LIFEPROOF

Chocolat du jour: Le Collectif Indigène (by Cécile)

Dernier chocolat, dernier article de l'année, reprise le 7 janvier, bonnes fêtes à tous !

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Le Collectif Indigène, La Femme Chez Elle, 2012. Collage d'éléments anatomiques anciens sur revue. 21,5 x 29,5 cm. © Le Collectif Indigène

Le collectif Indigène est constitué par un couple d'artistes suisses : Andréanne Oberson et Jean-Marie Reynier. Ils ont un travail riche et très diversifié : collages, vidéos, performances, etc. Je les ai découverts au gré d'internet et des surprises possibles qu'on peut y trouver. Ce sont leurs collages qui m'ont fascinée dans un premier temps : décalés, hétéroclites, originaux et drôles. Ils mêlent éléments intérieur et extérieur, humain et animal, réutilisent des planches anatomiques, nous montrent des entrailles, ils se jouent de nous et proposent une vision ironique de la vie. Pour se faire, ils utilisent le détournement d'objets et créent ainsi un décalage entre l'image originelle et le sens nouveau qu'ils souhaitent lui allouer.

Le Collectif Indigène, Superstar, 2010. Peinture sur bronze. Six éléments de 35 x 25 cm. © Le Collectif Indigène

Cet humour corrosif, ils en usent de bien des façons et s'amusent à détourner de nombreuses typologies d'images, pas uniquement des planches anatomiques. Ainsi, ils ajoutent des images aus premières pages d'une revue du début du 20ème siècle « La Femme Chez Elle » ou font de même en mixant des planches de La Vie du Christ (1886) et du Livre d'or de la médecine (1915). Avec eux, les nouveaux héros deviennent les nouveaux crucifiés. Ainsi, ce n'est plus le Christ mais Spiderman, ou Batman, autant d'icônes modernes imaginaires que l'on sacrifie : on tue nos sauveurs... L'état du monde fait peur mais, sous le regard du collectif indigène, si la vanité du monde est montrée, l'ironie est à son apogée et ça en devient drôle, décapant et jouissif.

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Les fêtes de fin d'année sont l'occasion de faire la fête, de se retrouver en famille ou de se pelotonner chez soi et dans certains cas de faire des réserves pour hiberner pendant l'hiver ! Pour se faire : marrons, pain d'épices et vin chaud au menu mais aussi chocolats. En ce mois de décembre, lifeproof s'ouvre et invite d'autres auteurs pour vous faire découvrir un artiste tous les jours : bonnes gourmandises à tous !

Chocolat du jour: Sophie Zénon (by notre spéciale guest Isabelle Soraru)

Durant trois siècles, de 1599 à 1920, les Siciliens ont confié aux moines capucins les corps de leurs défunts et, aujourd’hui, les catacombes de Palerme abritent quelques 8000 momies. A l’origine, ces catacombes étaient destinées uniquement aux moines mais, au fil du temps, la pratique s’est répandue et l’ensemble de l’aristocratie palermitaine se fit embaumer par les capucins. Les momies sont classées par catégories, et vêtues comme de leur vivant. Hommes, femmes, enfants, prêtres ; habits sacerdotaux ou habits d’apparat : au-delà de la mort, les catégories, y compris sociales, ont encore cours dans les catacombes de Palerme.

Sophie Zénon, Capucin 5, 2008, Couvent des Capucins, Palerme, 120 x 80 cm

Sophie Zenon a photographié ces momies dans le cadre d’un cycle sur la représentation du corps après la mort en Occident, intitulé In case we die. Historienne et ethnologue de formation, Sophie Zenon interroge, via ces photographies, « ce paradoxe où parler de la mort – la vraie – nous est interdit, alors que la mort qui nous est extérieure est omniprésente. »

Bien loin de cultiver un regard morbide, le travail de Sophie Zénon s’inscrit dans la lignée des vanités baroques chères au 17^è siècle qui, comme celles de Philippe de Champaigne ou de Georges de La Tour, invitent à méditer sur le caractère fugace de la vie humaine et de ses plaisirs. Si la référence à la peinture est permanente dans ce travail de Sophie Zénon – on pensera aussi, pêle-mêle, au Saint François en extase de Zurbaran ou encore, plus proche, à la série des papes de Bacon – les momies de In case we die sont aussi une réflexion sur l’essence de la photographie. A ses origines en effet, elle fut soupçonnée de « capter » l’âme des vivants, mais elle était aussi bien un moyen de préserver la mémoire des défunts au-delà de leur disparition : à la fin du 19^e siècle, la pratique de la photographie funéraire était bien développée et il était courant de conserver une photographie des proches sur leur lit de mort ou dans leur cercueil.

Sophie Zénon, Capucin 1, 2008, Couvent des Capucins, Palerme, 120 x 80 cm

Jouant sur le flou et le net de manière très picturale, et avec un tremblement de l’image qui redonne paradoxalement une forme de vie à ces momies que le temps a figé, le cycle In case we die nous interpelle par sa beauté mélancolique et tragique. Sophie Zénon offre ainsi un regard profondément humain sur ces corps, en se confrontant à « ces êtres qui ont eu une vie, qui se sont attablés, qui ont caressé des corps, qui en ont peut-être anéantis d’autre ». Plus qu’un travail d’ordre esthétique, il s’agit aussi d’une méditation sur la hantise, sur la mémoire et sur ce que l’image est capable d’en saisir : une méditation, en somme, sur la manière dont la photographie peut faire œuvre de survivance.

Sophie Zénon, Capucin 3, 2008, Couvent des Capucins, Palerme, 120 x 80 cm

http://www.sophiezenon.fr/

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Isabelle Soraru s’intéresse aux rapports entre la littérature et les arts, et notamment entre la photographie et la littérature. Elle a consacré un blog de cours ainsi qu’un carnet de recherche sur ces questions (http://litterature2point0.blogspot.fr/) et a coordonné un ouvrage collectif paru récemment, intitulé Dire la musique, à la limite.

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Les fêtes de fin d'année sont l'occasion de faire la fête, de se retrouver en famille ou de se pelotonner chez soi et dans certains cas de faire des réserves pour hiberner pendant l'hiver ! Pour se faire : marrons, pain d'épices et vin chaud au menu mais aussi chocolats. En ce mois de décembre, lifeproof s'ouvre et invite d'autres auteurs pour vous faire découvrir un artiste tous les jours : bonnes gourmandises à tous !

Chocolat du jour : Mircea Cantor (by notre spéciale guest Lola)

Au Centre Pompidou, il y a plusieurs d'expositions à voir en ce moment : Dali bien entendu ainsi qu'Adel Abdessemed dont vous a déjà parlé de Stefania. Mais il y a aussi Mircea Cantor dont le travail est une invitation à entrer dans un monde où la poésie et la beauté masquent et révèlent en un même temps la violence et l'horreur qu'il peut y avoir autour de nous.

Mircea Cantor, Don't judge, Filter, Shoot, 2012 © Mircea Cantor

Don't judge, Filter, Shoot (Ne juge pas, filtre, tire, 2012), cette inscription murale, sorte de fil barbelés quand on regarde de loin, semble écrite au fusain ou autre : mais comment est-elle faite ? L'artiste l'a écrite avec le feu : il a scotché des mèches de dynamite au mur, puis y a mis le feu. Ce qui reste est la trace du passage de cette flamme. Simple. Efficace. Surprenant aussi par le décalage qu'il y a entre le mode de fabrication et le rendu : il crée à partir de ce qui peut détruire ainsi, le message est autant dans les mots écrits que dans la manière qu'a eu Mircea Cantor de les inscrire.

Mircea Cantor, Don't judge, Filter, Shoot, 2012 © Mircea Cantor

Don't judge, Filter, Shoot est aussi le titre d'une œuvre circulaire. Il s'agit d'une imposante rosace constituée de tamis accrochés au mur. L'effet est saisissant : les reflets de la lumière sur ces grillages en font un objet brillant et précieux. Mais, quand on s'approche, on peut y voir des trous ainsi que les balles (en béton et en or) qui ont pu faire ces ouvertures. Ainsi, la beauté de l'objet n'est qu'un vernis et l'on est invité à voir ce qui se trouve au-delà : la violence, la cruauté et la guerre ou la pauvreté. François Quintin dit à ce propos qu'« en roumain, le terme signifiant "tamis" désigne une surface constellée de trous, et qualifie en langage familier les guenilles trouées des pauvres, comme si elles avaient été les cibles de la mitraille. » Cette œuvre est quelque peu mélancolique, désillusion et colère s'y mêlent en une critique subtile de la société contemporaine.

Mircea Cantor, Sic Transit Gloria Mundi, 2012 © Mircea Cantor

Cette critique, on la retrouve dans d'autres œuvres, telle la vidéo Sic Transit Gloria Mundi (Ainsi passe la gloire du monde) dans laquelle on voit des hommes , à genoux et en cercle. Ils sont courbés, anonymes, les mains tendues en avant. Sur leurs mains, une femme dispose une longue mèche de dynamite, elle va y mettre le feu qui va faire trois fois le tour de ce cercle et finir de brûler entre les doigts de cette femme. Cette vidéo est très belle, la tension s'accroît progressivement par la bande sonore. Cette œuvre semble à la fois spirituelle et politique. Vanité et pauvreté se trouvent dans la même image mais sont opposées : une déesse, la richesse, la domination d'un côté, la pauvreté et la soumission de l'autre, aucun dialogue ne semble possible entre ces deux mondes discordants. Mircea Cantor, avec cette vidéo, aborde de nombreux thèmes mais propose aussi une critique d'un pouvoir qui semble déconnecté de la société dans laquelle il vit.

Mircea Cantor est né en 1977 en Roumanie, il vit et travaille entre Paris et Cluj et a été lauréat du prix Marcel Duchamp à l'automne 2011, l'exposition au Centre Pompidou est visible jusqu'au 7 janvier.

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Lola Juan, nouvelle arrivée à Strasbourg avec une expérience en médiation culturelle spécialisation art contemporain, s'essaie à l'écriture sur lifeproof.fr et sur Rue89Strasbourg !

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Chocolat du jour : Sarkis (by Cécile)

Sakis au LAC à Sainte-Marie-aux-Mines. © Adagp/ Sarkis. Photo: CR

Sarkis, j'ai rencontré son travail une première fois au Mamcs à Strasbourg il y a déjà pas mal d'années. Était exposé, de trois manières différentes, le plan de sa chambre à la Krutenau (quartier de Strasbourg très agréable à vivre !). Puis à Sélestat, j'ai vu le rêve qui se situe Quai de l'Ill. Sur un mur, le long d'une rue sont disposées 309 plaques en émail bleu comme des plaques d'indication de rue sur lesquelles sont inscrites des extraits de poèmes ou de textes : une invitation à entrer dans l'imaginaire de l'artiste.

Sakis au LAC à Sainte-Marie-aux-Mines. © Adagp/ Sarkis. Photo: CR

Cette fois, c'est encore au départ de Sélestat que j'ai vu une œuvre de Sarkis : l'Atelier d'Aquarelle dans l'Eau fait partie de la collection du Frac Alsace, cette œuvre participative est exposée en ce moment au LAC (Lieu d'Art et de Culture) à Sainte-Marie-aux-Mines.

En 2013, les Frac (Fonds régionaux d'art contemporain) auront trente ans. À cette occasion, le Frac a mis en place l'« Elsass Tour » et propose, depuis novembre et jusqu'à fin 2013, des événements partout à travers le territoire alsacien mais nous y reviendrons une prochaine fois. Le LAC fait partie de ces lieux et, même si l'exposition « voyageons dans la couleur ! » a été inaugurée lundi passé, l’œuvre était en place depuis le 16 novembre afin que les élèves des environs puissent venir expérimenter cet Atelier d'Aquarelle dans l'Eau, atelier que j'ai eu, moi aussi, l'occasion de tester : retour sur une expérience.

Sakis au LAC à Sainte-Marie-aux-Mines. © Adagp/ Sarkis. Photo: CR

Dans la salle d'exposition du LAC, sur la gauche se trouve une première et imposante table au centre de laquelle se trouve une plante fleurie. En face, il y a deux autres tables collées l'une à l'autre sur lesquelles sont disposées, de façon régulière vingt bols blancs. Sur une tablette en bois, à côté de chacun d’eux, se trouvent trois cubes d’aquarelle et un pinceau. Au milieu, se trouve une gouttière en cuivre, de l’eau s’écoule dedans et se déverse dans une cuve dans laquelle on peut remplir son bol et les deux verres prévus pour rincer son pinceau.

Sakis au LAC à Sainte-Marie-aux-Mines. © Adagp/ Sarkis. Photo: CR

Prêts à déguster cette expérience ? Tout est organisé et ritualisé : mettez-vous face à votre bol rempli d’eau, humidifiez votre pinceau et, avec, prenez de la couleur. Chaque couleur se prend l'une après l'autre, elles ne doivent pas être mélangées : d'abord le jaune, puis l'orange et enfin le bleu. Il faut composer dans l'eau avec les couleurs. Une fois le pinceau gorgé de couleur, trempez-le dans l'eau, doucement, jusqu'à la moitié de ses poils et observez alors la couleur se diffuser, tomber, faire des volutes, se déplacer dans l'eau. Puis, continuez, encore du jaune ou passez à l'orange et gardez le bleu pour la fin. Le rituel ne se termine pas là. Il faut ensuite écrire son nom à côté de ce bol, il sera ensuite photographié et imprimé et sera exposé à côté des autres. Cet atelier d'aquarelle dans l'eau, Sarkis l'a réalisé pour des enfants, mais ça ne signifie pas que les adultes ne peuvent pas y participer aussi : « "Mes ateliers d’aquarelle dans l’eau" sont des sculptures permanentes exécutées avec la participation des enfants. (…) Au début c’était presque une prise de connaissance, puis de conscience, et un émerveillement ! Quand je plongeais mon pinceau dans l’eau, j’apercevais que la couleur quittait le bout de mon pinceau et commençait à voyager dans l’eau avec une certaine vitesse. Le rouge voyageait plus vite que le jaune, le jaune voyageait plus vite que le bleu et le vert. Les couleurs avaient leur propre vitesse ! Un jour j’ai senti, que les enfants s’intéressaient à mes films avec une attention différente. J’ai parlé avec eux, ils avaient entre 7 et 11 ans, j’ai senti leur fascination. Je les observais lors des séances : c’était magique pour eux lorsqu’ils voyaient la couleur quitter le pinceau et voyager dans l’eau. C’était comme un voyage dans l’espace. ».

Ainsi l’œuvre n'existe pas si on n'y participe pas et elle se met en place tout au long de la durée de l'exposition : allez-y, expérimentez, prenez part à cette œuvre et acceptez cette invitation à entrer dans un monde où l'important est d'observer, réfléchir, créer mais surtout où il est question de prendre son temps, d'observer, d'être zen et de voyager avec les couleurs.

Sarkis est un artiste turque d'origine arménienne né en 1938. Il vit et travaille à Paris depuis 1964.

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Lieu d'Art et de Culture / LAC (Cité scolaire Louise Weiss)

3, rue Osmont

Hors vernissage, accès réservé aux usagers du lycée ou sur rendez-vous (hors congés scolaires).

03.89.58.70.36

Exposition du 16 novembre 2012 au 21 janvier 2013

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Les fêtes de fin d'année sont l'occasion de faire la fête, de se retrouver en famille ou de se pelotonner chez soi et dans certains cas de faire des réserves pour hiberner pendant l'hiver ! Pour se faire : marrons, pain d'épices et vin chaud au menu mais aussi chocolats. En ce mois de décembre, lifeproof s'ouvre et invite d'autres auteurs pour vous faire découvrir un artiste tous les jours : bonnes gourmandises à tous !

Chocolat du jour: Katinka Bock (by Stefania)

Katinka Bock, vue de l'exposition à la Galerie Jocelyn Wollf

Katinka Bock, jeune artiste allemande, fait partie de ces artistes qui suscitent un soudain engouement et que l’on voit, pendant quelques années, un peu partout, presque comme un effet de mode.

Ne m’en voulez pas, je ne veux pas réduire le travail d’un artiste à une éphémère tendance, d’autant plus que sa production me semble intéressante et mérite d’être mise en lumière dans ce catalogue d’artistes hivernal. Mais c’est aussi l’occasion de s’interroger sur les mécanismes de « découverte » : montée, succès et oubli de l’œuvre d’un artiste, et surtout d’une artiste relativement jeune(elle est née en 1976).

Au centre du questionnement de Katinka Bock il y aurait le choix du matériau, souvent faisant partie du domaine naturel (terre, bois, sable, fruits, fer…). Comme nous le montrent très bien les artistes de l’Arte Povera et Joseph Beuys, ce choix n’est pas anodin : dans une matière telle que le bois ou le sable il peut y avoir une énergie qui se déclenche une fois la sculpture créé et montrée. De plus, les œuvres de Katinka Bock prennent en compte toujours le contexte où elles sont montrées : cet attitude consistant à opérer en accord avec un cadre préétabli est typique de nombreux artistes contemporains et nourrit ultérieurement la réflexion de l’artiste en proposant des nouveaux contenus.

En général, les sculptures de Katinka Bock entretiennent une relation étroite avec l’espace qu’elles questionnent dans leur extrême simplicité et synthèse. C’est un travail précis, propre, un clin d’œil aux formes du Minimalisme.

L’artiste a reçu le prix de la Fondation d’entreprise Ricard en 2012 et elle est représentée par la Galerie Jocelyn Wolff.

Chocolat du jour: Matali Crasset (By Christelle)

Hi Hotel, Nice

Tel un personnage historique ou légendaire, reconnaissable par un signe distinctif devenu son emblème, Matali Crasset s’est créé un look inimitable en portant une coiffure à la Godefroy de Montmirail.

Cette artiste se caractérise par l’omniprésence de couleurs vives dans son travail. Vous le savez sans doute mais rappelons-le, les couleurs ont un impact sur notre perception du monde. Dans l’environnement gris de nos villes, regarder de plus près les œuvres de Matali Crasset fait du bien.

Evidemment, le travail de cette artiste ne peut se réduire qu'aux couleurs. Il y a une fascinante réflexion sur les formes plus pertinentes les unes que les autres.

Hi Hotel, Nice

Je peux vous faire partager ma propre expérience de la conception de l’espace chez Matali Crasset, car j’ai eu l’occasion de séjourner dans l’un des hôtels qu’elle a conçu. Il s’agit de l'Hi hôtel de Nice où je me suis retrouvée dans une chambre d’une blancheur immaculée. A gauche un lit gigantesque totalement blanc lui aussi et à droite une grande baignoire sans mur autour, donc pas de salle de bain au sens d’un espace clos. Matali Crasset opère une sorte de déstructuration de l’espace ou plutôt de décloisonnement dans cet exemple. L’une de ses phrases, concernant le mobilier de bureau Established & Sons, résume parfaitement cette idée « C’est un espace libéré de ses murs, de ses entraves : seul le contour reste pour devenir porteur… Un espace dédié à une activité, se sentir à l’intérieur tout en étant complétement ouvert aux autres, à la vie qui se déroule ». Ce qui est vrai pour la non-salle de bain de ma chambre l’est aussi pour un bureau, preuve de la cohérence totale de cette artiste.

Les objets de Matali Crasset sont avant tout fonctionnels mais je crois que leur force réside justement dans la sensation ambivalente que l’on ressent devant ses objets ou en les utilisant. En effet, la réflexion engagée par l’artiste pour s’adapter aux lieux et aux fonctions est immédiatement perceptible. Dans le même temps, ces réalisations dégagent une fraicheur qui ne se démode pas.

Je vous invite à visiter son site internet ludique et pédagogique tout en étant technique et philosophique. 

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