oserais-je dire. Car il n’y a rien de plus banal qu’un sexe d’homme ou de femme, et pourtant le voir peint, de la manière dont Marlène Dumas peint, confine à une révélation. C’est sans doute à cela que je ressemble dans mon intimité, ce n’est franchement pas beau à voir, pourtant l’artiste le montre carrément !
Allez savoir pourquoi, je ne supporterais pas ces images si elles retournaient dans leur contexte publicitaire ou marchand des magazines pornographiques. Mais c’est là l’effet charmant que produit la peinture sur moi, la matière peinte me ramène à la chair, tandis que le papier glacé ne m’émeut en rien.

Marlene Dumas, Leather Boots, 2000 / Huile sur toile

Cécile:

Femme fatale, je ne le serais sans doute jamais et ce n'est pas grave. C'est, je crois, ce qui me plaît dans les œuvres de Marlene Dumas, j'y vois cette part de moi-même que je ne laisse pas exprimer. Les femmes qu'elle peint sont fatales, l'artiste montre leur sensualité, celle des hommes aussi, on ne peut peut-être pas parler de cela dans ses portraits d'enfants et encore. Sans doute n'est-il juste question pour cette artiste de montrer cette animalité que nous avons en nous et que nous masquons très souvent.

Dans ses peintures, elle explore les thématiques de la mort, du sexe, de la violence, de l'amour peut-être aussi, elle parle de la vie en gros et nous la montre sans le côté joli, mignon, au fond tellement faux-cul que certains peuvent employer. Les œuvres de Marlene Dumas sont crues, dérangeantes peut-être aussi, alors qu'elle ne nous parle que d'une seule chose : de ce qui est en chacun de nous, notre instinct, notre sexualité, nos colères, notre sensibilité, ce que nous cherchons à contraindre et à affadir. Pour ce faire, elle utilise comme point de départ des photographies, souvent trouvées puis elle s'exprime et nous montre le monde tel qu'il est, en couleurs, en mouvement dans ses peintures avant tout expressionnistes.

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Pour aller plus loin, quelques sites internets:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Marlene_Dumas

http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Communication.nsf/docs/IDCB9F05E0D04B607BC1256AED00494D6C/$File/dpdumas.pdf

http://www.marlenedumas.nl/

http://www.zeno-x.com/artists/marlene_dumas.htm

Regards croisés: Louise Bourgeois (by Cécile, Christelle, Justine et Stefania)

Regards croisés : dans cette rubrique, nous confrontons environs tous les 2 mois nos 4 points de vue sur une oeuvre ou un artiste contemporain. Pour ce 4ème opus, nous vous présentons quelques oeuvres de Louise Bourgeois.

Louise Bourgeois avec sa sculpture Spider IV en 1996

Cécile:

Quand j'entends le nom de Louise Bourgeois, je visualise toujours cette petite mamie toute ridée à qui je voulais faire des bisous tellement je la trouvais belle. Pour contextualiser cette image, il faut savoir qu'elle est décédée en 2010 à l'âge de 98 ans et, qu'après avoir commencé à exposer en 1945 aux États Unis, elle a poursuivi une carrière internationale dans la lignée du surréalisme.

Araignées et phallus sont des thèmes récurrents de son œuvre. La première fois que j'ai vu l'une de ses sculptures, il s'agissait d'une araignée géante sous laquelle on pouvait aller, c'était au musée d'art moderne de la ville de Paris. Je l'ai trouvée hallucinante et depuis, je me demande comment quelqu'un d'arachnophobe pourrait percevoir une telle œuvre. Je ne sais pas. Ancienne flippée des araignées, j'ai pourtant adoré pouvoir passer dessous, la découvrir et me sentir toute petite face à elle et ses dualités : sa finesse et sa légèreté s'opposant à sa monumentalité qui peut être écrasante, l'impression d'agressivité que l'on peut avoir quand on s'en approche et de protection quand on est dessous, etc. C'est ce que j'ai ressenti au « contact » de cette araignée. Pour Louise, elle symbolise la mère « parce que ma meilleure amie était ma mère, et qu'elle était aussi intelligente, patiente, propre et utile, raisonnable, indispensable qu'une araignée ». Étonnant ? Pas tant que cela, la mère est celle qui protège son enfant souvent, lui sert de refuge, de maison où s'abriter... Ce qui rejoint les principales préoccupations de Louise Bourgeois : la procréation, la maternité et la naissance entourées des figures du père et de la mère. On parle souvent de « femmes-maisons » à propos de ses œuvres, j'aime ce terme, très à propos.

Stefania:

Louise Bourgeois est l’une des plus grandes artistes du XXième siècle et une des femmes les plus formidables de l’art contemporain. En se penchant sur ses œuvres, on découvre peu à peu, à travers son langage riche en métaphores et évocations, des évenements de son autobiographie et on plonge petit à petit dans son histoire. Toutefois, les expériences dont l’artiste nous parle sont des expériences communes à tous : le rapport parental et familial, la sexualité, la dimension de la femme, la nostalgie de l’enfance, l’importance de la maison…

Parmi les sculptures de Louise Bourgeois vous connaissez certainement les grandes araignées en bronze et acier. Elles ont été les premières oeuvres de l’artiste française que j’ai vu en vrai (aux Etats-Unis). Les parents de Louise tenaient un atelier de réparation de tapisseries anciennes. Le travail lent, incessant, patient des mains de sa mère, lui fait tout de suite penser à une araignée, qui tisse sa toile et sait se défendre toute seule grâce à son art. Néanmoins, la figure de l’araignée n’est pas anodine dans la culture occidentale : elle a une forte ambivalence. Elle peut aussi nous faire penser au mythe d’Arachné, la fille qui avait défié Athena dans l’art du tissage et qui en avait été punie.

En ce qui me concerne, en bonne phobique, j’ai toujours eu une peur folle des araignées. Celles de Louise Bourgeois, en plus de leur taille démesurée, ont des membres squelettiques, une couleur sombre et envoûtent le spectateur, et sont la personnification de mes peurs irrationnelles. Quand j’en vois une dans un musée ou un parc, je n’arrive pas à m’approcher et encore moins à rester dessous.

Comme je vous le disais, le choix des symboles, des matériaux, des objets qui composent une installation ou une sculpture de Louise Bourgeois n’est pas un hasard. Il s’agit toujours d’éléments qui font d’une œuvre très personnelle un récit universel. Voilà pourquoi je pense que Louise Bourgeois a été une des artistes les plus importantes du Xxième siècle.

Christelle:

Quand l’image, ou le poids du talent, prend la place de la véritable personne, il devient bien difficile d’en parler. Peut-être parce qu’on a l’impression de ne faire que redire ce qui a déjà été dit, et en mieux, des centaines de fois. Mais le grand public connait-il vraiment Louise Bourgeois ? Un peu sans doute mais pas en profondeur, je crois. L’araignée gigantesque, effrayante, est de loin l’œuvre la plus célèbre de l’artiste.  Pourtant d’autres sculptures existent que je trouve personnellement plus fascinantes encore.

 

Louise Bourgeois, Nature Study, marbre et acier, 1984–94

Tel ce sphynx sans tête aux multiples mamelles et pattes de chien. Etonnement intitulé Natural Study, cet être hybride ne nous renvoie pas seulement au mythe œdipien. Plus subtilement, mais de façon bien plus obsédante, ce corps inconnu interroge notre humanité. Il nous ressemble autant qu’il nous est différent.  De cette ambivalence découle la fascination.

A la lecture plus immédiate du fameux Fillette, pénis géant sculpté, je préfère le magma de formes arrondies émergeant à peine de tissus plissés de Cumul I de 1969.

Deux œuvres en marbre me direz-vous, il est vrai que j’apprécie beaucoup ce matériaux d’où suinte à jamais la noblesse antique.

Mais oui, bien sûr, Louise Bourgeois c’est aussi une certaine dénonciation de la violence notamment celle faite aux femmes, de l’enfermement et de la toute-puissance masculine mais à force de le dire, de le lire, ne l’a-t-on pas réduit à ce seul message ?

Louise Bourgeois, Cumul I, marbre blanc et bois, 1969

Justine:

L'oeuvre "Spider" (1997) vue au Centre Pompidou en 2008 m’a glacé le sang. Dans les bras de l’araignée déjà célèbre, était insérée une cage. On pouvait y voir quelques meubles éclairés par une lumière jaune tristounette. Je me rappelle avoir collé mon visage au grillage, longuement, dévisageant cette petite mise en scène lugubre. Je me rappelle l’angoisse montante dans le bas du ventre, comme un liquide froid. Je me suis dit « et bien Louise, elle exagère ». En effet, je n’ai pas apprécié de me faire manipuler ainsi sans possibilité de fuite, passant de l’état de bien-être qui m’habitait ce jour-là, à une mini-déprime fulgurante…

C’est pour moi toute la force de l’artiste: sculpter n’importe quel matériau, y compris l’émotion. Je trouve également que les oeuvres de Louise sont belles, toujours soignées, extrêmement "finies". En celà elles satisfont mon besoin de "perfection".

Dans l’œuvre dont je vous parle ici, la cage serait comme la toile de l’insecte dans laquelle auraient été attrapées des bribes de souvenir délavés par le temps.

  Louise Bourgeois, Spider, acier, tapisserie, verre, tissus, or et os, 1997

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Vous pouvez consulter un excellent dossier sur Louise Bourgeois ici.

Louise Bourgeois est décédée en 2010 à l'âge de 98 ans.

Bibliographie: (source Wikipédia)

De Louise Bourgeois

• Louise Bourgeois, Marie-Laure Bernadac, Hans Ulrich Obrist : Destruction du père, reconstruction du père. Écrits et entretiens 1923-2000, éd. Daniel Lelong.
• Louise Bourgeois : He Disappeared into Complete Silence, éd. Dilecta, 2008.
• Louise Bourgeois : Moi, Eugénie Grandet, « Cabinet des Lettrés », éd. Gallimard, 2010

Sur Louise Bourgeois

• Peter Lodermeyer, Karlyn De Jongh & Sarah Gold, Personal Structures: Time Space Existence, DuMont Verlag, Cologne, Germany, 2009.
• Marie-Laure Bernadac : Louise Bourgeois, éd. Flammarion.
• Mâkhi Xenakis : Louise Bourgeois, l'aveugle guidant l'aveugle, éd. Actes Sud - Galerie Lelong.
• Marie-Jo Bonnet, Les femmes artistes dans les avant-gardes, Ed. Odile jacob, Louise Bourgeois et la destruction du père.

Regards croisés: la première fois que j'ai vu une installation de James Turrell... (by Cécile, Christelle et Stefania)

Regards croisés : dans cette nouvelle rubrique, nous confrontons environ tous les 2 mois nos 4 points de vue sur une oeuvre ou un artiste contemporain. Pour ce 3ème opus, nous vous présentons l'oeuvre de James Turrell, comme nous l'avons vécue la première fois.

Cécile:

Ma première fois avec une œuvre de James Turrell a eu lieu en terminale lors d’un séjour à Munich et ça a été une véritable découverte. Nous étions dans une pièce sombre au fond de laquelle se trouvait un monochrome bleu. C’est là que quelqu’un m’a dit « Approche-toi, n’hésite pas, touche ». Et moi : « Toucher ? Non ! Jamais je n’oserai… » mais j’ai fini par rejoindre le fond de l’espace et essayer de caresser la toile. Il n’y en avait pas, ma main n’a rencontré que du vide. Ainsi, ce qui semblait être une peinture d’un bleu invitant à s’y plonger, n'était qu'illusion provoquée par un habile travail de la lumière.

James Turrell est un artiste américain qui travaille (avec) la lumière, ça c’est dit ! Mais quand on ne le connaît pas, la première fois que l’on voit l’une de ses œuvres, qu'il nomme « environnements perceptuels », on se laisse piéger par elle, les suivantes aussi même si on sait qu'il y a un truc.

Turrell a fait des études scientifiques et artistiques et mêle ces différentes connaissances dans ses œuvres. Il se joue de nos sens, ce qui semble matériel ne l'est pas, ce qui semble peint, n'est que lumière.

James Turrell,Deer Shelter Skyspace, Yorkshire Sculpture Park

Christelle:

La première fois que j’ai « rencontré » une œuvre de James Turell, j’ai été fasciné. C’était à Venise dans le palais Fortuny en 2009 avec son style si désuet et relativement atypique. C’était au 1^er étage dans une petite salle à gauche. J’ai été happé par la couleur rose qui éclaboussait le mur. Je me suis approchée et j’ai cru que j’allais tomber dans le vide. Vide qu’on ne voit justement pas, notre perception de l’espace est totalement bouleversée par la lumière. En effet, ce rose était presque palpable comme s’il habitait physiquement le vide ce qui crée l’impression qu’il n’y a pas de vide mais bel et bien de la matière, de la matière colorée à moins que ce ne soit de la couleur si intense qu’elle nous parait compacte. Un objet lumineux non identifié. Un pur moment d’oubli, de perte, de bonheur. Savoir que cet artiste est diplômé en mathématiques et en psychologie me semble important du point de vue de la compréhension des phénomènes mis en œuvre dans son travail que l’on nomme également « environnements perceptuels ».

Bridgets Bardo by James Turrell, installation 2009 photo by Florian Holzherr

 
Stefania:

Les oeuvres de James Turrell sont à vivre, il faut y plonger, les admirer de l’intérieur, pas comme on fait d’habitude avec un tableau, une sculpture ou un dessin.

La lumière est la véritable protagoniste et le medium privilegié par l’artiste, né en 1943 aux Etats-Unis, qu’il plie à des jeux expressifs qui impliquent la perception du spectateur.

La première fois que je me suis retrouvée face aux œuvres de Turrell, c’était il y a une dizaine d’années, quand j’ai visité pour la première fois la Collezione Panza di Biumo, à Varese (Italie). Giuseppe Panza, grand collectionneur d’art contemporain, était le mécène de Turrell (et d’autres artistes) et sa collection est un exemple parfait d’harmonie entre installations d’art contemporain et espaces d’exposition classiques (la Villa Litta Biumo, qui abrite sa collection, date du XVIII siècle). L’installation de Turrell était dans une des pièces des « Rustici » et elle était une simple « fenêtre » rectangulaire coupée dans les murs du bâtiment. Cette coupure était annoncée par un brusque changement de température (la perception n’est pas que visuelle !), puis, une fois à l’intérieur, on contemplait le ciel à travers cette entaille nette dans les murs. Et le ciel, si découpé, ressemblait vraiment à une de ces toiles classiques peintes à l’huile, où le regard se perd.

Diffile de décrire une installation de James Turrell… mon conseil le plus sincère est de courir en faire l’expérience ! En Allemagne, par exemple, vous pouvez visiter l’observatoire au musée Lichtkunst, je vous en avais parlé dans un précédent post.